柳侍墨
我們常說藝術來源生活，高於生活，在生活中充滿著藝術，隨處可見，比如：吃飯、種田、旅遊、休息等。
藝術也是豐富多彩的。比如：在書法中，王羲之的平和，如春暖花開，風和日麗；米芾的飄逸，如春風拂柳，婀娜多姿；顏真卿的粗獷，如彪形大漢，威猛魁悟；趙松雪的柔眉，如窈窕淑女，丰韻挺拔；弘一的空靈，如禪房入座，清新幽靜等。
對於審美受到每個人的知識、閱歷、文化、地域的不同，肯定也是不一樣的。
就拿“繪畫”來說吧，比如東西方繪畫的審美就肯定存在差異的。
中國畫講究線條、筆法、意境，似與不似之間，就為最好的畫。
而西方文化的主要特點就是寫實，講究寫實、逼真。
一個是東方文化。
一個是西方文化。
東方文化，一般以中國的文化為代表。
東方文化講究的底蘊就是講究傳統，
特別是對國畫來說，尤其如此。
墨韻書香1314
維安《沐浴的希臘貴婦人》。
有人說，藝術是美的科學。藝術的主要價值和意義就在於發現美，創作美，展示美，給人以美的享受。繪畫、攝影、雕塑、書法等，概莫例外。
審美是人們在欣賞藝術品中的一種感知、認知的過程。藝術品的成功與否很大程度於取決於人們的“審美體驗”。
布格羅《美麗女人》
雖然一千個人眼裡可能有一千個哈姆雷特，但在對於美的認知上，大多數人的認知是趨同的，是沒有語言、國界、時代的隔障的。
我們就以《泉》這幅畫為例。《泉》是法國十九世紀繪畫大師安格爾在76歲高齡時創作完成的一幅正面人體寫實油畫。一般地說，以這樣構形表現的人體油畫很難把握。“差之毫釐，謬之千里”。但是安格爾大師卻以博大的境界和高超的技巧創作出一幅近乎完美的經典作品。
安格爾《泉》
我們看畫面中，美麗少女手託醬紫色陶瓶以垂直造型如大理石雕像站立於綠色的壁龕中，畫家用缺少光澤的天鵝絨般的筆觸勾勒出少女富於青春活力的肌膚，少女表情單一目視前方透著青純無邪的神韻，飛瀉的泉水給平靜的畫面增添了流動的韻律，更烘托出少女姣好的容貌和純淨的心靈。整幅畫看上去“美麗、莊重、清純、乾淨、至真至純，纖塵不染。“太純美了！”。看過這幅畫的人無不嘖嘖稱讚。我理解這就是藝術審美帶來的效應。
馬什尼科夫《聽著音樂睡著了的女孩》
誰憐一燈影
首先藝術本身是一門技術，和其它行業一樣，都需要天分和長期磨練。由於藝術會給人帶來賞心悅目的滿足，從而獲得人們喜歡。
而審美是個人經驗和喜好的結合，極少部份從藝者把她誓為畢生追求，普通人是難以真正理解的。
普通人即正常人和偏激的人只要邏輯正常，無論是男人，女人，城裡人，鄉下人，老年人，中年人和年輕人，都有各自不同的審美眼光。
世界各地文化氛圍造就了審美的巨大差別，有的甚至和政治也能扯上關係。
所以審美是純個人的，地域文化帶來的，我認為這很重要。
做為追求而言應該瞭解各個作品的文化背景。做為從業而言應符合當地文化氛圍。
大師從來不做藝術的引領者，而是在磨練自己。
守望者4916
一幅好的繪畫作品，能給人感官上一種賞心悅目，心靈上得到洗滌的作用，如何用欣賞的目光去領悟其中的內在美，每個人都有它的不同答案，所謂仁者見仁智者見智，雖然認知上有所不同，但大體上卻趨一致，比如法國的布格羅，俄羅斯的謝爾蓋.馬什尼科夫等畫家，其人體繪畫作品深入人心，頗富經典，象馬什尼科夫的《聽著音樂睡著了的女孩》更是自然而真實的藝術佳作，渾然天成，其內在美不經意間流露無遺，給人一種唯美的享受。
海棠sy
雖說攝影、繪畫、書法、雕刻統稱為藝術，但從審美角度上說，是各有不同的。有共性，也有各自不同的藝術“語言”。
它們的共性是“不可重複性”。一張攝影圖片，一幅繪畫作品，一幅書法作品，一尊雕刻，都是唯一的。都是一過而不可重複。
而它們的個性，也是由它們的藝術形式來決定的。攝影是對自然瞬間的記憶。所以，攝影作品的審美情趣，在於圖片所反映的藝術語言上。不論是取景，光圈大小，像速快慢，還是後期製作，無不反映出攝影者的匠心獨運。
繪畫也是如此。以國畫為例：從構圖設計，到用筆作畫，用色、用墨、點面勾勒，留白處理，到最後的題邊款和用印，無不反映了一個繪畫者的文化素養和技能展現。所以，對國畫的審美情趣就在於，欣賞作品的繪畫語言和畫家的藝術內涵。
再說書法。一幅書法作品也是書家的書法功力和謀篇佈局的素養展現。它的審美情趣就在於筆墨和留白的巧妙鋪排。一幅好的書法作品，會給人賞心悅目的精神享受。
而雕刻藝術的審美情趣則在於它的三維空間的塑造。它的藝術語言會直接用造型設計，用刀風格等，展現在受眾眼前。
皛川
混亂的美學
對於廣泛的唯美趣味的判斷，是無外乎在隱喻之外的稍加特殊的一種觀念，彷彿自然之物不可侵犯一般。它不帶有需要由經驗與思維達成從而使你感受到美感的一種狀態。
因此，為了擺脫這種無限可能的真實，除了描寫與臨摹外，構想的原則便義無反顧的成為了理想形式的最親近的現實的體質。除卻一種遐想的柔和的夢境般浮誇的風格之外，一種清晰的作為主題的基調仍成為了崇尚的顯性的示例。例如；在蒙娜麗莎所承受著受眾者們疊加起的面紗的時候，瓦雷裡式“白鴿盪漾”似乎就同她神秘面紗後的景物中所周旋著。然而，這並不意味著詩人所預見的象徵性是作為一種背景所映襯的，而是呈現出它已遠去的，模糊的前瞻性。
詩人的內在無法被完全體現出來，即使他頻繁的斟酌於更符合描寫物的對象的詞彙。好的詩人總是去刻意隱瞞這般刻畫的歷程，從而用抽象的縹緲的意象使其看起來像是信手拈來。這對於繪畫及空間藝術來講，缺乏一種凝視的自然之美，而拓展了精神空間的滿足體驗，使印象妥協詞彙。即便是懸而有物的切實的雕塑藝術，也能從靜態中捕捉到這種無處不在的詩意，無論是多逼真的模型，還是抽象的由遺棄的物體所羅列出的裝置感十足的形式主義都無法直接忽視它，而間接的運用它所佔據的空間來說，他所作為旁觀者角度的來看待的作品的特色即是它的詞彙，是作者所不能兼顧的藝術品的材質的核心。
在里爾克的詩《豹》中，我們能直觀的察覺到個人體驗 ( 即詩意 ) 的統一性於排斥性。
《豹》
它的目光被那走不完的鐵欄杆
纏得這麼疲倦，什麼也不能收留。
它好像只有千條的鐵欄杆，
千條的鐵欄後便沒有宇宙。
強韌的腳步邁著柔軟的步容，
步容在這極小的圈中旋轉，
彷彿力之舞圍繞著一箇中心，
在中心一個偉大的意志 昏眩。
只有眼簾無聲地撩起。
於是有一幅圖像浸入，
通過四肢緊張的靜寂，
在心中化為烏有。
作為闡述里爾克風格的標準，（豹）作為使人不自覺的能產生自覺性的作品，它充斥著一種令世人無可避免的空間感受，除此之外它凝聚了一種核心，這種核心即人的適應性，以及人所能概括的真實物化的世界的寫照。於此相對應的是，它充斥的能簡化為傳達的印象被感覺徹底推翻，直覺成為了代替內心的第一準則。形式已變得不再重要，這種思潮在原始的壁畫中就形成了模糊的系統的東西，至今被先鋒藝術品所借鑑著。無論包括建築的現代化，還是繪畫的抽象，以及倫理的衝擊性，都不可避免的被那種原始的方式觸動，以彰顯作為意志的核心。
具體的，明瞭的，飽和的，美學中充斥著最重要的溫和的程度都不再作用於真實的，普遍的，賦予的，被渲染的形式。而在看待角度的問題上，另眼相待的被觀察者的藝術提升到了一個能被完全解析的年代。他們用全新的矚目的方式使好奇者趨之若鶩，如同卡夫卡的《飢餓藝術家》一樣，滿足人們對絕望意識的執著。對於飢餓的崇拜，我們姑且稱它為一種變態的（即非常太）美學。它在某種程度上迫使經驗豐富於直覺，從而在接替的視覺的選擇上，使孱弱對稱於一種印象中的飽和，等同於死亡在生命中的有效的補充。這種作為補充的真實在經驗的加成上取決於意識的偏頗性質。很明顯的例子就是，人對遐想的信仰的崇拜，並藉以仰慕之名所修建的雕塑，以及行為藝術的夢魘般互為的性質。
飢餓作為預兆的表現，在模擬現實的方面有其獨到的價值，它一方面不代表藝術作品的出現，也不在藝術品的氛圍中彰顯作為作者的品質。然而，藝術品就那樣完好無損的呈現出來，除了一種傾向的獨特得創造關係外，我們感知到的是一種豐沛的精神狀態的溢出整個作者預期的畫面。在印象派繪畫的出現在世人眼前的時候，諸多意向被世人評判為對於現實世界的羸弱的無知更新，他們的對於該配有對真實世界的反映被模糊的筆觸所情緒化的表達被消遣著。然而，印象派之所以流行開來，正是源於作用於飢餓的屬性被其在統一結構畫面的完整性所替代，他們總結了塞尚作為對現實世界的主觀理解，對錶達對現實事物的所積累的凝聚感上，做出了有效的分解，使它們的立足於一種宏觀的效應當中，並對於情緒的綜合鋪滿整個畫面。即不用分配在有效的侷限當中的細節問題，又放任了作為筆觸的遊刃性，從而迫使了作品對於飢餓體現的特徵。
長眠於此者長於此逃離
《攝影人體開山祖、藝品審美看頭條》悟空先生問怎麼理解攝影，繪畫，書法，雕刻藝木的審美？各種藝術都是藝術美學範疇，建立正確良好的審美觀，是從我們小學的藝術美育開始的。各種藝術的主要價值和意義就在於發現美，挖掘美，創作出美好的精品，展示給人民大眾，給人以美的享受，繪畫、攝影、雕塑、書法等大都如此。
審美觀是人們在欣賞藝術品中的一種感覺和體會，這也與同時代社會大眾的審美和吸收能力有關。如許多中外大師的藝術品在創作初期，總是不被人們認可。但這也不能說明審美遲頓，除了藝術家的思維超前，還有個社會輿論的寬容度和審美的問題。如《向日葵》剛畫出來無人問津，今天才價值連城。
（一）前輩郎靜山的故事
先從攝影談起：藝術審美必須有個龐大的審美群體，你在好的藝術沒有人欣賞，只能珍珠埋在泥土中，這叫明珠暗投！如1920年`時德國人馮，偑，哈默，在澳門等地選了大量的煙花女子，第一次在中國拍照了100個裸女，影冊名叫《百美影》，當時富人和上流社會搶光了作品，攝影家郎靜山看到了藝術新潮，也照了不少裸件攝影，見圖8，開創了中國人體攝影的先訶，如1925年他拍了《靜默有幽思》，，還有主題相片《鉉外之音》等，流傳至今的，他為好友劉海粟美專裸體課拍的歷史照片，也是郎先生三十年代作品，但當時中國受眾只是少數，這還有個審美標準，在一個剛推翻封建帝制的國家，不把你說成有傷風化送進局子，就已經很不錯了。還談什麼藝術上的美和醜。
（二）中國書畫審美的大眾化
中國書畫的審美和攸久的文化息息相關，中國的山水國畫書法，大都是畫中有詩文以載道，白香山的一首如訴如泣的《琵琶行》，千百年來無數書畫家揮毫潑墨，唐詩宋詞流芳百世，每個書畫家都能口吟手書，在黃絹素紙上寫成尚品，我統計了一下，書法大家啟功先生光是寫唐風宋韻元詩清詞等，就有八千多幅，他老人家師承二王：先學趙董後歐陽，晚愛誠懸競體芳，國人對啟先生勤奮自成“啟體”都有共同的審美感，而對另一種書畫的“現代派”大都嗤之以鼻，這就是對當代書畫審美與審醜的大勢所趨。現在中國書畫藝術審美已完全大眾化。
（三）西畫的普及與審美的進
由於近百年的藝術教育，西方油畫帶著蘇聯美術的榮光進入中國，大量的西方大師精典在國內普及，只是人體油畫的欣賞有些雜聲，想一想十年前我們看到各種男士奇異髮型，有些大驚小怪，而看今天五顏六色光怪陸離髮型衣飾已習已為常，審美風俗也是因時而變的，看喬爾喬內的代表作《沉睡的維納斯》，見圖|等，他是威尼斯畫派成熟時期的代表人物，架上畫的先行者，喬爾喬內的繪畫造型優美洗練，繼承了他老師提香的傳統，有絢麗的色彩，柔和的明暗關係，人物和風景自然交融，他開創了風景人物繪畫的新格局，當然，還有許多大師佳作都會展示無窮的美，在這些大師的精品薰陶下，人們的審美水平也會曰漸提高。
長江39563631
請原諒我的愚鈍。一幅好的書法，譬如說名傳千古的《蘭亭集序》，即便是一個不識字的人，他（她）都會開口稱讚說好。雖然說只要有一千個讀者，就會有一千個哈姆雷特。但是哪怕是十萬個讀者，卻只會有一個王羲之，一幅《蘭亭集序》！（我手機裡沒有《蘭亭集序的圖片，所以發不出來。）
而一幅好的攝影作品，像這張在海灘上的羅剎美女，人們只是會感覺到她的美，而不會想到其他。
但這張范冰冰自鳴得意的欣賞自己幾乎全裸上半身的作品，大家只會有作嘔的感覺。這張照片沒有什麼藝術的氣味，人們看到的是一個戲子的自我炫耀，並且低俗而又含有色情的氣味！
像這一張和下面的這一張油畫，人們不會感到低俗和色慾。 
而只是充滿了美的感覺。
看來，人們不分地域和膚色，對美的看法和追求，很多的時候，都是一樣的。 
（圖片源於網絡）孤獨的人209381559
西方油畫作品，多是以宗教神話和人體為主題的，這就適合一些思想腐朽不堪的人的審美。它們的審美就是給小黃畫披上“皇帝的新裝”，自欺欺人且一本正經說這就是藝術的高尚。
相對來說，攝影、繪畫和雕刻更是俗無底線，相對書法來說，頂多就是寫的水平如何了，寫的是小楷還是小篆，還是流雲行水般的狂草等。 比如郭沫若的字，康生笑話他用腳指頭寫字都比他寫的好。
崇儒
如何理解攝影、繪畫、書法、雕刻作品中的“審美”？藝術文化作品的題材不一樣，所以審美方式自然也會不一樣，
對於攝影、繪畫作品的審美，是“由淺入深”審美的一個過程，通俗理解就是先看作品畫面的第一感覺，然後再去深入品味作品所表達的意義，形象到神韻的審美，
書法、雕刻作品就和攝影、繪畫作品的審美不一樣了，書法和雕刻是先簡單的去理解書法的內容，雕刻的人物背景，然後再整體性的去體會書法和雕刻的創作手法中所含有的意境，對於書法、雕刻作品的審美是“從內到外”的審美過程，
