藝術史之浩渺，自舊時代至今，高度複雜，精神與物質共榮。其中佳作則如廣闊星河，即使在美院也鮮少有人敢說自己“通識”吧。而畢業於美國的羅德島設計學院（RISD）的Caleb Wood，不僅敢這樣說，他還集合了一批藝術史上頗具影響力的作品，根據這些作品的光影、色彩、結構以及相互間的關係，在短短几秒內糅合，可謂是濃縮了大師們半生之精華。
今天，我們正式將這些作品，獻給暑假遠離美術史課堂的你。
「Art History in Motion」
（動起來的藝術史）
約翰內斯·維米爾
荷蘭黃金時代繪畫大師，與哈爾斯、倫勃朗合稱為荷蘭三大畫家。被看作“荷蘭小畫派”的代表畫家。代表作品有《戴珍珠耳環的少女》，《花邊女工》、《士兵與微笑的少女》。
維米爾（Jan Vermeer）
維米爾的作品大多是風俗題材的繪畫，基本上取材於市民平常的生活。他的畫整個畫面溫馨、舒適、寧靜，給人以莊重的感受，充分表現出了荷蘭市民那種對潔淨環境和優雅舒適的氣氛的喜好。他在藝術風格上也別具特色，他的繪畫形體結實、結構精緻，色彩明朗和諧，尤善於表現室內光線和空間感。維米爾的繪畫給人一種真實性，除了日常生活中的真實之外還使人感到一種信仰上的真實感。
葛飾北齋
葛飾北齋，日本江戶時代的浮世繪畫家，他的繪畫風格對後來的歐洲畫壇影響很大，德加、馬奈、梵高、高更等許多印象派繪畫大師都臨摹過他的作品。
葛飾北齋（Katsushika Hokusai）《富嶽三十六景》
在大膽吸收荷蘭風景版畫手法的同時，又繼承日本名勝畫的傳統，日本靈峰富士山的巍峨形象，通過與庶民生活諸相的對比，出人意料的構圖、或瞬間即逝的千姿百態，呈現出令人目眩的豐富表情。北齋還以日本各地的山川大海為題，創作了其他風景版畫傑作。自然通過北齋的視覺而被把握住本來面目，並與畫中人物互感。
保羅·塞尚
法國著名畫家，後印象派的主將，從19世紀末便被推崇為“新藝術之父”、“現代藝術之父”、“造型之父”。他對物體體積感的追求和表現，為“立體派”開啟了思路；塞尚重視色彩視覺的真實性，其“客觀地”觀察自然色彩的獨特性大大區別於以往的“理智地”或“主觀地”觀察自然色彩的畫家。塞尚重視繪畫的形式美，強調畫面視覺要素的構成秩序。
塞尚（Cezanne）
他曾說：“我的目標是以自然為對象，畫出普桑式的作品。”他力圖使自己的畫，達到普桑作品中那種絕妙的均衡和完美。他向著這方面，進行異常執著的追求，以至於對傳統的再現法則不以為然。他走向極端，脫離了西方藝術的傳統。
克勞德·莫奈
法國畫家，被譽為“印象派領導者”，是印象派代表人物和創始人之一。印象派運動可以看作是19世紀自然主義傾向的巔峰，也可以看作是現代藝術的起點，而印象派的理論和實踐，大部分都有克勞德·莫奈的推廣。
克勞德·莫奈（Claude Monet），《谷堆》
莫奈擅長光與影的實驗與表現技法。他最重要的風格是改變了陰影和輪廓線的畫法，在莫奈的畫作中看不到非常明確的陰影，也看不到突顯或平塗式的輪廓線。光和影的色彩描繪是莫奈繪畫的最大特色。
克勞德·莫奈（Claude Monet），《威斯敏斯特宮》
莫奈曾長期探索光色與空氣的表現效果，常常在不同的時間和光線下，對同一對象作多幅的描繪，從自然的光色變幻中抒發瞬間的感覺。
克勞德·莫奈（Claude Monet），《睡蓮池》
文森特·威廉·梵·高
梵高，荷蘭後印象派畫家。其早期畫風寫實，受到荷蘭傳統繪畫及法國寫實主義畫派的影響。1886年，他來到巴黎，結識印象派和新印象派畫家，並接觸到日本浮世繪的作品，視野的擴展使其畫風鉅變。他的畫，開始由早期的沉悶、昏暗，而變得簡潔、明亮和色彩強烈。1888年，來到法國南部小鎮阿爾，已經擺脫印象派及新印象派的影響，走到了與之背道而馳的境地。同年與高更交往，但由於二人性格的衝突和觀念的分歧，合作很快便告失敗。此後，梵高的瘋病（有人記載是“癲癇病”）時常發作，但神志清醒時他仍然堅持作畫，1890年7月，他在精神錯亂中開槍自殺，年僅37歲。
文森·特梵高（Van Gogh），《向日葵》
亨利·德·圖盧茲·勞特雷克
勞特雷克，法國畫家及視覺藝術家。他以反映巴黎波西米亞式夜生活、馬戲團、劇院及賽馬的油畫、海報和版畫而聞名。勞特雷克在海報藝術的發展中佔有重要的一席之地。他用醒目、簡單的筆法表達情緒及運動，技巧堪稱精湛。
圖盧茲·勞特雷克（Toulouse-Lautrec）
他在許多作品都以極具創意的圖案、富有表現力的線條以及淺色的運用為特色，如《紅磨坊》或《康康舞娘》等海報以及《共濟會》等版畫。從他的畫中還可以看出他高超的製圖及構圖技術。《在紅磨坊》和《三重零點》則準確地抓住了舞廳顧客及表演者的個性。
彼埃·蒙德里安
荷蘭畫家，風格派運動幕後藝術家和非具象繪畫的創始者之一、幾何抽象畫派的先驅。他以幾何圖形為繪畫的基本元素，與德士堡等創立了“風格派”，提倡自己的藝術“新造型主義”。他還認為藝術應根本脫離自然的外在形式，以表現抽象精神為目的，追求人與神統一的絕對境界，也就是現在我們熟知的“純粹抽象”。
蒙德里安（Piet Mondrian）
蒙德里安以幾何圖形為繪畫的基本元素，認為藝術應根本脫離自然的外在形式，以表現抽象精神為目的，追求人與神統一的絕對境界，亦即今日我們熟知的“純粹抽象”。蒙德里安早年畫過寫實的人物和風景，後來逐漸把樹木的形態簡化成水平與垂直線的純粹抽象構成，從內省的深刻觀感與洞察裡，創造普遍的現象秩序與均衡之美。他崇拜直線美，主張透過直角可以靜觀萬物內部的安寧。
巴勃羅·畢加索
現代藝術的創始人，西方現代派繪畫的主要代表、當代西方最有創造性和影響最深遠的藝術家，20世紀最偉大的藝術天才。
畢加索的藝術生涯幾乎貫穿其一生，作品風格豐富多樣，史學上不得不把他浩繁的作品分為不同的時期——早年的“藍色時期”、“粉紅色時期”、盛年的“黑人時期”、“分析和綜合立體主義時期”（又稱“立體主義時期”）、後來的“超現實主義時期”等等。
畢加索（Pablo Picasso）
他於1907年創作的《亞威農少女》是第一張被認為有立體主義傾向的作品，是一幅具有里程碑意義的著名傑作。它不僅標誌著畢加索個人藝術歷程中的重大轉折，而且也是西方現代藝術史上的一次革命性突破，引發了立體主義運動的誕生。
喬治·莫蘭迪
意大利著名的版畫家、油畫家。莫蘭迪在他的“形而上”時期借用了這一異質，他著迷於塞尚對想象、構成和創造的拒絕。
莫蘭迪一生的創作題材都是在畫著幾隻瓶子和波羅納郊外的風景。他花了一輩子的時間研究這些瓶子和周圍生活的景色，單就創作的油畫就有1264張，而這還不包括素描、水彩和版畫等其他形式。
喬治·莫蘭迪（Giorgio Morandi）
當人們問及他的創作情況時，莫蘭迪說：“那種由看得見的世界，也就是形體的世界所喚起的感覺和圖像，是很難，甚至根本無法用定義和詞彙來描述。事實上，它與日常生活中所感受的完全不一樣，因為那個視覺所及的世界是由形體、顏色、空間和光線所決定的……我相信，沒有任何東西比我們所看到的世界更抽象，更不真實的了。”從這句話中，很明顯可以理解到莫蘭迪的創作理念，藝術家只要真實地表現眼前所見的事物，就已經足夠花更多的時間來研究它、表現它。
埃貢·席勒
奧地利繪畫鉅子，師承古斯塔夫·克里姆特，維也納分離派重要代表，是20世紀初期一位重要的表現主義畫家。
其作品特色是表現力強烈，描繪扭曲的人物和肢體，且主題多是自畫像和肖像。在席勒的肖像作品中人物多是痛苦、無助、不解的受害者，神經質的線條和對比強烈的色彩營造出的詭異而激烈的畫面令人震撼，體現出一戰前人們在意識末日降至時對自身的不惑與痛苦的掙扎情感。
埃貢·席勒（Egon Schiele ），自畫像
其畫面具有濃厚的裝飾性趣味：線條、色彩的裝飾性效果、平塗的繪製。同時具有標識性的，是他放縱肆意的造型——例如在他筆下用直線型簡潔的造型，塑造成修長、誇張、收縮的和起伏感強烈的形體。或者將人物服飾進行變形處理，誇張刻畫服飾的圖案和色彩，使作品獲得強烈的對比效果。正是這種主觀有意的構成促使席勒藝術獨特面貌的形成。
M.C.埃舍爾
記錄思想的探索者，三維空間圖畫的鼻祖。20世紀畫壇中獨樹一幟的藝術家。
埃舍爾把自己稱為一個“圖形藝術家”，專門從事於木版畫和平版畫。他21歲進入哈勒姆建築裝飾藝術專科學校，師從馬斯奎塔，他強烈的藝術風格對埃舍爾之後的創作影響甚大。
埃舍爾（Escher）
M.C.埃舍爾（M. C. Escher）
埃舍爾是一名無法“歸類”的藝術家。他的許多版畫都源於悖論、幻覺和雙重意義，他像一名施展了魔法的魔術師，利用幾乎沒有人能擺脫的邏輯和高超的畫技，將一個極具魅力的“不可能世界”立體地呈現在人們面前。埃舍爾曾說，僅僅是幾何圖形是枯燥的，只要賦予他生命就其樂無窮。
阿爾貝託·賈科梅蒂
賈科梅蒂，瑞士超存在主義雕塑大師，畫家。代表作品有《超現實表》、《籠》、《鼻子》等。
賈科梅蒂（Alberto Giacometti）
面對其作品，我們感受到的不僅僅是戰後人性的困境，而且是大眾社會內都市中的個體的困境--在廣大而複雜的社會、政治、建築結構中，每個人都被同一化，生存於心理孤絕的狀態中。這些粗糙的、皺縮的表面，空白、無表情的面容，自遠而觀的尺寸，使這些極小的形體展現出相互間及與觀者本身的荒蕪的遠離。
馬克·羅斯科
他最初的藝術是現實主義的，後嘗試過表現主義、超現實主義的方法。以後，他逐漸拋棄具體的形式，於40年代末形成了自己完全抽象的色域繪畫風格。
馬克·羅斯科的藝術注重精神內涵的表達。他力圖通過有限的色彩和極少的形狀來反映深刻的象徵意義。他認為，今日西方文明根植於西方的傳統文化，尤其是希臘文化——希臘悲劇精神中人與自然、個體與群體之間的衝突，正是人的基本生存狀態的寫照。
馬克·羅斯科（Mark Rothko）
他說，“我對色彩與形式的關係以及其他的關係並沒有興趣……我唯一感興趣的是表達人的基本情緒，悲劇的，狂喜的，毀滅的等等，許多人能在我的畫前悲極而泣的事實表明，我的確傳達出了人類的基本感情，能在我的畫前落淚的人就會有和我在作畫時所具有的同樣的宗教體驗。如果你只是被畫上的色彩關係感動的話，你就沒有抓住我藝術的核心。”
弗朗西斯·培根
弗朗西斯·培根是20世紀40年代以來不列顛群島一位風格怪誕的畫家，常常以畸形的形象或病態的人物為主題，描繪一些令人厭惡的形象。其作品以粗獷，犀利，具強烈暴力與噩夢般的圖像著稱，他扭曲、變形和模糊的人物畫使他成為戰後最有爭議的畫家之一。
弗朗西斯·培根（Francis Bacon）
但這些怪誕形象深刻地揭露了這個世界和人類的災難，他故意把人的醜陋面貌和痛苦掙扎的表情強調出來。還經常在照片、畫報、印刷品等著名畫作上進行再加工，創作出僅反映自己的內心幻象和痛苦的肖像作品。撒切爾夫人曾經對培根做出這樣的闡述：“那一位畫那些可怕的畫的人”。
弗裡達·卡羅
她畢生的畫作中有55%是一幅又一幅的、支離破碎的自畫像（如器官分離、開刀、心臟等具體的表徵、代表畫家的痛苦），此外，芙烈達也深受墨西哥文化的影響，她經常使用明亮的熱帶色彩、採用了寫實主義和象徵主義的風格。
弗裡達·卡洛（Frida Kahlo） 自畫像
弗裡達的自畫像相當有特色，以她的一字眉（左右眉毛連在一起）和嘴唇上薄薄的髭聞名。她的作品中，從未出現崩潰或失控的表情，其實畫中的身體上有無數傷口，她仍然是一幅冷靜堅毅的表情。它直視無畏的眼光，卻隱藏了畫家內心不願承認的脆弱。
傑克遜·波洛克
美國畫家，抽象表現主義繪畫大師，也被公認為是美國現代繪畫擺脫歐洲標準，在國際藝壇建立領導地位的第一功臣。其創作不作事先規劃，作畫沒有固定位置，喜歡在畫布四周隨意走動，以反覆的無意識的動作畫成複雜難辨、線條錯亂的網，人稱“行動繪畫”。此畫法構圖設計沒有中心，結構無法辨識，具有鮮明的抽象表現主義特徵。
傑克遜·波洛克（Jackson Pollock）
波洛克的畫根本意義在於擺脫一切束縛，追求極端的自由和開放，它促使了人類大膽創造意識的發展。
草間彌生
圓點女王、日本藝術天后、話題女王、精神病患者、怪婆婆等諸多標籤加在一起，都不足以囊括草間彌生複雜而多變的一生。草間稱自己為“精神病藝術家”。從她的作品中可以看到，她企圖呈現的是一種自傳式的、深入心理的、性取向的內容。草間曾說明這些視覺特色都來自於她的幻覺，她認為這些點組成了一面無限大的補捉網（Infinity nets），代表了她的生命。
草間彌生（Yayoi Kusama）
草間彌生（Yayoi Kusama）
這位和荒木經惟一起被批評為日本壞品位的代表人物，年逾80歲，用半個世紀的藝術創作來不斷證明自己，並和安迪·沃霍爾、小野洋子等先鋒藝術家見證了當代藝術史。
讓·米歇爾·巴斯奎特
巴斯奎特，二戰後美國塗鴉藝術家，新藝術的代表人物之一。
他的塗鴉作品經常把各種符號、文字放到畫面上，看起來像即興創作的作品，但是他作為生活在白人世界的黑人藝術家，在這些塗鴉繪畫和文字的背後是他的冷靜思考，表達了某種神秘性，好像在傳達一種宗教感和無處不在的政治，但同時也缺少直接指向性，觀眾可以感受到他生活中的矛盾心理。
讓·米切爾·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat）
其作品個性鮮明，廣泛的使用文字和拼貼技法，並大範圍的借鑑現代文化的主題和非洲加勒比地區的文化傳統。他在音樂、語言和自身文化的傳承方面興味盎然，這對他的作品產生了重要的影響。
一場動起來的藝術史，張張內容深刻的畫面，這個夏天，希望你能看見。
（對了朋友，眼睛還好嗎？）
「微西美工作室長期歡迎廣大師生前來投稿」
資料整理：向芯怡 趙曉璐
新媒體負責人：趙亦菲
執行負責：劉林、劉毅恆
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