什麼被稱之為藝術？我們日常生活當中經常談到這個話題——有的人說看不懂就是藝術，有的人說高大上的東西就藝術，有的人說藝術是一種哲學思想，也有的人說根本沒有藝術……儘管人們對藝術的定義眾說紛紜，但仍有八個主要的創作主體被成為八大藝術：文學、繪畫、音樂、舞蹈、雕塑、戲劇、建築、電影。
不過今天我們不需要來談論這八大藝術，我們只是簡單的來說說被許多人稱為“第九藝術”的遊戲藝術，來了解這些年發展之後，遊戲這個行業當中究竟能達到多高的藝術價值。究竟什麼樣的遊戲才能稱為第九藝術？
遊戲=藝術？
前段時間我們被“貪玩藍月”“渣渣輝”刷屏之後，或許還會有人疑惑的問：遊戲真的有資格稱之為藝術嗎？
一如其他藝術都會出現一些糟粕一般，文學中會出現一些“打油詩”，音樂當中會出現一些“滑板鞋”，每個創作型產物當中總會出現一些高低有別的作品。但是也沒人會因此否認文學的藝術價值，也無法推翻建築上的邏輯美學。
《旺達與巨像（巨像之咆哮）》在2005年與我們第一次見面，由一位藝術生上田文人帶給我們初次的震撼體驗。距今已經13年過去了，如今再度進入這個廣闊的世界，依然會受到再一次的衝擊。
這款遊戲究竟有何魅力，能夠讓眾多玩家甘心折服，獻上“藝術”這個名號呢？遊戲藝術從何而看出價值呢？我們不妨從這款最近才重生的經典遊戲當中來窺見一二吧！
我們將一款遊戲進行分解，可其解構成一個個獨立的單元——遊戲的畫面、遊戲的故事、遊戲的可遊玩性（遊戲性）、遊戲的劇情的編排等等，從這些相對獨立又緊密結合的單元當中，可以稍微的瞭解到遊戲的一些藝術元素。
畫面與分鏡美學
《旺達與巨像》與其他遊戲最大的不同是什麼呢？讓我體驗最深的，莫過於上田文人那嫻熟的畫面運鏡。
從遊戲的開場動畫，就能感受到了與眾不同的魅力。影片從一開始的長鏡頭引入到山澗之中，一種孤獨悲鳴的氛圍開始湧入。隨後的鏡頭將視角聚焦到主人公旺達與愛馬阿格羅之上，從背後開始的幾個鏡頭又將故事發生的地點交待完整。整段OP當中幾個長鏡頭的運用，就算放入電影製片當中，也是不枉多讓。
【遊俠網】《旺達與巨像》開場動畫
遊戲與電影不同，電影在製作過程當中，往往會受限於實際場地、演員演技等方面的影響，在實際演出中可能與導演、作者的想象中的畫面會有所出入。《指環王》當中那廣袤又綠垠的中土世界，在現實中著實難尋一景，當中的妖精、半獸人，實際更是不存在，小說面世長達幾十年之後，憑藉電腦特效技術的進化，才勉強能出現在我們面前。
惟妙惟肖的咕嚕能夠出現在視線裡，絕對是托爾金想象不到的
遊戲則不然。與動畫製作類似，在初始階段，遊戲好比是一張任何事物都不存在的白紙，負責的製作人要將自己想象出的畫面與創意全部鋪開在紙上。幸運的是，遊戲並不會受到實際場地、演員演技的影響，製作人（導演）能夠更多的掌握住整個遊戲的互動演出，讓整個遊戲遊戲按照自己所想要展現的畫面前進（儘管還是會受到電腦技術的限制），讓玩家與自己一起體驗這種“虛擬的真實”。
遊戲中能出現的魄力景色
上田文人制作的《旺達與巨像》，在畫面的展現度上，顯然已經有了電影級別的實力。在過場CG當中，對鏡頭的把握度，一些長鏡頭的大量使用，絕對是需要特別優秀的藝術功底與天賦才能實現，也是其他遊戲所無法擁有的。
《旺達與巨像》草原奔馳
除了過場CG當中，遊戲在畫面運用當中，依然有著優秀的畫面鏡頭表現。在一些場景當中，騎著阿格羅的旺達並不是與其他遊戲一般默認在畫面中心，而是會隨著畫面移動而逐漸進行變化，進而會形成一副頗有意境的動態畫。與遊戲畫面對比來說，頗有電影分鏡的味道，也算是長久趕路的途中的另外一種感受。遊戲中若有似無的視角轉換，處在遊戲中的每處，讓整個遊戲遊玩過程當中像極了一部長鏡頭拍攝的電影。
一鏡到底的《鳥人》絕非易事
《旺與達巨像》當中除了畫面的轉換以外，畫面並非一味的陰沉灰暗。在奔跑趕路過程當中，畫面會出現一些帶灰色調的綠色景色，而到了BOSS對戰當中，則會進入灰濛濛的視線，讓氣氛變得沉重起來。不同的色調，似乎也能體現了劇中人物不同的心境：巨像是必須打敗的存在，而在途中也會有點色彩點綴來試圖調整旅途中的心境。
畫面的灰暗似乎暗示著對抗巨像的不安
故事曲折度與內涵
一款遊戲如何去吸引玩家呢？是憑藉著遊戲的複雜操作程度（《黑暗之魂》？），還是遊戲的關卡設計趣味度（《超級馬里奧》？），抑或者遊戲的開放程度（《塞爾達傳說：荒野之息》？）呢？私以為，能夠吸引人玩家遊玩之後深思回味的，應該是遊戲的故事劇情。在經歷過一個曲折離奇，蕩氣迴腸的故事之後，玩家方能深刻的記住這款遊戲——《美國末日》、《生化奇兵》等等作品在通關之後，都會引發無限的回味。
讓人印象深刻的《美國末日》
《旺達與巨像》又何嘗不是呢？
開場的鏡頭展現的場景，阿格羅孤獨的馱著旺達與少女，在山谷間叢林中，以及荒蕪的沙漠中勉力前行。孤獨的鏡頭，不由得讓人遐想故事的開端與發展。
上田文人在遊戲的初段，非常巧妙的採用了截取片段的方法：他既不讓你知道為什麼旺達為什麼會孤獨前行，也不告訴你旺達為何要一心一意拯救少女。你要做的事情，就只能沿著設計好的故事前進——一個人去面對龐大無比的巨像。
天地之間，只剩下旺達和巨像
好的線性遊戲，唯有故事吸引人，方才能打動人心。在電子遊戲發展迅猛的現在，遊戲的玩法層出不窮，更新換代也非常之快。儘管一款遊戲的玩法與操作在誕生之初非常新穎，讓人覺得驚豔十足，但隨著時間流逝，遊戲的玩法也必將更新，再回過頭去看當時的新穎遊戲也會覺得有些彆扭之處。曾經的TPS系列創新者《戰爭機器》，時隔多年之後的復刻也只達到了遊戲的平均水平；一時的美式RPG霸主《上古卷軸5》，回過頭來也處處充滿了設計詬病（比如開個門就要讀條）；小島秀夫的潛行大作《合金裝備2&3》，時至今日來看遊戲玩法充滿了難受彆扭的操作，也讓許多從MGS5入坑的玩家望而卻步。
遊戲越做越新，而故事，卻是越陳越香。
上田文人清楚明白這個道理。做一款遊戲，並不單純的只是做出娛樂的地方就好。《俄羅斯方塊》、《FC小蜜蜂》、《超級馬里奧》、《我的世界》等等，都是激發了人類最初始的遊戲慾望所誕生的遊戲。不可否認這些遊戲對於遊戲界的偉大之處，但是玩過這些遊戲之後是否還能引發人深思呢？
《美國末日》給我們展現了一個喪屍橫行的末世廢土世界，人類在這個末世中面對的困境與抉擇讓人唏噓；《合金裝備》給我們帶來了一個冷戰之下的精彩故事，BIG BOSS與蛇叔的前因後果，讓人看的拍案叫絕；《生化奇兵》中營造了一個未來的水底世界，讓人在人與變異之間艱苦抉擇，呈現了一個反烏托邦的社會。
《生化奇兵》中的劇情設定也讓人玩味
《旺達與巨像》呢？
它只是講了一個簡單的故事：男孩為了愛情拯救一位女孩。
愛情是什麼呢？有許許多多的作品歌頌過“這個東西”，它有時候模稜兩可，有時候又清晰明白。你說不清它是什麼，但又能在模糊之間知道它是什麼。它是脆弱的，無法輕易去觸碰的；但它又是堅強的，能夠化作無往不利的動力，讓人不敢直視那耀目的光芒。你無法說明它的虛實，你只能從它幻化的事物當中窺視它所擁有的力量——正如旺達毅然去挑戰那些不可能戰勝的巨像所展現的勇氣……
誰不曾有年少輕狂時？誰不曾有為愛拋棄一切時？誰不曾認為自己能對抗天地？只不過尋求過程當中，你無法遇到理解你的人，你也不願意與他人明說。在尋求愛情真理的道路上，你孑然一人，行走在天地之間，孤身對抗外界的壓迫。
這樣的孤獨，誰又理解呢？在追求愛情真理的路上，你會為此付出多少呢？是無視阻礙一往無前，來一場轟轟烈烈；還是小心翼翼，與萬物妥協？且不說遊戲的可玩程度，《旺達與巨像》那頗具內涵的故事，總會喚起心底角落的一個小小的波瀾。
敘事手法與展現
一個優秀的故事，需要作者精心的撰寫；一個精彩跌宕起伏的故事，則需要作者對整個故事的駕馭能力。不同劇情的編排，對整個故事框架結構的調整，能讓一個平庸的故事頓時出色無比。
平鋪直敘的故事，對應的可能是枯燥無聊的劇情。人們常常吐槽FPS類別遊戲的直白暴力，劇情聊勝於無，也通常是這種原因。
史上最爛COD，沒毛病
《旺達與巨像》中的劇情發展設置，在十多年後的來看，依然是非常出色。上田文人並沒有直白的將少女成為祭品的故事從而說起，而是將其隱藏起來，讓玩家自己動手去解開這些問題：這個少女是誰，旺達與少女是什麼關係，旺達為何願意為少女付出一切？
如此倒敘的手法，能夠增加故事的可看性，也增加了玩家解開故事之謎的慾望，也讓人第一時間感受到旺達的心境。
上田通過開場一段毫無對話的場景，將一個蒼茫的世界放在玩家面前，讓玩家靜下心來仔細的體會這個世界。開場中的旺達沒有任何一句對話，而是讓玩家自己是體會，極大的增強了玩家的代入感：我是誰，我在哪兒，我要怎麼做？
每戰勝一個巨像，空虛感隨之潛入到身體當中
遊戲中，沒有設定任何互動的地方（或許有，我還未曾找到），你操縱的旺達，為了解開少女的詛咒，只能打倒一個又一個的巨像。打倒巨像途中，也不會出現任何一個雜兵怪物——你只能騎著阿格羅，進行一場漫長的奔涉。
漫長的奔涉或許是受到遊戲技術力的限制，不過大部分顯然是刻意而為之，讓人感受旅途中的枯燥，也讓人在能進一步體會到拯救愛人的艱難。騎在阿格羅之上，你是否也感受到了旺達的孤獨、疲倦與堅持到底的信念呢？
先前拿了電影給遊戲做了例子，遊戲模仿了電影的畫面展現手法，但又難於電影。電影作為影像的產物，對於觀眾來說是單向的：在觀看電影時候，你只能被迫吸收，這種交流是單方面的，你無法與導演進行反饋。遊戲則不然——開放遊戲更不然。遊戲當中，最大的不同則在於你是一個可活動的角色，你不是單方面的被遊戲製作人牽著鼻子走，你的一舉一動還影響著遊戲發展。這種體驗是交互的，你能影響遊戲中的人物，遊戲中的人物也能影響你。
《旺達與巨像》挑戰巨像
為此，上田文人採用了類似於“白描”的手法，只是淡淡的告訴你這個故事。而遊戲中所展現的陰鬱氛圍無處不在，當中的故事的激烈程度與艱難，需要你自己靜下心來，慢慢體會。與其他遊戲簡單粗暴的將故事劇情硬塞給你，有著極為的不同：它有著亞洲東方的神秘與內斂，有如冰山一般，呈現給你的只是故事的表面，更多的故事與內涵，只有你自己精心去挖掘。
藝術？什麼才能叫藝術？
藝術，究竟什麼能稱之為藝術？又有什麼能稱之為遊戲藝術？這種話題眾說紛紜，也有許多玩家對這類遊戲不屑一顧——憑什麼這種毫無遊戲性的存在能稱之為遊戲？
有如電影的分類一般，商業片、藝術片、網絡大電影等等等等，隨著時間的推薦，不斷分化出更細的條目，遊戲也不外如是。有迎合大眾的遊戲，也有純粹為了自己的野望製作的遊戲；有適合眾人遊玩的遊戲，也有一個人靜靜品味的遊戲，有純粹消磨時間的遊戲，也有內涵十足的遊戲……
那麼遊戲的藝術感又該怎麼說呢？是遊戲的關卡設計出眾，還是遊戲的故事藝術，又或者是遊戲的美術設計優異？面對遊戲的可玩性與藝術性，製作人與玩家又該如何抉擇呢？
不如拿最喜愛的《銀翼殺手》來做個比喻吧：廣泛大眾喜愛的東西固然有趣好玩，但偶爾我們也要品嚐一下那些生澀難懂的事物，去體會一下不一樣的藝術境界。
什麼遊戲才能稱之為“第九藝術”？或許各位心裡比我更清楚。
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