貝歇夫婦的“類型學”攝影
貝歇夫婦介紹
伯恩和希拉·貝歇夫婦（Bernd and Hilla Becher）無疑是20世紀攝影史、乃至藝術史上最著名的夫婦。他們的生活與作品都圍繞杜塞爾多夫藝術學院展開。1957年，他們在此相識，20年後在此任教。他們的學生安德烈·古斯基（Andreas Gursky）、托馬斯·斯特魯斯（Thomas Struth）、托馬斯·魯夫（Thomas Ruff）以及肯迪達·霍夫（Candida Höfer）等如今都是藝術市場的明星。
更重要的是，那令人不可思議的紀錄鄉村與工業建築的事業，也從德國的這個地方起步。從1963年的第一場攝影展起，兩人制定了共同的拍攝計劃，並明確了拍攝範式，即大畫幅、長焦鏡頭、黑白攝影、正面平拍，拍攝對象為水塔、煤氣儲備罐、青貯塔、高爐、工業用房、木筋房……他們將許多“無名”建築抽出，置於嚴謹、簡潔、純描述性的構圖中。
為了加強圖像之間的一致性，甚至是同質性，貝歇夫婦只在灰濛濛的天空下拍攝，並以網格形式（通常是六張、九張或十二張）呈現同一主題的照片，建立了“類型學”攝影。他們的作品裡沒有人的出現，排除一切會引起美學解讀的視覺吸引，通過冰冷的中立性建立起一部引人入勝的西歐工業遺產目錄，包括德國、法國、荷蘭、英國……1991年，貝歇夫婦榮獲威尼斯國際藝術雙年展雕塑金獅獎：他們的獲獎有力說明了攝影得到當代藝術市場的認可。
範式的統一
貝歇夫婦的“類型學”從此刻在我們的視覺記憶裡，每當看到水塔、青貯塔或其他工業建築物，無法不想起他們。然而，除了拍攝工業風景的方式（以及他們學生的盛名），從攝影的本質認識他們的作品很有意思。他們拍攝過的“無名雕塑”數量驚人，並且堅持他們的攝影方法，令人肅然起敬。可是如果不單獨欣賞這些照片，那就大錯特錯了，精準的拍攝角度及簡單易懂的題材使照片迷人。他們的攝影具有無法抗拒的視覺衝擊力，證明了光線本身沒有好壞之分，應取決於拍攝主題本身。
對貝歇夫婦而言，一成不變的灰光線、無雲朵、無陽光是最佳拍攝環境，有利於他們展現材質與形狀的細微變化。看似中立的風格使被拍攝的地方完全脫離環境，從照片上既看不出環境，也無法知曉時間，使我們把目光集中到複雜機械的細節上。由此，我們認識到現實主義攝影具有驚人的抽象化能力。
與此同時，貝歇夫婦把“系列攝影”的概念推向極致。重複同一種圖案不足以建立視覺統一，整體拍攝範式（構圖、對焦、光線以及拍攝角度等）才是最重要的。今天，貝歇夫婦代表了主題攝影的力量和對構圖的執著，他們還說明了看似中立的紀實風格在藝術性上絕不亞於耀眼、昏暗、浪漫的風格，或者說他們示範了即便不拍攝藝術照片，也能進入藝術史冊。
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