《水彩入門》查爾斯·雷德著
一本書上手水彩、解決新手自學難題
首先感謝上海人民美術出版社寄來的兩本水彩教程書籍，均出自美國水彩大師查爾斯·雷德，今天給大家講的這一本是《水彩入門》，它針對水彩小白，列舉出學水彩時會遇到的問題，同時給予解決方案。
初看封面時，可能中國的繪畫愛好者會覺得作者作品過於風格化，不夠傳統，擔心會學不到有用的知識。但是深入閱讀進去，會發現很多觀點，是很基礎且通用的，我在閱讀時標出了一些觀點，並在旁簡要記錄了一些心得。今天放到公眾號裡，把心得進行了仔細梳理，結合我的水彩經驗，還有同學們在水彩課堂上提出的問題，來進行解讀。
讀書總是有用的，如果在書中有所發現、記住、且運用到了自己的繪畫中，那麼就是一種莫大的收穫與幸福。
書摘——序言
- 練習勾勒輪廓，暫停素描並時刻準備好溼潤顏料。
- 創作靈感枯竭的時候就停止繪畫，應該充分享受繪畫過程，不要沉溺於最終的結果。
- 做出某個繪畫決定時，一定要把鄰近元素考慮進去，永遠不要勾勒或者繪畫任何孤立的物體。
作者更強調於輪廓線的練習，其實也就是我們所熟知的速寫、線描等，以線為形式的造型練習。我在和畫友同學們聊天時，很多人都會糾結於是否需要先練習素描，也有人因為沒有素描基礎，而對開始畫畫產生膽怯；我認為的素描基礎，其實是一個理解的過程，同時把它運用在自己喜歡的繪畫形式上。即：
它並非是一個必須存在的前題，而是與你的繪畫一同成長和進步的。
在我的繪畫課上，會經常跟同學們說“該停就停” ，也會在課上為大家分配好時間，比如每次作業分成幾天，分成幾次完成，在什麼階段需要停一下，來看看自己的畫，思考一下哪裡出現了問題，哪裡是進步的地方。很多同學很急於看到最終的結果，所以喜歡一鼓作氣，畫完才罷休。
但是當我們的疲勞和麻木逐漸顯現的時候，繪畫的靈感會逐漸消解，這時候的作畫會變成機械式的，不帶思考的慣性動作。很多時候，我也會犯這樣的毛病，很多問題就會在這一階段出現，慢慢畫久了，就會發現這個規律：疲勞時出現的問題會影響最終效果。所以，“該停就停”吧！
我們繪畫單個物體的目的，其實是為了基礎練習，增加腦中的“素材庫”，最終達到創作的目的，如果給自己一個更高的要求，不妨嘗試畫一畫帶有場景的速寫或者線描吧！
書摘——調色A
- 不要回頭去在潮溼的平塗色彩中進行修改。
- 儘可能讓顏料自己起作用。
- 調淡混色時，最大的危險是畫筆蘸取了過多水分。
- 用於混色的筆觸過多。
這裡談到的是實際的水彩技法，這幾句其實可以分解為兩個問題：一是筆觸 ，二是水分。在我的水彩課上，發現最多的其實就是這兩個問題，對於筆觸，大家會用小號的筆來鋪大面積的色，如果銜接不是很流暢，那麼畫面中會出現很多細碎的筆觸，這會產生一種凌亂感和不自信感。當我在點評作業時，發現這種情況，會說“碎了”，其實就是筆觸細碎；
關於水分，如果筆的水分過多，而畫面水分相對於較少時，這時會在紙面上衝出水痕，有些時候這是故意為之，為了做出特殊效果；所以水痕也並非洪水猛獸，我發現同學們在畫水彩時，一旦出現了水痕，就會很驚慌，覺得翻車了，其實大可不必焦慮，因為有些水痕也許會彌補畫面中的平淡無奇。那如果一定要避免水痕，你需要做的就是了解你的筆頭和紙面的水分，因為
水永遠是從多的地方流向少的地方！書摘——調色B
- 注意水彩乾燥後色彩會變淡，也沒有潮溼色彩那麼鮮亮
- 僅在帶有群青藍、群青紫、熟褐或者熟赭的深色混色中使用象牙黑，絕對不可在中明度或者高明度的混色中使用象牙黑。
這裡談到了水彩的一個規律，就是紙乾燥後顏色會相應變灰變淺，這個具體變化的程度，其實與你所用的畫紙有關係。在課堂上，也和大家說過這個事，所以在畫水彩時要記得這個規律，有時候需要我們刻意講顏料的純度和濃度提高。我所用的紙裡，唯有阿詩是變化程度最小的，幾乎沒有變化，果然，水彩紙就是一分錢一分貨。記得在另一本水彩書中，作者明確寫出了
“請不要用糟糕的畫紙”，這一點對於畫水彩的人來說，一定深有同感吧！
還寫了一個調和深色的配方，大家可以嘗試一下！對於黑色，永遠要慎用！用其他的深色來代替黑色吧！
書摘——繪畫過程A
- 不知道能繼續畫點什麼時，那就停筆不畫，絕不可在已經乾燥的繪圖區域添加深色。
- 與色彩相比，我們更容易對明度做出錯誤判斷，但明度通常具有更高的重要性。作為圖畫創作的關鍵元素，色彩極少與明度產生競爭，除非所用色彩極為鮮明強烈。
- 所有一切都與簡化表現息息相關。
- 最高的明度效果應該出現在高光區域，其他的高明度效果應該稍微深一點，否則它們就會跟中心聚焦點搶風頭。
- 記住，任何光照區域都不會比高光效果區域的色彩更亮。
第一個摘要，是作者隨時都會在書中提到的，可見多麼重要！
另外主要的摘要，是和明度有關係，明度就是畫面裡的黑白灰關係，也是我們常說的素描關係，畫面裡最亮的地方即為高光，它在素描裡通常會留白，在色彩裡會體現為顏色最淺，在水彩裡，可以是水分最多，顏色最淡，或者顏色最淺的區域。通常畫面裡最極致的高光不會很多，幾處即可。
於是我摘錄了這一句：所有一切都與簡化表現息息相關。它在書中的語境是作者提倡大家眯起眼睛找尋高光，這個方法在我高中繪畫時，老師也告訴我們，眯起眼睛其實會讓眼睛聚焦在更重要的部分，會自覺忽略很多細節，有時候“帶有策略性”的忽略是繪畫中更高級別的舉動。
關於明度在水彩中的理解與運用，我在我的水彩課堂上進行了這樣的嘗試，讓同學們先用單色，比如黑色畫出一株植物的明度關係，在此基礎之上，再去畫它的色彩關係，也就是用顏色來完成。這樣，在理解正確的明度基礎上，再加上色彩關係，畫面的兩種關係會套嵌起來。
書摘——繪畫過程B
- 用水彩繪畫深色頗為不易。
- 顏料是否足夠潮溼？應該能夠將筆尖插入顏料容器之中，畫筆筆尖應蘸取潮溼的純色。
- 深色水彩平塗乾燥後顏色會高兩個度，製作深色色塊並等候其徹底乾燥，你將看出色彩會變淺很多。
關於水彩的深色處理，這裡作者特意提出了自己的觀點，我結合自己的水彩經驗來說一下：很多同學在課堂上反應，顏色調不深，那麼有可能出現兩個問題：
一是顏色蘸取不足，顏料過於乾燥時，我們很難用筆往下刷出顏料，當然固體顏料的常態就是乾燥的，所以更推薦大家使用管狀的顏料，我們要儘可能的讓顏料是溼潤的，比如密封好，常噴水，我則會把顏料盒放到冰箱裡，因為北方冬天的室內實在是太乾了。
二是筆裡或者調色盤裡的水分太多，水分多了自然會將顏料稀釋，水越多，顏料就越稀，顏色就會越淺，當然無法讓顏色深下去了。
由此看出，雖然這本書是以人物和風景作為實例，但是其中對於水彩畫的原理，還是很通用的。
摘要裡的第三句話，在之前的摘要裡也提過，這裡再次寫出來，是因為它的重要性。我們畫深色時，應該對它乾燥後的效果有一個預估，這對於經驗是一個很高的要求。預估它乾燥後會淺了多少，這個“多少”的量，我們在調色時應該用濃度來補上去！
未完待續，後續會將書中更多內容梳理出來，和大家分享。
同時歡迎大家在評論區留言，可以針對摘要，談一談自己對它的理解或感受吧！
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