作者 | 陳賢江
《新週刊》的一篇文章，《中國流行音樂，即將死於翻唱改編》在坊間引發了一些議論。
文章說，“有人說選秀節目殺死了華語樂壇，如果真是這樣，那如今的音樂綜藝則是在變著花樣地鞭屍。引進再多節目模式，進行再多‘微創新’，它們手裡最有力的鞭子，還是改編翻唱。”
儘管知名樂評人鄧柯認為“根本不禁推敲”，不過，“老歌橫行，新歌不行”也似乎確實是一個現實，至少IFPI的數據上看，中國人似乎挺喜歡“老歌”的。
參看：中國人為什麼喜歡聽老歌？
雖然這兩年，國內的綜藝節目也確實紛紛投身“原創”，甚至喊出了“原創元年”的口號，然而，至今我們也沒有看到聽到能傳唱一時的“新歌”。
但是，我們真的缺原創新歌嗎？並不是。
這兩年，新人新作並不少。尤其是社交短視頻上，源源不斷的湧現著各種陌生名字：陳雪凝、寶石Gem、隔壁老樊……都是原創歌手，歌也似乎挺火的。《你的酒館對我打了烊》（陳雪凝）、《野狼Disco》（寶石Gem）、《多想在平庸的生活擁抱你》（隔壁老樊）、《心如止水》（Ice Paper）……
還有所謂的“流量歌手”，也大都在努力的展示著自己對於“原創”的熱愛，吳亦凡、張藝興、黃子韜、王嘉爾、蔡徐坤、毛不易……音樂上的“人設”，都是“唱作人”，都在孜孜不倦的搞創作。
另外，中生代們也很努力。李宇春、李榮浩、華晨宇、鄧紫棋、汪蘇瀧、徐佳瑩等，都在創作的道路上精耕細作，老人也沒倦怠，周杰倫、林俊杰、五月天等唱作歌手，仍然撐著華語樂壇的半邊天。
而且，作為今年的一個熱點，“樂隊”群體正在獲得更多關注。搖滾也好，Indie也罷，“原創基因”在樂隊這個群體裡可以說是與生俱來的。
總之，放眼望去，華語樂壇並不缺原創，缺的是，共鳴。
我小時候，經歷過一件事，印象很深。
那會，我剛開始聽搖滾，自詡為朋克青年。有一次，我跟著一群新認識的朋友，坐著租來的破大巴，到一個小鎮上去看搖滾樂演出，有朋克，有金屬。
一路上，大家邊聊搖滾，邊哼著周杰倫的新歌。
我的一位朋友，也曾經跟我聊過類似的經歷，他是金屬黨，卻也愛聽周杰倫。
毫無疑問，在那個時代，周杰倫是一位能引起大家“共鳴”的歌手，無論那個圈子，都在傳唱，都在傳說。
放在當下的輿論場裡，這大概就叫做“出圈”。
“出圈”的並不只有周杰倫，周杰倫同期的歌手，比如五月天、林俊杰、孫燕姿，都有傳唱一時的歌曲。再往前，王菲、張惠妹、張學友、周華健、張信哲、任賢齊、那英、劉德華等等，歌曲也都全民通吃。
基本上，2010年之前（尤其是2005年之前），在流行音樂上，大眾並不缺“共鳴”。 每一年都會有大量精心製作的新歌、新人投放市場，其中總會有一兩首歌、一兩個人進入大眾視野。
這種情況，過去十年來，發生了很大的變化。能引發大眾生理和心理上雙重“共鳴”的新人新作，越來越少。
《我們不一樣》或《消愁》這樣的歌曲，或許也有“共鳴”，但爭議性也是顯而易見的。
《小蘋果》或《卡路里》則可以說，有共振，無共鳴。大家會跟著一起蹦，卻不會有任何情感勾連。
2010年以來，真正談得上全民“共鳴”的歌曲，我認為，只有蘇運瑩的《野子》。
為什麼？我認為是因為我們已經進入了一個“渠道為王”的時代。
最近有一首歌挺火，叫《野狼Disco》。無論是微博、朋友圈還是各種自媒體上，“出鏡率”都很高。
我看到我的微信朋友圈裡，一位媽媽說，他的孩子不斷給她安利。於是，我也聽了一下。然而，我並沒有被這首歌打動，儘管我也有著很深的“港樂情懷”，也是聽郭富城長大的。
我思考了一下這個問題，我為什麼不喜歡《野狼Disco》？結論是，可能是因為，我不是社交短視頻的用戶。
觀察這些年來，歌曲走紅的路徑，我們會發現，“渠道”扮演著非常重要的角色。
當然，“渠道”從來都很重要。比如，電臺和電視在流行音樂發展史上，就曾經扮演了非常重要的角色，甚至可以說，電臺和電視（比如MTV）塑造了“歐美流行音樂”。
只不過，在傳統媒體時代，渠道是面向大眾的，渠道本身的用戶屬性並沒有太強的分野，一首歌或一位藝人，如果經由電臺和電視捧紅，市場一定是大眾化的。
以互聯網為首的新媒體娛樂時代就不一樣了。
2005年前後，“彩鈴一響，黃金萬兩”，彩鈴運營商借助自己的渠道優勢，把《老鼠愛大米》和《兩隻蝴蝶》等歌曲成功的推進市場，這種情況一直持續到2000年代末的“QQ音樂三巨頭”。
彩鈴當道的同時，“選秀節目”以新的娛樂形態強勢進入大眾視野，造就了李宇春、張靚穎、張傑等一批選秀明星。
2010年代，社交網絡日漸強勢，視頻網站崛起，視頻網站和社交網絡的“合流”，造就了以《傷不起》和《小蘋果》為代表的“神曲神話”。而隨著社交流量的逐漸成為商業價值判斷的重要標準，“流量歌手”出現。
近年來，以快手或抖音為代表的社會化短視頻平臺發展迅速，各種短視頻熱曲不絕於耳。當下排行榜上的熱歌，十有八九跟社交短視頻有關。比如《我們不一樣》或《野狼Disco》。
總之，每個平臺有自己的紅人，每個渠道自己的“熱曲”。
縱觀當下的傳播大環境，渠道的碎片化和垂直化已經是大勢所趨，無論是哪個渠道捧紅的作品，都帶有渠道用戶自身的鮮明屬性，也難免帶來相應的“爭議”——實際上就是所謂的“渠道壁壘”——不同渠道的受眾有著不同的個性和需求。
03 新的“共鳴”？太難了！我喜歡周杰倫，也喜歡五月天，我喜歡Hip-Hop，也喜歡搖滾。我也很清楚，周杰倫不等於Hip-Hop，五月天不等於搖滾。
實際上，當我們討論周杰倫的R&B或Hip-Hop是否純粹、五月天的搖滾是否太流行的時候，往往會忽視背後傳統唱片業時代的“定位”思維：因為是面向大眾的，不是面向某個圈子，所以曲風必然表現出一定程度上的“折中”。
傳統唱片業時代，因為推廣渠道的大眾性，所以藝人和作品的企劃思路，始終是大眾化的。從選材到培養到製作，莫不如此。
這種思路，在當下未必適用。
因為渠道壁壘的存在，“折中”可能意味著兩頭不討好：在渠道越來越垂直的情況下，如果你的渠道特性不夠明顯，你就很難吃透某個渠道，與此同時，渠道壁壘又決定了跨渠道分發的難度。
在“渠道為王”的當下，歌曲和藝人的推廣策略實際上已經發生了變化。從幾年來的新人新作上，我們可以看出渠道或圈層特色是非常明顯的。
為什麼偶像很難出圈？因為從選材開始，就不是面向大眾的，歌曲創作也非常個性化，這種思路，雖然不好出圈，卻很容易在社交網絡上圈粉。社交短視頻上走紅的歌曲，也主要滿足的是社交短視頻的用戶趣味，雖然因為社交短視頻用戶量大而顯得“火”，但很難突破自身的渠道侷限。
在這樣的情況下，可以預見，藝人也好，作品也罷，渠道個性只會越來越鮮明，也越來越難以獲得廣泛的“共鳴”——在這些渠道的背後，推動歌曲傳播的，不再是“聽歌”本身，而是與渠道特性相應的用戶行為。
微博用戶用轉、評、贊、超話等來“應援”愛豆，社交短視頻用戶用刷視頻、拍視頻來“製造”熱歌。
光聽歌，不參與“行為”，你很難感同身受。
而且，就算“感同身受”，也更多隻是生理上的共振，而非心理上的共鳴。
這大概也是為什麼，當我們用傳統傳播思維去看待當下的音樂市場時，會覺得無所適從的原因。
無論如何，個人認為，對於藝人或作品推廣來說，最有效率的成名方式，是基於渠道或圈層的特色，給自己一個明確的定位，以打通某個渠道、某個圈層為目標，而非全渠道通吃。
至於“共鳴”，我覺得還是會有，只是，這個時代，對“才華”的要求更高了。
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