這一講，我們要談論現代雕塑，至少，是幾位現代雕塑家。但這首先要回到19世紀，從羅丹開始說起，他生於1840年，活了77歲。
此外，我們還要說一下Constantin Brancusi康斯坦丁 布朗庫西和納姆·加博（Naum Gabo）。他們分別是20世紀雕塑流派的代表人物，表現主義，理想主義和建構主義。從中我們可以看到，現代藝術從它的誕生地法國，迅速蔓延到整個歐洲。
Auguste Rodin (1840–1917)奧古斯特羅丹，最初是一名石匠，1871年，他前往布魯塞爾，為那裡新建成的股票交易所做裝飾雕塑。他一生都在不斷的學習米開朗琪羅，同時，他對法國曆史和文化的熱愛，讓他有無限的熱情動力，為整個國家創作出一件又一件出色的雕塑。羅丹去世後，他的聲望達到了頂點，但很快他強烈的後浪漫表現主義風格，讓位給了現代主義。但我們不能忘記，現代雕塑中，羅丹始終佔有重要的一席之地，因為他的表現風格從未被拋棄，即使在布朗西（和繪畫中的蒙德里安）純淨、纖細、樸素的極簡主義和理想主義最具影響力時也是如此。
我們來看Man with a Broken Nose (1863–1864)（斷鼻的男人），這是一尊向米開朗琪羅致敬的作品。後者持續為羅丹帶去啟發和創作的動力。這個造型極富表現力，從這件作品開始，羅丹開始對解剖學有了全面的瞭解。
Man with a Broken Nose
1875年，羅丹去了意大利，回到巴黎之後開始創作The Age of Bronze (1877)青銅時代，這件作品之所以引人矚目是因為它的精準的自然主義，後來，有批評家說，羅丹是通過模特的身體做了模具。對此，羅丹表示非常生氣，他後來再也沒有做過與常人等大尺寸的雕塑。這件青銅時代的靈感顯然來自米開朗琪羅Dying Slave 臨死的奴隸，證據就是舉起的右臂。在羅丹的雕塑中，模特很可能是用左手拿著一根杆子來輔助擺姿勢。當這根杆子在鑄造前被移除時，這隻手就顯得模稜兩可。
The Age of Bronze
米開朗琪羅 Dying Slave
羅丹職業生涯最重要的一件作品是The Gates of Hell (1880–1887)地獄之門，它最初是受巴黎一家裝飾藝術博物館委託，為這家博物館設計一扇門，但羅丹一直沒能確定下模型。後來，這家博物館的計劃被取消，而羅丹後來完成的這件雕塑，被安放在盧浮宮的一個翼樓裡，保留至今。
The Gates of Hell (1880–1887)
這件作品進展緩慢，最終，它也沒有真正意義上完成，但相反，這反而成了羅丹後來藝術的源泉。在這件雕塑中的人物，大多受到了但丁《神曲》中“地獄”的啟發。
從大門的全景看去，我們可以看到門的兩側，過樑上方的過門，還有一塊寬大的頂石，上面有三個站立的人像。門整體上由壁柱固定。上面的三個人物被看作是“命運”，它們似乎無情地指向下方一個著名的坐像。我們都知道他是思想者，但在這裡，他是但丁，主導著他的地獄。
我們可以比較一下不同尺寸的《思想者》以及他們的完成年代。門上的塑像於1880年完成，高27英寸。1902-1904年完成的這一尊，尺寸顯然被放大了。思考者的姿勢是複雜的和人為的，但它傳達了思想的強度。
再回到上端三個命運的形象，我們看到的似乎是三個不同的男性形象。然而，他們實際上是相同的人物，只是處在不同的位置。這件作品，羅丹其實借用了Ghiberti在佛羅倫薩的洗禮堂門的造型，整扇門又被細分成單獨的門。然而，漸漸地，面板之間的“牆”破裂了，使得空間可以通過整個門。這些人物似乎也漂浮在這個無限制的空間裡，使得背景似乎在不斷地運動中。
在門的另一個細節中，我們看到了“烏戈裡諾和他的孩子們”，在巴黎奧賽博物館（musee d'Orsay）的石膏雕塑中，同樣的人物被放大到超過真人大小。在但丁的地獄裡，烏戈裡諾伯爵是個叛徒，他和他的四個兒子被關在一座塔裡，在那裡他們一個接一個餓死。這個悲慘的故事是由羅丹寫成的，他對烏戈裡諾的罪行漠不關心，只關心他的殘酷命運。
羅丹通過競爭並贏下的第一個公共項目是一座紀念雕塑，紀念英吉利海峽法國沿岸加萊市的中世紀英雄公民，他們為拯救自己的城市而獻身。這場競賽是1884年宣佈的，由加萊市提出委託。羅丹拿出的作品便是這尊Burghers of Calais加萊公民（1884-1889）。
從弗羅伊斯特的編年史中，我們瞭解到英國人在百年戰爭中圍攻加萊的故事。這座城市經受了近一年的圍困，在1347年投降，當時六名主要市民作為人質投降，以便解除圍困，讓市民得到食物 。這六名市民原本是要被處死的。但當時的英國女王愛德華三世，出生在法國，她將這六人赦免。但羅丹向我們展示的是對死亡的期待，以及這六個人離開他們拯救的城市時的反應方式。按照英國人的要求，他們穿上麻布和繩索，其中一人把城門的鑰匙交給了敵人。
Burghers of Calais
這組群像位於費城羅丹雕塑館，這些人物的造型，讓我們看到了他們的堅強和忍耐，其中由一位彎著腰的老人，體現了智慧。這座雕塑上有綠色的古銅色。古銅色最初是指在青銅或銅上自然氧化一段時間後形成的綠色或綠藍色外殼或薄膜。然而，銅綠可以通過化學物質來誘導，許多雕塑家，包括羅丹在內，都嘗試過不同顏色的銅綠，從黑色到銀灰色，再到更熟悉的綠色色調。
我們現在來談談The Kiss吻（1886）。這件作品原本是地獄之門的一部分，但很早就被移除，成為藝術家最受歡迎的獨立作品。
The Kiss吻（1886）
接下來比較康斯坦丁·布朗庫西（1876-1957）和羅丹的同名作品。布蘭庫西出生在羅馬尼亞，從1904年開始在巴黎工作。他是20世紀最早的抽象雕塑家。布朗庫西的The Kiss吻是機智的，溫暖的，可愛的。它和羅丹的吻一樣有說服力，它為人類世界留下了一份理想的境界。
The Kiss
我們的下一個雕塑是布朗庫西的Bird in Space (Yellow Bird)太空鳥（黃鳥）（1923-1924）。正如修拉和其他人蔑視經銷商和一些有錢富商喜歡的偽法國洛可可畫框，他們寧願用白色或其他顏色的畫框包圍自己的畫畫，布朗庫西也控制了他的雕塑作品的呈現。布朗庫西用不同的材料重複了鳥類的基本主題和形態17次。這是第一隻大理石鳥，鳥的錐形底部的錐形基腳是用大理石雕刻而成的。而另一個版本中，則採用了金屬材質，因為它高度反射的表面使得金屬版的鳥有一個更空靈的質量。光照在長凸形狀上，往往會使輪廓溶解成不穩定的閃光，模糊了對其絕對形狀的感知。
接下來，我們將看到Mlle.Pogany一世（1912-1913）。這座雕塑意在捕捉一種純淨、原始的本質。“簡單，”布朗庫西寫道，“不是藝術的目的，而是一個人通過接近事物的真實意義而不由自主地達到簡單。”
Mlle.Pogany一世（1912-1913）
正如布朗庫西模仿了機器製造的完美物體一樣，Naum Gabo諾姆·加博（1890-1977）和他的兄弟安託萬·佩斯納也認為藝術必須接受現代技術及其材料。但是他們的風格，被稱之為解構主義，是反材料主義的，我們看到加博的2號頭像（1916年；1966年放大版）。1915年至1916年，加博的前兩個頭部是由木頭或金屬製成的。這些被放置在與頭部自然表面成直角的位置，揭示了內部是開放的、相互滲透的空間。立體主義是這種風格的一個來源，但它是開放的立體主義，承認空間作為一個平等的夥伴。
加博的2號頭像（1916年；1966年放大版）
現在把羅丹的《斷了鼻樑的人》和布朗庫西還有加博做一下比較。我們看到了他們的藝術為20世紀提供的三種可能性：
（1）羅丹的表現主義造型，包括其扭曲和抽象。
（2）布朗庫西理想化的優雅，包括它的扭曲和抽象。
（3）加博的建構主義面具，包括它的立體平面和它剝離的自然表面，以揭示其內部的空間。
每一個都是20世紀和21世紀雕塑家的靈感來源，它們提供了廣泛的風格方法和潛力。當我們進入20世紀時，突然意識到，現代藝術似乎在歐洲迅速傳播，這一點很有趣，也很重要。不久以前，巴黎是現代運動的中心，羅丹也是這個中心的一部分。但布朗庫西雖然搬到巴黎，卻是羅馬尼亞人，加博是俄羅斯人，而羅丹本人也很快成為了國際明星。
