影影圈圈

國畫寫生和油畫寫生，即是基礎練習，也是素材收集，還是現場創作，畫的好都是好作品。

陳會衡山水畫家

國畫和油畫同屬於視覺藝術，強調視覺效果，但兩者給人的視覺效果都完全不一樣，這是因為國畫和油畫的藝術載體不同，國畫注重“寫意”，油畫注重“寫實”，然而在創作的過程中，它們都離不開“寫生”，那麼國畫的“寫生”與油畫的“寫生”有什麼不同的意義嗎？

國畫的“寫生”是抽象的、純粹的；油畫的“寫生”是具象的、百感交集的，

我們從國畫和油畫的畫作表象來看，就容易理解了，國畫中的人物表情形態是幾乎模糊不清的，即便是形象逼真的山水、花鳥🐦畫，都是給人一種“世外桃源”才有的仙境，很原始的自然景觀，現實世界裡是無法看到的，國畫表達的是對大自然的情懷，

所以國畫創作在整個寫生的過程中，是讓人的身心完全投入到大自然中，尋找對大自然的“感覺”簡單的說，大自然才是國畫的主體，而個人的情感只是一種陪襯，所以我們在欣賞一件國畫作品時，總會感覺自己在身臨其境，也就是國畫中的“寫意”，把畫面傳遞給欣賞者的狀態表達出來，

然而，無論哪種流派風格的油畫，其實畫作的表象都是很清晰具體的，因為油畫有很強烈的色彩效果和形象的“空間立體感”，這就是油畫的“寫實”，它豐富的色彩會傳遞給人不同的情感或者情緒，可以這樣去理解，油畫創作整個寫生的過程，就是捕捉“色彩”的過程，通過色彩來表達情感情緒，

“色彩”和“感覺”相比較，毫無疑問，“色彩”的概念要比較具體，而“感覺”的概念就比較抽象了；或許有人會說，藝術來源於生活，國畫和油畫的“寫生”都是在體驗生活，其實這樣的認知就膚淺了，已經把國畫和油畫的宗旨一概而論了，確切的說，國畫的宗旨是在表達“筆墨文化”、大自然的情懷，大自然沒有生活可言，只有原本的面貌；油畫的宗旨是在表達人們真實的情感、人文精神，這才是要真正體驗生活的，

詩夜城主

鄧老師說，為什麼大家都說黃賓虹厲害，因為黃賓虹畫的畫師沒有刪減東西的，他能將畫面上所有的物象井井有條的安排在一起，想一家人一樣和和美美，這就是黃賓虹厲害的原因。只有到過現場寫生，對生活中的東西有了感觸之後，才能畫出自己的東西，畫面才豐富，否則就平淡無味，流於行畫。每處的風景都自己獨特的地方，雖然技法相同但是手法是不一樣的，只有到了現場寫生，才知道什麼風景有什麼樣的手法去表現。比方說 ，如果用畫桂林山水的手法去畫太行山的石頭，去皴皴點點，那手法明顯就是錯誤的。

以上，希望對你能有所幫助。最後來一組鄧老師寫生的圖片鎮樓。

小莫聊桂林國畫

這是一個很好的問題！在回答這兩者區別之前，先來強調一下寫生的重要性，寫生是直接面對對象進行徒手繪的一種繪畫方式。寫生也是繪畫專業人士常態化習作。可以根據作者的喜好或專攻題材類型自由選取對象。寫生不僅能提高創作者眼手的配合能力，同時鍛鍊了創作者的觀察、理解能力；使得創作者“理性”與“情感”，“現實”與“理想”得以個性化的“完美”體現。（藝術家一般追求完美）也為日後創作提供手邊參考資料。

一：先簡明講講國畫技法理論概述。

“什麼是中國畫技法”？中國畫的技法，實際上可以理解為中國畫家運用毛筆的方法，也就是因毛筆而產生的“用筆”、“用墨”的技法，其中墨法中包含了色彩的技法。在中國畫的發展過程中，特別是到了元代以後文人畫家的介入，中國畫的抒情意味越來越濃。中國畫的筆墨的含義，已不是簡單的技法問題，而是中國畫的代名詞。在中國畫的筆墨觀中，滲透了中國畫的精神。

總的說來，中國畫的技法是由“筆法”/“墨法”2部分組成。

（1）筆法又分為：“點、染、皴、擦、勾”5大要訣。

首先，著重介紹毛筆線條（勾）的運用，在歷來傳統中有線條是國畫中的“骨”，“水墨”和“染彩”是國畫中的“肉”之說。好的國畫功底———要求良好的書法底子！這就是為什麼要講“書求畫意，畫求書會“藝術基因”的相互融合。客觀地說國畫筆法中的 “寫” 與 “畫” 動作是有微妙區別的。比如；國畫中花鳥類的“寫蘭葉”/“畫蘭花”的通俗術語（一筆“寫”出蘭花葉子的神形，一筆“畫”出蘭花花瓣神形）再比如；畫白描寫生時，要求勾勒出的線條講究“抑揚頓挫，輕重緩急”的豐富變化。 具體用筆有；中鋒運筆、側鋒運筆、 順鋒運筆、逆鋒運筆等。

毫不誇張地說———線條是中國畫的藝術生命。勾勒線條分別在“花、鳥、蟲、魚、人物、山水”6大類別對象中具體應用是靈活多變的。大家可以看一看當下著名畫家 “範 曾” 的古人物山水畫。其勾勒人物和衣著線條非常有底蘊，頗有藝術造詣。

其它“點，擦，皴，染”幾項筆法在6大類別中也是靈活多變的，這裡就不一一詳細介紹了。

（2） 接下來再著重介紹一下中國畫“墨法”的使用。國畫“墨法”，就是利用水的作用，產生了濃、淡、幹、溼、深、淺不同的變化。

中國畫與西畫相反，主張黑白分明，“以墨為主，以色為輔”，把純黑的墨色作為統帥畫面的骨架和基調，色彩處理要在墨骨的基礎上考慮，特別是水墨畫的色彩，基本上是在墨的基調上進行，以求得單純中的變化。即使是重彩畫，也是在大塊面固有色之間以墨骨的線進行統一協調，以求得變化中的和諧。

因此，中國畫的用色受著用墨的制約，用色與用墨是分不開的，關鍵在於解決好色和墨的關係。

墨法又分為：a 色墨重疊法

b 色墨對比法

c 色墨混合法

a色墨重疊法

在較為完整充實的墨稿基礎上，解決畫面調子。用透明度強的顏色（如花青、藤黃、赭石、曙紅等）在墨稿上罩染，不可能一次完成，要多次層層積染，使畫面逐步形成統一調子，或冷或暖，或青或赭。關鍵的一點是水分要充足，用色和用墨不同，要有滋潤感，不可幹塗、乾擦，把墨的韻味蓋掉，要“色不礙墨”。

b色墨對比法

在繪製墨稿時，有意識、有計劃地空出一部分（或山或樹葉部分），留待用強烈的顏色完成，以使色和墨形成強烈的對比效果。如墨的樹幹樹枝，用石青、石綠、石黃、硃砂等不透明的礦物顏色點染樹葉部分；或用墨畫山石與重色的樹相襯。這樣畫面上就會色墨互映，相得益彰。

c色墨混合法

此法花鳥畫多用，山水畫中的沒骨法也常使用。如花青或赭石調以少許淡墨畫遠山或雲水，也很別緻，色墨混融，合二而一，筆中即有微妙的色墨變化，比單用色顯得有分量，比色墨兩次罩染顯得鮮活生動。在畫沒骨山水時此法特別顯著。但初學者較難掌握，一下筆後不易更改。要“成竹在胸”然後揮毫，一氣呵成。

二：接下來簡要談談自己國畫寫生（實操經驗），寫生不同於臨摹，創作，面對的是實物，實景。在合適的時間，場地，備好畫材器具，同時深思熟慮做到“胸有成竹”，意在筆先。

（1）選擇什麼類型畫法？

小寫意/大寫意/工筆畫/白描/水墨等

（2）如何高水準的佈局謀篇（構圖）？

常見常用幾種構圖法則有：

少而精取勢法/居中取勢法/均衡取勢法/疏密取勢法/分段取勢法/滿幅取勢法等

（3）如何啟墨稿？

選畫對象是熟悉的還是不熟悉的？不熟的對象（畫工筆，白描）可以使用2B以上鉛筆或木炭條輕輕地打個簡略“隱線稿”，隱線稿輔助墨稿的正確穩定形。“隱線稿”全部掩蓋在墨稿中。畫寫生是“師法自然”而不囿於自然對象。發現美，塑造美是畫家的首要任務。

國畫墨稿的不可修改性，最直接地，考核著作者的概括，理解與表現能力，國畫寫生不應照搬生活中的對象，提煉自然對象，意到筆到概括地畫，“穩、準、狠”3字訣。儘量避免“敗筆”！

（4）畫面水分溼度適當把握很關鍵，處理不當很難把握理想化的“墨韻”效果

（5）切忌畫成“行畫”！這裡簡約地說說“行畫”的特徵，筆法基本功不夠，結構不準，理解不超脫，用純“素描”方法畫國畫等原因。

（6）國畫“意境”中有2個常用專業術語“精氣神”和“布白”。

注意虛實對比…形神兼備，氣韻生動。

（7）合理落款，中國畫講究“詩，書，畫，印”

完美結合。

三：油畫的技法理論簡述：

簡單來說油畫技法理論基礎由：造形基礎，油畫色彩，畫法風格3部分構成。

表現形式主要從造型、色彩、筆觸、肌理、空間、構圖、表達情感方面表達出來。

造型：造型上有的追求誇張。有的追求精細華麗等。

色彩：色彩是油畫的靈魂。有的色彩絢爛，有的低沉暗淡，有的明亮快感。均顯示出不同的作畫風格和個人情感。寫生時，我們看到的物體通常是“環境色”。因而對畫家肉眼識色，辨色，調色精準是一大考驗。所謂“色彩敏感”就是分得清“色相，飽和度，明暗度”。反覆比對才能接近“物像”。

筆觸：筆觸的輕重緩急可以使一幅畫表現出不同的感覺，列如梵高的火焰般的筆觸，塞尚輕鬆愜意的筆觸，雖臨摹同一副畫作卻表現出完全不同的視覺效果。

肌理：又稱作物體質感。肌理能使畫面增加厚重感。由於物體的材料不同，表面的組織、排列、構造各不相同，因而產生粗糙感、光滑感、軟硬感。肌理是理想的表面特徵。人們對肌理的感受一般是以觸覺為基礎的，但由於人們觸覺物體的長期體驗，以至不必觸摸，便會在視覺上感到質地的不同。我們稱它為視覺質感。畫面越寫實質感越強。

四：油畫寫生實操經驗

1、畫素描稿。先勾出一個設想性的草稿，用鉛筆在紙上畫出大構圖和人物大體表情，然後對照模特進行寫生。畫家在寫生時多以感性因素為主，人物的外形和神態儘可能接近對象。

2、在寫生過程中充分體味模特內在氣質，緊緊地抓住這一開啟性靈的契機加以強化。然後，畫家根據寫生稿進行加工、概括、提煉。

3、同時對局部的內容加以充實，畫得更加肯定。

4、素描稿敲定之後，畫家以極其嚴格的方法（方格放大法）將素描稿拷貝到畫布上。

起素描稿是一個靈活的造型過程，它允許甚至鼓勵不斷修改和調整，所有這一切都是為了確定一個明確滿意的視覺形象。

在任何油畫的起步階段，都有理由也有必要花費大量時間來起素描稿。起素描稿並不一定上調子，可直接用線在畫布上修改、調整，也可以用簡單色來確定畫面的主體色調與色彩關係。

5、透明覆色。即用不加白色而只是被調色油稀釋的顏料進行多層次描繪。必須在每一層乾透後進行下一層上色，由於每層的顏色都較稀薄，下層的顏色能隱約透露出來，與上層的顏色形成變化微妙的色調。

例如在深紅的色層上塗罩穩重的藍色，就會產生藍中透紫即冷中寓暖的豐富效果，這往往是調色板上無法調出的色調。這種畫法適於表現物象的質感和厚實感，尤其能惟妙惟肖地描繪出人物肌膚細膩的色彩變化，令人感到肌膚表皮之下流動著血液。

直接著色法：

在畫布上作出物象形體輪廓後，憑藉對物象的色彩感覺或對畫面色彩的構思鋪設顏色，基本上一次畫完，不正確的部位用畫刀颳去後繼續上色調整。

這種畫法中每筆所蘸的顏料比較濃厚，色彩飽和度高，筆觸也較清晰，易於表達作畫時的生動感受。19世紀中葉後的許多畫家較多采用這種畫法。

為使一次著色後達到色層飽滿的效果，必須講究筆勢的運用即塗法，常用的塗法分為平塗、散塗和厚塗。

平塗就是用單向的力度、均勻的筆勢塗繪成大面積色彩，適於在平穩、安定的構圖中塑造靜態的形體。

散塗指的是依據所畫形體的自然轉折趨勢運筆，筆觸比較鬆散、靈活。

厚塗則是全幅或局部地厚堆顏料，有的形成高達數毫米的色層或色塊，使顏料表現出質地的趣味，形象也得到強化。

問題有點複雜，呵呵~喜歡的書友請關注給贊。

心悅達達

就兩個畫的類別的角度講，二者從觀感上來說，似乎是區別很大的。但就從寫生上來講，其實是一樣的，造成觀感巨大差異性的原因只是因為，文化環境和意識形態的不同。

光從風景寫生來說，卻也都是同樣的方式，同樣的觀察和描繪。

油畫的方式和手法也是很多種的，就古典油畫講，精緻和立體，意在盡力表現現實

的前提下，尋求藝術價值和藝術表現力。

國畫的也分工筆和寫意，而寫意畫的藝術表現力針對非專業內人士從觀感上相對更高。

不過藝術的路走到一定的程度，還是殊途同歸的，油畫在國內的發展以冷軍為首，興起了寫實的風潮，並不是說不好，也不是說沒有藝術價值，但看國外的藝術家們，走到最後也都精簡藝術語言，返璞歸真，尋求拋除冗雜技法的藝術價值體現，獲得一種精神上的感受力，在某方面講，這和國畫寫意山水有異曲同工之妙。

舉簡單例子，譬如大衛霍克尼的油畫，非專業內人士從觀感上，就感覺和兒童畫無異，可那種畫給人一種感受力，那種感受力是無法在看到畫第一時間說出口的，會讓人駐足、凝視和思考。

而希施金的油畫在非專業人士的的眼中就有一種，色調漂亮，精緻，細節豐富的感覺，很具體，可以形容。

並沒有說兩者孰優孰劣，只是講藝術價值體現在技法，但並不侷限於技法，更多的，在於精神。

附上霍克尼和希施金的畫作。

Ang2320

中國畫的寫生叫做“壯遊”是積累了很久的臨摹功夫，到大自然去實踐的過程！他應用散點透視法乾坤大挪移，在畫面中處理的合情合理！總之中國畫寫生以“得稿”為主，回到畫室，一氣呵成！

張建文山水畫

承載不同，國畫是筆墨構圖，油畫是色彩空間。

紙上精舍

二者沒有可比性，油畫注重外光，可以寫生的很寫實屬於照像寫實主義，也可以很抽像抒發內心的感受，早上，中午，黃昏三個時間畫同一個地方畫出來的效果是不同的。中國畫是平光效果，善於表達畫家內心的思想，寫實非常難，表達方式以線條為主，色彩為輔，屬於隨類賦彩。

張灝石

國畫是一種水墨畫，水彩畫，一是用線，白描等二是用點線面，三線上塗彩，一是具象二是意象三是貝象結合，等隨意結合，寫生更豐富多彩，而不是單打一，黃病洪，是側重於臨摹，年紀大了又寫生，說是寫生，實是意造，與現實千差萬別，晚年目盲，病態下的表現，一些人把他這種，，，，，，當成最高，實是風格獨特，夢遊症而矣，

一張良方

道理和目的是一樣的，在抓取豐富素材的同時，感受大自然的魂魄和意境，這不是隻國畫的專利，誰說油畫不講意境，世界大畫種所講究的反而更多更高。不過工具不同，手法也有區別，但是，寫生就是要取回更多的元素細節，以備創作所用，越豐富越多越好。如果簡單地認為國畫寫生就是幾筆線條，那隻能是糊弄自己，將會一無所獲。

關鍵字: 文化 寫生 油畫