李安又失敗了。
豆瓣7.1，李安的《雙子殺手》口碑出現了史上最嚴重的跳水。
至於票房，雖然最終票房沒出來，但是大家都猜測《雙子殺手》基本要虧7300萬美元，將近5億人民幣。
如果說，上一次《比利·林恩的中場戰事》讓觀眾感到莫名其妙，但基於李安以往的高質量影片，差評更多的被“不知道李安在拍什麼”的評論壓制住了。（換個角度來想，不知道李安在拍什麼，是不是也算是一種差評？）
而到了《雙子殺手》之後，這種情況也就壓制不住了。
以往李安電影作品，在有著好萊塢式大片風格的同時，也暗藏著東方式哲學思辨在其中。尤其是在《臥虎藏龍》和《少年派的奇幻漂流》兩部電影中。
所以，李安以往的大部分作品，不管是在東方還是西方，都飽受歡迎。
但是這次，李安失手了，《雙子殺手》既沒有能夠迎合西方觀眾觀賞電影的習慣，也沒有討好東方觀眾的思想。
於是，這次李安集體迎來了東西方的吐槽和差評。
《好萊塢報道者》：“這部電影讓人失望。一個薄弱的劇本和一個單調的高概念劇情，靠著先進、出色的特效粘在了一起。”
《IndieWire》：“一個怪氣荒誕的創意，打造出了一部奇怪的電影。”
在豆瓣上也有很多人表示對李安的失望。
在好萊塢拍攝電影的華人導演，不止李安一個。在拍攝了一個過時老套的故事，為什麼會引起這麼大的爭議？
因為李安是特別的。
吳宇森在好萊塢中就拍攝了《變臉》、《碟中諜2》等等電影，這些即使是好萊塢本土，都是大製作的項目。
但是，這些電影對於吳宇森而言，是他在香港早就已經輕車熟路的槍戰片。
觀眾對於電影中刺激的場面，雙槍白鴿等等唯美的畫面也十分喜愛，但是對於吳宇森而言，是換湯不換藥，對於觀眾而言，吳宇森還是那個吳宇森.
還有馬來西亞籍的華人導演溫子仁，《速度與激情7》、《招魂》、《電鋸驚魂》等等同樣也是受到很多觀眾的歡迎。
而溫子仁大部分電影，都自帶恐怖基因。即使是超級英雄片《海王》在海溝族劇情的時候，也是隱隱帶著恐怖元素在其中。
相比吳宇森的大場面的刺激槍戰片，以及溫子仁本身賴以成名的小成本恐怖片的強烈個人風格，李安的電影，也是帶有強烈的個人風格。
從《喜宴》開始，李安就習慣在電影中，加入屬於東方的哲學思辨，以及東方式的人文風俗在其中。
《喜宴》從本身來看，雖然本身是一個不是傳統的東方故事，甚至於對於東方世界而言，屬於禁忌的“同性戀”故事。
但李安拍攝卻十分的“傳統”，原本同性戀在東方傳統思想中是屬於禁忌，而在西方世界中雖然不常見，但也至於達到禁忌的地步，還可能會說上一句“這是你的自由。”
在電影中高偉同的父母有了孫子之後，哪管兒子的性取向是直是彎，這種“有孫萬事足”的思想，恰恰就是很多東方父母對於這種事情的“算了”的態度，將希望寄託在下一代的思想。
所以，我們在觀看的時候，像是在看隔壁鄰居發生的事情，心中感到一股幸好不是發生在我家的慶幸心理。
即使是在拍漫威電影《綠巨人》的時候，李安的這種習慣也沒有改掉。
大部分人對於綠巨人的印象就是打砸和憤怒，至於浩克和班納博士的關係，不就是班納變身了就成為浩克嗎？
李安就是要弄清楚，班納博士於浩克之間的這種互為表裡的關係，到底有什麼意義？
所以，你可以在原本是超級英雄電影的《綠巨人》，看到綠巨人在思考憤怒，班納和浩克之間的天人交戰。
所以，對於《綠巨人》而言，隱隱有一種中國古代“陰陽”的思想在裡面，看懂了自然看懂了，看不懂的自然看不懂。
回到《雙子殺手》這部電影。
用開頭《好萊塢報道者》中的一句話來說就是：老套的故事。
心灰意冷的退休超級特工，擔心特工會洩露秘密的組織，克隆超級特工基因的克隆人。
故事劇情十分簡單，甚至有些過時，即使是故事中亮點“克隆人”，在科幻概念已經氾濫的今天，實在也讓人提不上興趣。
劇本的創意，原本誕生是在90年代，在那個科幻概念貧瘠的年代，好萊塢盛行“大片”，《雙子殺手》確實挺受歡迎的，一開始是迪士尼接手開發。
但是在科幻概念已經氾濫的的今天看來，就只能落得劇情老套的評價了。
但就是這樣一個20年前的創意，李安也依然要夾帶自己的私貨。
劇中最讓我印象深刻的時候，是亨利和克隆人小克面對面的時候，有一種微妙的氣場在其中。
就像李安所說的“想用年輕的男孩，去反映中年人的一種心情，互相地認證，檢討過往的人生。”
在51歲的亨利與25歲的小克戰鬥時，亨利完全知道年輕時候自己的選擇，小克的不敵也時自然的。
而這個時候，就像是你在某一天，遇到了過去的自己，你是否會給過去的自己一些建議，避免他再次走了彎路。
你會開始審視你過往的選擇，你也會考慮他未來的決定。
雖然這與中國傳統意義上的“自省”有出入，但在某種意義上它又帶著自我反省的意味在其中
李安在電影中對於本體與克隆人的設置，也是很李安。
對於技術，對於克隆人，普通的電影會展現克隆技術，或者會進一步討論克隆技術所引發的倫理問題。
在《雙子殺手》中，卻展現了另一種思考。
本體與克隆人，基因一樣，性格相同，但是克隆人卻敗於本體之手。
在這裡我不禁會思考，到底是基因決定了人生，還是經驗成就了人生？
作為李安的電影，這是第二次以技術而聞名。甚至很多人都認為，是技術拖累了李安。
一個不執著於技術的李安，在故事上娓娓道來，卻又夾雜著絲絲的思辨，才是我們所熟悉的李安。
4K+120幀+3D，這可以說是目前世界最為先進的電影技術了。
120幀的技術，真的就能夠帶來更好的觀影體驗嗎？或者說，新技術，真的能夠讓電影更加出彩嗎？
而事實上，對於絕大多數觀眾而言，60幀和120幀其實沒有太大的差別，所以很多人觀影之後，有關於120幀，說的最多的評論就是，像是在電影院裡面看了一場高清電視。
但這並非技術的錯，也不是意味著120幀的技術不適應電影。
就像高曉松所說：“我很多年前學電影，老師說電影跟繪畫不一樣，繪畫是一個完美構圖，除此之外沒有別的東西；電影是一個窗戶，除此之外還有很多東西，我一直沒明白窗戶是什麼意思。”
“看了 120 幀 3D 4K，我竟然能不但清楚地感覺到它是一個窗，我都好幾次在觀影過程中，嘗試從不同的角度去看，以為這樣就能看到窗戶前後上下的東西。”
在120幀的技術當中，每個人能夠看到的不同的風景，但不要因為看不到其他的風景，就否認它的存在，甚至否認技術。
很多人接觸的第一部3D電影，是《阿凡達》
但事實上，3D電影早在1922年就已經出現。
國內天馬電影製片廠也是在1962年，就成功拍攝出第一部3D電影《魔術師的奇遇》。
但是3D電影這個技術，卻是一直沒有發展起來。
除開3D電影的製作成本更高之外，觀眾對於3D電影的接受程度也是一個原因。
但是2009年卡梅隆的《阿凡達》上映之後，3D電影就普遍開花。
為什麼是卡梅隆？為什麼是《阿凡達》？
是因為即使拋開3D技術，《阿凡達》本身就是一個十分精彩的故事。
有完整的潘多拉星球設定，從氣候到地形，從生物到種族，都十分逼真；
有完整的納美族設定，從種族風俗到種族矛盾，從戰爭到日常，都自成體系；
而3D技術的“立體感”就為《阿凡達》提供了更好的觀影體驗，兩者是屬於互相成就的關係。
從而以全球總票房26億美元票房記錄，造就了2009年—2019年“世界電影史上最賣座的電影”。
所以，好的技術能夠為好的故事錦上添花。
但同樣，也可能會成為一個壞故事的“技術流新衣”。
2016年國內，由郭敬明導演的《爵跡》就號稱是國內第一部百分百純CG電影。
但最後的結果嗎？
豆瓣評分3.8，製作成本過億人民幣（實在是找不到相關的資料，但大多數都認為過億，畢竟光是演員的片酬就已經是天價了），最終票房才3800萬人民幣。
基本上賠得連電影底片都要賣了。
CG原本應該是要給到電影一個更好的觀影體驗，但是，《爵跡》本身的故事並不吸引人，再多花裡胡哨的技術也難以挽回《爵跡》的口碑和票房。
以至於郭敬明在路演的時候，說了那一句：“是不是隻有我死了，你們才不會罵《爵跡》？”
在《爵跡》上映的時候，有一句很經典的影評：“一坨狗屎，即使用世界最精美的包裝盒來包裝，也許很多人會被精美的包裝盒所吸引，但打開的時候，也是會隨手將它丟棄！甚至都不想去踩上一腳。”
所以，從本質上而言，電影和技術是相互成就的關係。
再回到《雙子殺手》的技術運用中。
令人感到驚豔應該就是在那一場的追逐戰中，李安採用了運動鏡頭+第一視角的切換，讓人有種“身臨其境”的感覺。
在感受電影劇情中緊急追逐感的同時，有種在玩FPS遊戲的感覺。
尤其是在120幀的加持之下，超逼真的沉浸感，更是讓觀眾感到緊張刺激
這一點，相比李安在首次運用120幀的《比利·林恩的中場戰事》，《雙子殺手》無疑是更為熟練和成熟。
但同樣也是掩蓋不了《雙子殺手》這個故事本身的過時，不符合現在觀眾對於電影的追求了。
所以，這種“遠離戲劇，用視覺講故事”的手法還沒有那麼的成熟。
電影作為第七藝術，從無聲到有聲，從黑白到彩色，從平面到立體（3D），也是從不斷的質疑和探索之中走出來的，誰也無法預知技術最後會帶來什麼。
但無可否認的是，正是所有進取的電影人，孜孜不倦地在探索著新技術，才有了現在電影的盛況。
一切正如李安所說：“我希望這是一個拋磚引玉，希望有很多人來試驗，希望這是一條新的路子。120幀的吸引力很大，我覺得要開拓出另外一個空間，一個美麗的新世界。”
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