張粒粒的午夜雜貨鋪
觀看繪畫永遠是一場智識上的挑戰。
看畫，關鍵不在於今天的我們看到了什麼，而是穿過表徵和具象，看到彼時畫家在拿起畫筆時所看到的世界。不同的時代，不同的地域，都有偏好的繪畫，很難以一張油畫全而概之。
這裡還是舉一個例子，分享看畫時，如何“看到”不一樣的東西。
1647-1651
看這張畫的時候，看到了什麼？一個身姿曼妙的少女側臥在床榻，但偏偏她的頭則朝向鏡中，但鏡中的面容我們看得並不真切，鏡子由身纏絲帶，背附雙翅的孩童所持。這個孩童很明顯便是丘比特，因此絕大多數現代的史學家以此推斷委拉茲貴支所畫的是維納斯。得出這樣的結論並不難，維納斯在彼時屬於非常常見的題材，大家對威尼斯畫派筆下豐腴的肉體應該還有深刻的印象。
1510 喬爾喬內
緹香和其早逝的師兄喬爾喬內都是刻畫人體的好手，側躺的經典姿勢也反覆被後世所重複，除了對姿勢所產生的範式的重新利用，委拉茲貴支筆下的維納斯還具有一個重要的特徵——鏡子的反射，鏡子作為象徵符號的意義暫且不表，維納斯照鏡子這一模式，也並非畫家獨創，仍是一種沿用，例如緹香和魯本斯都處理過類似的題材。
1614-1615 魯本斯
1555 緹香
當然，這兩張畫中代表維納斯的女子相比委拉茲貴支筆下的創作，簡直可以用健碩來形容……言歸正傳，我們再回到委拉茲貴支的畫裡來，對比一下以往維納斯這一題材中的元素安排：其一，委拉茲貴支的維納斯並非一位金髮女子（似乎人物是有原型的，如早前一些同題材定製畫）；其二，鏡子中呈現的似乎是一幅韶華已逝略顯疲態的面容，讓人想起藝術史上著名的“vanité”題材；其三，委拉茲貴支幾乎極力簡化了所有細節，除了簡單的床幃刻畫，丘比特身上代表性的綢帶外，無其他元素。
而此時我們更要理解一下委拉茲貴支在創作時的宗教背景，17世紀巴洛克藝術時期，歐洲各地都有豐富的“裸像”創作，但在西班牙地區是明令禁止的。畫家可以僱傭男性模特，女性則不行，否則畫家會被認為是放蕩之人，會被開除教籍，從西班牙驅逐。17世紀西班牙的裸體藝術問題涉及到道德，權力和美學的概念，雖然國王以及法院的成員都明令禁止畫家進行裸體創作，但例如畫家的保護者，西班牙國王菲利普四世自己便收藏了許多緹香和魯本斯的裸體畫作，並將其收藏在私人空間中——一種顯而易見的目光控制。因此很多學者推斷，這幅畫是委拉茲貴支前往意大利遊歷時所創作的。
戈雅的故事也證明了這個現象在西班牙持續到了18世紀末期。同時，裸體的欣賞在當時是極為私密的事情，對於有些上層人士而言，他們擁有欣賞私密裸體的權力，且並不願意打破該權力的平衡狀態。
睡著的赫馬佛洛狄忒斯，目前收藏在盧浮宮，原作出自於17世紀羅馬最火熱藝術家貝尼尼之手，是委拉茲貴支在意大利遊歷時叫人複製帶回馬德里的。很多學者認為委拉茲貴支的維納斯並沒有真人模型，而是參照了這座雕塑。但懂神話史的朋友們可能已經看出來了，赫馬佛洛狄忒斯，也就是Hermaphrodite，是希臘神話中的陰陽神，是墨爾赫斯和阿佛洛狄忒之子，後在水仙薩耳瑪西斯追求下，被諸神變作了陰陽同體，同時具有男女性特徵，Hermaphrodite也是西方文化中“雌雄同體”的來源。如果學者們的論斷是真的，那麼委拉茲貴支筆下“藝術史上最妖嬈的維納斯”之一，則源自雌雄同體。
這幅畫最終在19世紀輾轉抵達了英國，現收藏於倫敦國家美術館中。然而，在1914年3月10日，女權運動者瑪麗·理查森進入美術館後，用菜刀對畫作進行了摧毀。用她的話說，她無法接受男性觀眾們在這幅畫面前一待就是一天。這成為了藝術史上吊詭的事情，被公眾認為藝術史上最女性，最美的裸體之一——在從前只被男性私密的目光觀看，且可能來自雌雄同體——在今天，則被部分人認為妨礙了女權。
看來，關於這幅畫的故事還沒有結束，它承載了時代的目光，以及背後的變化，即便今天我們還是無法對畫面中的疑問一一解答，比如畫中女子究竟是誰？為何一頭慄發？為何鏡中容貌如此憔悴？但我們依舊能找到那個時代的蛛絲馬跡——在宗教背景下，看一眼讓人心驚膽戰的裸像可能還會從心理上顧忌所需要承受的結果，而今天我們面對充盈的裸體則坦然得多。
Paul Baudry 1863
Alexandre Cabanel 維納斯的誕生 1863
維納斯是個題材，甚至至今不衰，不變的神諭，在變幻的時代裡激起不一樣的浪花。每當我們前往觀看時，我們需要一而再再而三的小心，我們看到的是什麼，我們看到的是否是我們所想的，我們所想的是否又符合那個時代的思想背景。這是件很難的事情，智慧如福柯，面對繪畫時，也會犯錯誤，福柯曾在《詞與物》的序言中精彩地分析了委拉茲貴支《宮娥》的構成，但藝術史學家阿拉斯說，從歷史的角度而言，福柯錯了，但我們隨著畫作在歷史中跟進時，卻又顯得合情合理。
所以說，你們覺得自己看到了什麼？
透明流動虛無
近幾年，楊雲飛的名字不斷出現在國內藝術品市場，而且其畫作也是一路飆升。其中，比較著名的一幅《荷花屏風》，在北京保利2012秋季拍賣會上，以17,250,000人民幣的天價成交。
然而，當搜索楊雲飛的油畫作品時，發現其還有一幅《靜物前的姑娘》，更是賣出了34,500,000人民幣的天價。雖然本人不是很懂藝術鑑賞，但也清楚，成交價確實反映著作品的優劣。從這一點來講，楊雲飛可以說是當前國內油畫大師中的佼佼者了。
在以上兩幅作品中，我個人還是比較喜歡《荷葉屏風》，可能是本人比較保守吧，總覺得油畫還是不要太暴露的好。當然，藝術有其自身特點，而且每個人的審美情趣也不同。《荷葉屏風》，既有寫實，也有寫意，大家所看到的側臥的女性為作者的妻子，是著重刻畫的對象，而其身後的屏風，則是作畫者通過腦補形成的背景。
將傳統繪畫和現代油畫強硬地置於一張畫布上，不僅沒有讓人覺得牽強生硬，反而呈現出了一種強烈的烘托效果。在此，將王宏建先生的評價轉給大家：
楊飛雲的畫具有西方古典繪畫樣式的一切基本要素，如嚴謹的造型、精細的筆法、勻淨的線條、典雅的色彩等等。由於他在繪畫語言上的不斷追求與多年探索，其技藝愈來愈近乎純熟。他是按照自己的審美理想去創作、去探索、去追求優美的極致，因此他的畫風柔美而不媚俗，秀麗而不輕靡，給人以健康的美感。
我想，王宏建先生的這番話，應該能夠高度概括出楊雲飛的藝術風格，也有助於大家欣賞和品味楊雲飛的油畫作品。對於我們來講，油畫還是一個比較新鮮的事物，還正處於不斷髮展和完善的階段。而人體油畫，對細節把握的要求幾近嚴苛，因而創作者也面臨著極大考驗。不過，作為欣賞者，大家完全可以根據自己的審美去感受油畫的魅力，似乎要輕鬆地多。
碣石樵子
像許多摯誠的油畫愛好者一樣，欣賞油畫的惟妙惟肖，欣賞油畫的開闊壯美，欣賞油畫的意境深邃……
在大師輩出經典疊現的油畫長廊裡，最令我流連忘返的一幅畫便是喬爾喬內的《沉睡的維納斯》。
喬爾喬內《沉睡的維納斯》
喬爾喬內(1477一1510)，歐洲文藝復興時期(後期)偉大畫家，威尼斯畫派重要代表人物。喬爾喬內在汲取文藝復興鼎盛時期繪畫藝術精華的同時，融入自己的繪畫思想和理念，在創作中大膽創新，從色彩到背景處理形成新的突破。其作品清朗、明快、乾淨、柔和、詩意盎然，風度雋永。總能給人留下至深至美的印象，讓人不忍移目，百睹不厭。
《沉睡的維納斯》是喬爾喬內於1510年也就是他生命的最後一年創作的。實際上這幅畫直到他去世也沒有全部完成，由提香後來在畫作上添加了草地、天空等背景板塊，從而成就了一幅不朽的畫作。
維納斯是古希臘神話中的愛神。在這幅作品中，愛神維納斯展示出極致的造化之美，沒有任何宗教女神的特徵。形體勻稱而舒展，優美而溫柔，起伏有致，韻味無窮，與周圍的綠地，天空等自然景觀互為呼應，在色體、色彩、柔和的線條和景色的層次上都達到高度的和諧統一，表現出人的具有生命力的肉體與純潔心靈之間美的統一，更符合大多數人的審美取向。《沉睡的維納斯》後來成為人體繪畫藝術的教學範本。
提香在喬爾喬內去世後，又創作了一幅《烏爾比諾的維納斯》，成為《沉睡的維納斯》的姐妹篇和世界人體繪畫藝術的雙姝經典之作。
提香《烏爾比諾的維納斯》
誰憐一燈影
比起國畫，油畫顏料亮麗、鮮豔，更有附著性和塑性，能塑造出極有立體感的物象，把物象的神韻更好地傳遞出來。
油畫在全世界已經流行了600多年的歷史，時至今日，已經發展得相當完善。從文藝復興到現在，一個個油畫大師用他們出類拔萃的才情，為我們描繪了一幅幅神形兼備的傑作，成為藝術王國中最亮麗的風景。
法國勒尼奧《美惠三美神》
優秀油畫作品太多了，沒有最好只有更好。但凡優秀的藝術品，是一個引子，它能為讀者打開想象之窗，能為其他創作者打開藝術再創造的動力。
如果從這個層面考慮，我最欣賞的油畫是文藝復興時期天才畫家，三傑之一的拉斐爾創作於16世紀初的《美惠三美神》。
《美惠三美神》取材於古希臘一段神話故事，具有突出的象徵意味。畫中三個手拿蘋果的女神從左至右，分別代表美麗、青春和歡樂，在有些版本里，也說代表美麗、愛情與貞潔。
德國魯本斯《美惠三美神》
三美神是天上的神靈，她們若看到人間不幸，世人遭受磨難時，會降臨人間，幫困難之人渡過難關。
此畫中，三個女性站立在中心，構成了穩固的三角形，每個女神左手搭在前一個肩膀上，象徵她們要團結一致，以造福人類為己任。右手端著蘋果，象徵健康美麗，預示她們要把健康美麗送給人間。
意大利拉斐爾《美惠三美神》
三個女神雖然是天上神靈，但在拉斐爾眼裡，他們是世間最漂亮的女性。三人造型生動準確，姿勢優美自然，身體線條流暢圓潤，神態安詳，眼睛裡充滿了慈祥的愛意。代表了一種積極、健康、活潑、樂觀、美麗的正能量。
英國愛德華·弗羅斯特《美惠三美神》
這幅作品有力地體現了文藝復興時期人文主義所表現出的那種積極向上的人生觀，和傳播大愛造福人類的世界觀。拉斐爾敏銳地捕捉到了當時的審美趣味和意識形態，並用高超技法把它們表現成具象的畫面，既是對人類追逐美好生活的記述，更是對人類思想發展史的記述。
美惠三美神玉雕
可以說，拉斐爾的《美惠三美神》像一把火，引起了他之後許多畫家如痴如醉地刻畫“三美神”題材作品，每個畫家用自己的才情不斷詮釋著對三美神題材的理解，以及對美的追逐。並且，關於三美神的雕塑也層出不窮，讓這幅作品廣為人知。
在拉斐爾之後，畫過三美神的主要畫家和作品有17世紀巴洛克風格德國畫家魯本斯《美惠三美神》，19世紀英國畫家愛德華·弗羅斯特《美惠三美神》，19世紀瑞士畫家艾蒂安·里奧塔《美惠三美神》，19世紀法國畫家勒尼奧《美惠三美神》，還有眾多雕塑家的《美惠三美神》。
鴻鵠迎罡
我最欣賞的是中國當代畫家羅中立先生於1980年創作的油畫《父親》。
這幅油畫獲第二屆中國青年美術展一等獎，當年評獎，得票高出第二名（100票）700票，現藏中國美術館。
這幅畫採用的是超寫實手法，通俗一點說，就是比照相還要逼真，比照相的細節更豐富。
據介紹，這幅畫畫出了人物——一個老農民的“外在質樸美和內在高尚美”，也有介紹說，畫出了人物的苦難、堅韌和任勞任怨，“牛羊般的善良”。
是的，人物的憨厚善良和他的面容所記錄的人生讓觀者震撼!
作者是以他讀四川美術學院附中時下鄉去達縣所住農戶的房東鄧開選為原型的，每到夜裡，他和這位老農抵足而眠，聞著老農的煙味，聽著土屋外面的蛙鼓。
而創作這幅畫的直接原因是作者曾經在年三十城裡人家家戶戶歡度除夕的時候，發現一位老農在公共廁所守著廁所裡的糞便。
當年農民到城裡收糞是要按擔付錢的，並且各公社各生產大隊還會因爭奪糞便發生打鬥，因為怕別人搶先收走大糞，所以生產隊派這位老農在這裡看守。
這幅畫是“劃時代的傑作”、“當代油畫的里程碑”。
它好在哪裡？我認為畫出了人民的心聲，畫出了人民對農民發自心底的感激與敬重——農民用體力，用吃苦耐勞的人生為國人提供糧食、蔬菜，現在又成為城市、交通建設和社會服務的主力軍。
原來這幅畫名為《我的父親》，一位老畫家建議改為現名，這一點也耐人尋味——後來群眾投票的事實證明，“父親”，這不是羅中立一個人的感受，這是社會共識。
這麼重大的主題，這幅畫卻並不是說教，而是用精湛傑出的在當時先鋒前衛的藝術語言感染和說服了觀者，引起了觀者發自內心的共鳴。
它畫出了人物的時代風貌——在那物質尚不豐富的時候，人們就是這樣生存著，奉獻著。
我覺得它和那一幅偉大的《蒙娜麗莎》一樣，畫出了一個時代。
《蒙娜麗莎》是意大利文藝復興時期畫家列奧納多.達芬奇創作的油畫作品，收藏於法國盧浮宮博物館。該畫作的主要內容，表現了女性的典雅和恬靜的典型形象，成功地塑造了資本主義上升時期一位城市有產階級的婦女形象。
大悔憶智冰
對於油畫作品，還是比較喜歡冷軍老師的油畫作品，冷軍作為油畫界的領軍人物，超寫實派油畫
界的霸主。
冷軍，1963年出生於四川，1984年畢業於武漢師範學院藝術系，武漢畫院專業畫家，中國國家油畫院研究員，我國一級美術師。
冷軍的超寫實畫法，是繼承了發展百年的西畫體系，作為藝術大師，冷軍老師，在滿足審美，神韻，賦予畫面情感的我前提下，又把場景刻畫到前無古人的逼真水平，讓人歎為觀止，難以相信這是一筆一筆畫出來的，
逼真而傳神，這是冷軍的畫給我最大的感觸，可以衝擊你的視覺，深入你的靈魂，把形於神杳然紙上，這也許就是繪畫至高無上的產物。站在冷軍的油畫前，及時你不懂油畫，也能感覺到驚心動魄的力量，透過層層顏料，感受繪畫背後的故事，這也許就是繪畫帶給觀眾的感染力。
細看冷軍的肖像畫，人物臉部的色調，同樣的一塊皮膚色，色相又是如此不同，在放大鏡下看，每一個小區域都有細微的區別，而且表現的恰到好處，皮膚的質感依然清晰可見，技法無不讓人歎服。
藝術系女生
俄國海景畫大師艾瓦佐夫斯基的經典力作《九級浪》……。
艾瓦佐夫斯基經典力作《九級浪》
海上風暴總是以第九級浪頭最險惡，最可怕。九級浪到來輕則摧帆斷桅，重則船覆人亡。所以，要躲過它的巨大摧毀性威力幾乎是不可能的。 畫家的立意就是要表現人們征服這九級風浪。它描繪了斷桅上的人們戰勝驚濤駭浪的無畏勇氣和決心，表現了人與自然拼搏的頑強意志和壯觀景象。天空中的濃重雲霧，透過雲層的陽光灑在大海巨浪上，映照得燦爛透明，這給掙扎在死亡線上的人們以光明與信心。畫家那光與色的筆觸，完全融化在海浪中，給人以身臨其境之感。整個畫面宏偉壯麗，是一首充滿高昂激情的大海抒情詩篇。《九級浪》表現的是風暴中飄泊的人們，他們棲居在帆船的殘餘物上，為了生存，拼命掙扎，狂風巨浪，呼嘯而來。暴風雨中的船與人，表現了人與大自然相互之間的抗衡，也表達了大自然力量的不可抗拒性 。畫面氣勢逼人，色彩動人，藉以烘托人的大無畏精神。這是一幅關於人與自然的頌歌，既使人震撼，也使人動情，給人以難忘的印象。
艾瓦佐夫斯基序列海景畫作品：
艾瓦佐夫斯基二十七歲時遊學歐洲後回到彼得堡。不僅俄國科學院授予他院士稱號，而且俄國海軍部還聘他為海軍專業畫家。雖然榮譽和財富接踵而至，但艾瓦佐夫斯基並不迷醉於此。一年後毅然離開彼得堡回到故鄉建立了自己的畫室，專門描繪海洋景色，尤其是擅長於描繪波瀾壯闊的風暴海浪場景：
Mrttlzz99
油畫是西洋畫的一種，它是用顏料作畫，使用色彩豐富，豔麗對比非常明顯，這應該是油畫的特點之一，可能也是最大的特點。
油畫應該遠看，而不應該近觀。因為近看你真的不知道畫的什麼，近處看的話，只看到一層層顏料，站在遠處看，看全貌，你才知道表達的什麼，才能清晰地看到層次。
既然油畫是西洋畫的一種，那麼自然就涉及到很多西洋畫家。我們知道，西方有很多傑出的畫家，他們的作品留存至今已是無價之寶。
也是全人類珍貴的精神文化遺產。中國的油畫相傳是傳教士利瑪竇來到中國後，油畫才開始興起，徐悲鴻就是倡導將西洋畫和中國畫結合的典型，他自己也有繪畫作品。
我最喜歡的就是傳世名畫梵高的《向日葵》了，因為它用金黃和綠色對比，象徵生活和熱情，奔放的金黃色就是人的一生奮鬥歷程，人要進取，就要有火一般的熱情！
梵高《向日葵》當然了，油畫作品不止這些，也分很多種類，有的人喜歡風景，有些人喜歡人物，用油畫表現人物應該是一種大膽的藝術！
以上是我個人觀點，那麼對此你有什麼看法呢？歡迎留言，謝謝支持！
鐵匠的頭髮
80年代初，友人送來一本畫冊，是法國人安格爾的作品，隨手翻閱了下，對那幅《泉》印象特深刻。
迄今為止，依然記得畫中，那位年輕女子手持花瓶，瓶口朝下，那水流出來了，且是個裸體女子。
那時候，社會遠不如現在開放，鄧麗君的歌都是靡靡之音，歌曲錄音帶都走私進來的。所以個人驚詫於原來可以如此這般作畫，女人不穿衣服的畫作，竟然也可以明目張膽地出版，真是世道要變了。
據查閱網上資料，油畫作品《泉》，作於1846年，是安格爾最傑出的作品，標誌著安格爾藝術達到了光輝的頂峰。
當初，個人看到此畫的第一印象，那就是一個字“美”！不穿衣服的女子，在個人面前就是美，既美不勝收，又美得清新脫俗，個人沒有一點別的邪念，藝術竟然會給人如此高潔的美感，所以真的被震懾了。
評論家對《泉》的評價為：象徵“清高絕俗和莊嚴肅穆的美”，其實，說實話一般成年人，體內都有動物的習性，看到漂亮的女子，包括活生生的人、影視中、畫作中、甚至文學作品描寫的女子，有時會有那種想法，這應該很正常，但對安格爾《泉》中的女子，個人竟然沒有一點邪念，作品藝術魅力所在吧！
在油畫作品《泉》中，體現了女子的圓潤之美，圓圓的臉蛋、圓圓的乳房、圓圓的臀圍，乃至圓圓的花瓶，組合在一起，真的很美妙，讓人怦然心動，為畫中的美所懾，竟然沒有邪念，真是奇怪了。
安格爾，法國新古典主義畫派代表畫家，畫風線條工整，輪廓確切，色彩明晰，構圖嚴謹，對後來的德加、畢加索等人都有影響。
除了代表作《泉》外，《土耳其浴女》、《路易十三的宣誓》等都是其影響深遠的畫作，風靡了全世界。
本文由“國平軍史”發佈。
國平軍史
迷戀油畫作品，最初緣自法國莫奈等人的印象畫派。但真正撩動魂魄卻又心無旁騖的畫作，應是安格爾的《泉》。記得初次晤面時刻，瞬間目瞪口呆了，瞬間屏息凝神了，偏又瞬間聽到自己的怦然心跳了。那不是我的第一回直面裸體，卻是我第一回從光與線、構圖與色彩、性格與情感的美妙諧和之中，耳畔清晰響起了讚美聖母的莊重琴聲。那時年齡尚輕，我想是的，畫裡應是母親年方青春；那時世事懵懂，我想是的，誰人不說女人水做成。後來知道，安格爾直到年逾七旬方才完成作品，不禁感慨萬端：耗盡三十多年，化了將近一生，不甘於瞭解一個女人，更痴情於塑造一位女神，細細端詳每一筆觸，興許還能看見，知情知性的安格爾。我愛《泉》之清澈，我愛生命之泉。
