英國V&A博物館的工作人員為了讓時尚展覽不僅僅是為了讓你在社交媒體上打卡，做出了眾多努力。
英國倫敦——如果說這個世界上會有面向普羅大眾舉辦的高級定製時裝秀，票還不要錢，那它很可能發生在英國維多利亞與艾爾伯特博物館（Victoria and Albert Museum，以下簡稱V&A博物館）中。11月1日，中國時裝設計師郭培攜個人品牌Guo Pei 2019年秋冬季高級定製系列，在V&A博物館的拉斐爾畫廊中舉辦了三場走秀展示。這三場時裝秀均是面向公眾免費開放，近千張門票也在開票後幾分鐘內迅速搶空。
Guo Pei 2019秋冬高級定製在V&A博物館"Fashion in Motion"走秀
郭培是繼Christian Lacroix、Jean Paul Gaultier、Alexander McQueen、Molly Goddard等人後，新一位與V&A博物館合作舉辦公共時裝秀的設計師。而這也是該博物館的傳統之一。這一被稱為“Fashion in Motion”，旨在邀請當代時裝設計師在館內做展示的項目在今年迎來了創立第二十個年頭。
2001年Alexander McQueen和Shaun Leane在V&A博物館的"Fashion
項目起初是為了解決傳統博物館在策劃時尚展覽時，出於保護展品等原因，難以還原服裝原本穿著在人體上呈現動態效果的難題。
“觀眾們對‘Fashion in Motion’的回應很讓我們驚訝，”項目負責人、V&A博物館當代時裝策展人Oriole Cullen這麼介紹到，“早年時，這個項目主要是讓模特穿著最新時裝作品，在館內自由行走，結果來看展覽的觀眾們常是熱情地一同跟隨模特四處走動，形成不小的隊伍。”
二十年後，這一項目成為了公眾和當代時尚之間最好交流的之一，也是時尚實現民主化的最佳體現。
V&A博物館是世界上最大型的藝術與設計博物館，館內珍藏著跨越五千年人類文明歷史，超過二百三十萬件的藝術珍品和設計性產品。而以服裝配飾為主要表現形式的時尚，也在博物館內佔有一席之地，並在近年間顯示出重要地位不斷上升的趨勢。
V&A博物館
與大部分博物館不同，作為最具學術權威性的文化機構之一，V&A博物館始終對時尚表現出包容態度。博物館自創建之初就一直定期收藏著服飾類藏品；上世紀七十年代初，在時尚攝影師Cecil Beaton的提議和推動下，博物館開始將攜帶商業屬性的當代時尚納入收藏和策展考量範圍內。在這之後，諸多既有學術高度，同樣又不失娛樂性的展覽頻頻出現，如全球第一場把亞文化時尚引進博物館空間的展覽“街頭時尚：從街邊到T臺”（Streetstyle: From Sidewalk to Catwalk），展現千禧年初先鋒時裝設計的“激進時尚”（Radical Fashion）等。
“因為展覽會收穫更多媒體報道的關係，大家會覺得博物館與時尚的互動僅限於此，但博物館同時做的遠不止這些，”館內資深時尚策展人Sonnet Stanfill補充著，“我們用於存儲服飾藏品的檔案庫始終對外開放，任何人都可以通過預約來近距離欣賞和研究這些藏品；出版部門也在規劃著一系列從簡單入門的圖片書籍，到更專業時尚學術論著的出版物——這些並不一定總是要伴隨著館內展覽才會發生的。”
Dior在V&A博物館的展覽
當然，還有博物館公共教育部門：除了館內定期舉辦的講座、研討會等，V&A博物館從2015年起甚至還推出了專門培訓公眾策劃時尚展覽的短期課程。這也從側面反映出時尚主題項目規劃在博物館內所佔的比重之重。
博物館不會就展覽單一主題類別公佈營收信息，但在今年7月發佈的“V&A博物館2018-19年度報告和報表”文件中，博物館明文指出其在2020年的營收增長點將來自館內“出眾的時尚展覽及其他核心業務（零售、出版與文化授權）”。
V&A博物館Alexander McQueen的展覽
目前已公佈的館內2020年時尚展覽包括了探討日本和服歷史和文化的“和服：京都到伸展臺”（Kimono: Kyoto to Catwalk），以及在主題上更顯得容易吸引觀眾的手袋展覽“手袋：由內而外”（Bags: Inside Out）。按照過往展覽案例推算，這兩場展覽均有望吸引到超過五十萬的觀展人數，為博物館帶來六百萬英鎊的票房收入。
沒有哪種裝飾性藝術類別能像時尚一樣，既能提供給人視覺享受和文化價值體驗，又與每個人的生活息息相關。如今，博物館史上最受歡迎展覽榜單前兩名，也均是時尚主題展覽：2015年的“Alexander McQueen: 野性之美”（Savage Beauty），共計吸引了493,043名觀眾；以及2019年的“Christian Dior: 夢之設計師”（Designer of Dreams），共計吸引了594,994名觀眾。
V&A博物館Tim Walker展覽
近年來，更多綜合性展覽也均或多或少在策展過程中涉足時尚：下半年在館內開幕的攝影展“Tim Walker: 美妙東西”（Wonderful Things）強調了Walker用攝影鏡頭語言詮釋時尚，創造夢幻的能力；2018年的“Frida Kahlo: 自我成長”（Making Her Self Up）展覽同樣大量展出了這位墨西哥藝術家的私人衣櫥著裝，將服飾與繪畫、珠寶、攝影等一併陳列。
“全球博物館的文化圖景已經發生了諸多改變。我們看到有那麼多在過往可能對時尚持負面態度的機構，也都開始做起了時尚展覽，”Stanfill解釋道，“但V&A博物館不一樣的是，我們一直視時尚是重要的設計類別，而非一時潮流。大家想象不到在準備一場時尚展覽過程中，除了理論概念外，團隊要在實際技術層面付出可能比其他類別展覽更多的精力投入。”
Stanfill提到博物館策展人和展覽部門同事在決定每場展覽主題時，不會帶入市場營銷思維，但他們會盡力讓展覽能夠與社會和公眾貼近，吸引最大範圍限度的觀眾。就好比2012年時，倫敦成為當年夏季奧林匹克運動會主辦城市，V&A博物館便因此策劃了一系列與英國相關的主題活動。當年參觀人數排第二位的展覽，即是Stanfill和Cullen策劃的英國舞會禮服展覽（當年最受歡迎的展覽——好萊塢戲服展“Hollywood Costume”僅多出1,096人）。
V&A博物館Mary Quant展覽
“再比如說在今年的展覽中，除了Dior這樣的大熱展覽外，我們也想加入一些小眾的名字。”Stanfill進一步介紹著。這也是為什麼博物館會選擇策劃以上世紀六十年代時裝設計師Mary Quant為主角的展覽。即使為了讓展覽規劃取得平衡，這其中對大眾和小眾的定義顯然也經過深思熟慮：Quant儘管對外人來說可能有些陌生，但對英國人，特別是那些當年經歷過六十年代時尚潮流變革，如今年近古稀的老年人來說，是能喚醒親密私人回憶的名字——後者在V&A博物館全年觀眾群像統計信息裡依舊佔有重要比例。
中國一直是V&A博物館發展規劃的核心部分，這一點也在博物館時尚項目上有所體現。博物館早前的鞋履展覽“鞋履：歡愉與痛苦”（Shoes: Pleasure and Pain）在2017至18年間，先後在中國上海、成都、廣州、北京、香港巡展，吸引了近三十萬名觀眾；與此同時，館內策展人也在近年積極探索中國當代時裝產業，尋找適宜被納入館藏的新設計。
V&A收藏了中國年輕設計師張卉山的設計
收藏當代中國時裝設計是V&A博物館未來時尚項目規劃風向轉換的另一個標誌。長期以來，館內時尚展廳的永久陳列展品一直是以歐洲為中心，這一點將在2022年迎來改變：不僅策展團隊在探索除靜態陳列外，更具互動和體驗性的新展館設計方案，時尚展廳也將更名為全球時尚展廳（Global Fashion Gallery），以更長遠的眼光和開放的心態，考慮將世界範圍內的時裝創作納入博物館收藏和展出範圍中。
“時尚是不斷演進的，博物館也需要一樣不斷更新自己。”負責全球時尚展廳設計的Stanfill總結道。她只肯透露未來的展廳將捨棄掉原本使用的玻璃展櫃：“其他內容要等到2020年的夏天才能宣告大家。說實話，雖然還有三年籌備時間，但我已經感覺開幕日彷彿就在明天了。”
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