89屆奧斯卡金像獎上，《愛樂之城》拿了14項提名，逼平歷史紀錄——和1950年的《彗星美人》、1997年的《泰坦尼克號》並列成為奧斯卡歷史上提名最多的電影，在此之前還破了金球獎的紀錄。
（文末有福利哦！）
今天我們分幾點來談談《愛樂之城》的幕後乾貨、策略、想法，看看主創人員們究竟在哪裡發力了。
1.寬銀幕變形鏡頭
在與MovieMaker的採訪中，攝影指導Linus Sandgren，FSF談論了使用變形鏡頭拍攝電影。“因為導演對於拍攝有自己的一套......他覺得這部電影必須用寬熒幕變形鏡頭拍攝。”
我覺得在2.55的屏幕高寬比拍攝對於此片而言是最合適的，就像前輩在《一個明星的誕生》（A Star is Born，1954）中那樣，像1950年代那樣的電影，在標準變為2.40：1之前，這就是我們用2.55的寬高比的由來原因。這算是是對老好萊塢電影的致敬。
《一個明星的誕生》（A Star is Born，1954）
所以我們在開頭的時候看到本片採用了古老的西尼瑪斯科普式寬銀幕立體聲電影(Cinemascope)，這是20世紀福斯於1953年推出的銀幕系統，銀幕比例是2.55:1，電影《聖袍千秋》(The Robe)由此成為第一部寬銀幕電影。
《愛樂之城》開頭
《聖袍千秋》(The Robe)
《愛樂之城》採用柯達超35毫米膠片，有一個序列性質的鏡頭則用了16mm變形鏡頭，以及Panavision兩倍壓縮比變形鏡頭拍攝，再經過裁邊，呈現出2.55:1的畫幅比，來模仿CinemaScope的效果。我們用的是Panavision XL2的相機與變形鏡頭C系列和E系列。
沙澤勒堅持用膠片拍攝，並用以還原一項已經被淘汰近50年的電影技術，與在銀幕上大呼“爵士樂已死”的男主角Seb形成呼應。
當然好萊塢還有其他知名的膠片黨，昆汀·塔倫蒂諾2015年的《八惡人》，用Ultra Panavision 70拍攝，也是一套被淘汰近50年的攝影設備。
相機需要移動和緊湊地縫接，所以這將引起變形透鏡的問題，因為他們通常為近焦點保持三英尺的距離。所以我們讓Panavision製作一個特殊的40mm變形鏡頭，以便能夠接近被攝對象。他們為我們製作了一個更加精緻的鏡頭，以便我們可以更接近類似手和細節東西，然後拉開廣角鏡頭。
”2.類型片中的歷史淵源
而這一切的電影技術，都是源於沙澤勒拍攝《愛樂之城》的一個初衷，就是向自己熱愛的經典歌舞片致敬。
從編舞到場景，從角色造型到鏡頭設計，各種細節不勝枚舉。前段時間，西班牙剪輯師Sara Preciado做了一段《愛樂之城》和經典電影對比的混剪，已經比較豐富到位了。
這段精心剪輯的視頻不僅僅是一個簡單的對比，更是一次歌舞片歷史的回溯。
把裡面涉及的片單列了一下，依次為：
《柳媚花嬌》The Young Girls of Rochefort(1967)《油脂》Grease(1978)《西區故事》West Side Story(1961)《生命的旋律》Sweet Charity(1969)《雨中曲》Singin’ in the Rain(1952)《不羈夜》Boogie Nights(1997)《隨我婆娑》Shall We Dance(1937)《篷車隊》The Band Wagon(1953)《紅磨坊》Moulin Rouge!(2001)《甜姐兒》Funny Face(1957)《一個美國人在巴黎》An American in Paris(1951)《紅氣球》The Red Balloon(1956)《瑟堡的雨傘》The Umbrellas of Cherbourg(1964)《錦城春色》On the Town(1949)《百老匯旋律1940’》Broadway Melody of 1940(1940)我們可以看到《愛樂之城》是用歌舞片的子類型（包括：傳統的米高梅歌舞片、華納歌舞片、大爵士及當代的樂隊片、演唱會電影）在各段落相映成趣，有傳承，又能帶出類型演變，擁有歷史底蘊的積澱。
《瑟堡的雨傘》（Les parapluies de Cherbourg，1964）
這當然得益於演員和影片團隊從各處汲取靈感。
從預演一直到製作過程，整個團隊每週都會組織觀看諸如《禮帽》（Top Hat）、《雨中曲》（Singing in the Rain）、《柳媚花嬌》（The Young Girls of Rochefort）等影片。但是，他們並不限於經典歌舞片。
《柳媚花嬌》（The Young Girls of Rochefort）
沙澤勒還提到了費里尼的《八部半》，“這是一部讓你不斷有看片衝動的影片”，影片開頭高速路上堵車場景的靈感就是來源於此。
當看到格里菲斯天文臺時，就像我們重現記憶中的詹姆斯·迪恩（James Dean）的《無因的反叛》。山上的光線覆蓋整個城市，它就像是一座偉大的裝飾藝術的建築。
《無因的反叛》（Rebel without a cause）
《愛樂之城》中的紅夾克
3.拍攝手法的推陳出新
電影劇情很簡單，臺詞也不繁複，真實而自在。
它的獨特正是它的敘述方式，音樂劇的表達恰如其分，舞臺劇式的佈景來回穿插，能運用長鏡頭和蒙太奇早就不是什麼新鮮事，而它又賦予了他們新的生命。
我們可以看到在《愛樂之城》中連貫的歌舞的長鏡頭，以及故事結尾給整體敘事帶來的大幅昇華。
倒敘式的剪輯給出了另外一種結局的假設，整部電影的情感張力和衝突正在於此。
導演曾經表示：
《愛樂》我們有了彩排的時間，《鼓手》實際上並沒什麼時間彩排。《愛樂》籌備的時間更充足，有4個月，但是《愛樂》像是在同時準備3個項目，電影本身、音樂專輯和芭蕾舞劇。因此每個部門的每個細節的變化都會擴展到所有人。每天都是和時間賽跑。另外，籌備期每一個技術細節都要在開拍前解決掉，因為影片有很多外景拍攝，要搶特定的時間來拍攝，總的拍攝時間就很短。4.音樂與錄音設備
《愛樂之城》獲得的奧斯卡獎項：包括最佳音響效果，最佳音效剪輯和最佳原創配樂等聲音獎項。
導演在談及音樂的時候表示：
“我從音樂之中得到了最大的幫助。影片的歌曲和旋律在拍攝之前就創作好了，甚至在我寫劇本的階段，那些音樂就伴隨我。這幫助我及早確定影片的情感落腳點。在剪輯的一年裡，赫維茨一直和剪輯師、我一起工作，為影片配樂。我們沒有使用任何臨時配樂，因此從劇本階段、拍攝現場到後期，音樂保持了連貫性。而他的音樂具有獨特的情感調性，像一種語言一樣，表達出很多東西。”
《愛樂之城》的錄音師Steven Morrow在分享自己的實際工作時，表示越來越複雜的拍攝環境，對於錄音設備軌道數量的要求也越來越高，這一需求也同樣促使著Morrow尋找最新可用的多軌道錄音設備，這次《愛樂之城》的錄音正是用了Sound Devices的970。
“做《愛樂之城》的聲音錄製時，他們想嘗試將一大堆聲音都放到回放軌道，最終根據音樂總監和導演的要求，我們記錄下了包括樂器聲在內的所有聲音。任何你在銀幕上能夠看到的事物，它們發出的聲音我們都需要一一記錄下來。因此，我立馬就意識到了我們需要更多的音軌來作記錄。此前的788T已經不能滿足我們的工作需要了，於是在電影開拍前我立刻買了兩臺970。這樣一來我就有足夠的時間快速熟悉這臺新設備，雖然它旗下的設備使用起來都是大同小異的，但是有備無患。”
Sound Devices 970
970是一款強大的支持64軌Dante和MADI的多軌錄音機，以24bit、48kHz WAV文件從其144路輸入連接記錄64路單聲道或多聲道。
在做《愛樂之城》中舞蹈場景的錄音時，Morrow將他的970與Mackie 調音臺和RedNet 2音頻分配系統搭配使用。除此之外，他還使用到了一個森海塞爾MKH-50吊杆麥、一個Comtek PR-216接收器、幾個Sanken領夾麥和Lectrosonics SM麥克風，外加一些無線迷你Lectrosonics SSM麥克風。
970監視器界面
“當我們做片中大型音樂會場景的聲音錄製時，每一個現場收聲的麥克風都有一路音頻信號反饋回來。我們需要32條音軌，因為有大量的聲音需要拾取。例如數碼鼓的聲音，我們用到的數碼鼓不是單聲道的，而是雙聲道，它是一個立體聲的數碼鼓組合，所以我們需要一個立體聲的反饋，這樣一來就佔據了兩條音軌。除此之外，還有三個角鼓、三個歌手的聲音也需要拾取。總之，一大堆的聲音要捕捉，所以多軌道錄音機是必需的。”
而在《愛樂之城》裡，音樂是無形的精神存在，更是有形的物質存在。這些使用設備正是支撐起這些意識形態的功臣。
5.導演的passion
沙澤勒85年出生，從小喜歡電影，之後著迷於音樂，高中時期夢想成為爵士樂鼓手，卻無法在舞臺上擺脫害羞，甚至因此而懷疑自己沒有成為音樂家的天分。
2010年，25歲的沙澤勒帶著《愛樂之城》的劇本，從美國東岸搬到洛杉磯，希望能找到投資，讓他把這個現代故事拍成傳統風格的歌舞片。
一起跑到好萊塢碰運氣的，還有他哈佛大學的室友、樂隊鍵盤手Justin Hurwitz。一年前，沙澤勒用16毫米黑白膠片拍完了畢業作品——首部長片《公園長椅上的蓋伊與瑪德琳》，Hurwitz包辦了片中的所有音樂。
賈斯汀·赫維茨在《愛樂之城》拍攝現場指導高司令
如果有機會，我推薦大家看看這部成本極低的處女作。
《公園長椅上的蓋伊與瑪德琳》
當然沒有哪家公司會投資這樣的項目——新人原創劇本，沒有音樂劇原作，甚至沒有一首成型的熱門歌曲。至於爵士歌舞片，大多數業界人士的回應是，這是一種已經滅絕的類型片。
之後，之後就是大家能夠想象出來的，關於《爆裂鼓手》背後沙澤勒的發跡史。
沙澤勒的三部影片都與爵士音樂有著迷之親近的關係。兩部音樂歌舞片自不必說，《爆裂鼓手》是一個離開音樂不成立的故事。沙澤勒拍片現場時刻不離音樂，甚至在劇本創作時就沉浸其中，他就快成為最會拍樂器演奏的導演了。他說“一直以來，我就是想找一種很酷的方式來拍爵士音樂”。
導演沙澤勒的父親是美國人，母親是法國人。而電影就像他自己一樣，美-法的完美結合。
6.最後
不管藝術或技術，都會受到他們的前輩的影響，然後留下自己的問題和答案。 沒有電影是真的橫空出世的，即使在電影的誕生之處，也是從畫，攝影，戲劇，文學和其他形式的藝術中習得的。
《愛樂之城》是這樣一個典型的例子，很多經典，很多歷史，還要保持導演的思想，以及個人創作的特點，而不是完全復古的懷舊。
作為《愛樂之城》的剪輯師，有著21年一線實戰經驗的湯姆·克羅斯跟導演沙澤勒已經合作過多部作品，2015年，他憑藉《爆裂鼓手》一舉拿下奧斯卡最佳剪輯獎；2016年又憑藉《愛樂之城》再度提名奧斯卡。
2019開年第一重磅，新片場學院邀請到了湯姆·克羅斯來親自跟大家分享他的剪輯經驗，這也是他首次來華分享！
這次線下分享中，他將親自傳授如何挑選剪輯素材、如何根據角色和劇本確立剪輯風格、如何處理轉場以及不同類型影片的剪輯技巧等大量乾貨內容。在第3日的實訓中還將親自帶領進行實戰剪輯訓練，現場進行指導答疑。
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