疫情當下,大門不出二門不邁,除了享受與家人相處的時光 也是修身養性，學習知識的最佳時刻！
所以《didi聊時尚》又迴歸了
在這個時候與小姐姐們互相探討、互相促進、互相打氣
我們今天就聊聊時裝與藝術的關係吧
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藝術與時尚之間的合作是永恆的
自高級時裝誕生之日起
時裝就對這些藝術家們調情了
新藝術、、超現實注意、、達達主義、立體主義、、抽象主義……
時裝不僅僅來自於設計師的靈感，往往也借鑑於畫家的作品
✅例如夏帕瑞麗
她著名的的龍蝦連衣裙裝飾著達利的巨幅畫作，鰲蝦紐扣，拉絲口袋，高跟鞋形狀帽子
������達利和夏帕瑞麗合作的“龍蝦”裙：當初設計完成時，達利竟然想要在龍蝦上抹蛋黃醬，就算是夏帕瑞麗也接受不了達利的瘋狂
������達利與夏帕瑞麗合作設計的鞋帽，晚禮服上的口袋是嘴唇的形狀
✅伊夫·聖·洛朗與藝術家之間的合作也數不勝數
比如1965年，根據幾何抽象畫派藝術家蒙德里安創作的“蒙德里安日裝裙”
還有由巴洛克激發靈感的印有吉他的斗篷
由馬蒂斯激發靈感的印有鴿子的連衣裙
������這條裙子將伊夫聖洛朗變成可以載入史冊的偉大設計師）
������1966年他致敬波普藝術家Tom Wesselman，粉紅人臉）
✅Alexander McQueen讓他的秀場像任何藝術一樣激進
他讓一名裝著假肢的模特送上伸展臺
他讓機器人在白色連衣裙上噴塗油彩
這些時裝秀極接近於即興演出，讓自己的時裝秀像歌劇一樣極度充滿感情而帶動觀眾情緒
������1998秋冬秀場，McQueen讓殘奧會短跑運動員Aimee Mullins出場走秀， Aimee是失去雙小腿的重度殘疾運動員，當她出場時，那雙鵰刻上精細繁複花紋的木雕假腿引起了評論界極大的爭議
������1999春夏，McQueen讓機器人肆意塗鴉模特穿著的連衣裙，至今仍是值得炫耀的經典。將身著純白色禮服的模特旋轉在舞臺中央，左右兩旁的機器噴槍隨意噴出黑色和黃色的顏料，現場完成“非常麥昆”的造型）
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然而，藝術的目的是延續，而時裝則會淪為過時。
藝術時尚與時裝以不同樣的節奏發揮著作用
20世紀八十年代
日本設計師在“概念”剪裁的形式上，進行了大膽嘗試
那些超大且不對稱，具有三層袖子和雜亂無章的紐扣排列成為日本設計師的風格
可有趣的是，所有的這些實驗，從川久保玲到山本耀司的作品，都因為商業緣故恢復了傳統的線條。
Comme des Garçons AW 2016
Comme des Garçons SS 2017
CDG HOMME Plus 2018 AW
CDG HOMME Plus 2019 ss
Comme des Garçons SS 2019
Comme des Garçons SS 2020
������Comme des Garçons的設計充滿著所有極具想象力的瘋狂元素，但衣服總歸也是需要切合大眾消費者的日常需求的。
������川久保玲已經推出了十八條副線，包括1984年成立的Homme Plus、1988年成立的SHIRT、2002年成立的PLAY、2009年成立的Black等，除了主線Comme des Garçons外，基本上都以日常實穿的產品為主
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法國時裝評論家凱瑟琳·施瓦布在書中曾說：
——無論多麼稍縱即逝，它也必須作為人體形態學的代理商。
因此，服裝永遠不能希望自己成為一種完全不受約束的作品，它只能努力讓自己偏向藝術，而永遠不是藝術。
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時裝並不是藝術，
Christian Lacroix、Jean-Paul Gaultier、以及Karl Lagerfeld充分了解這一點
但他們也極為清楚藝術可以讓時裝提升其價值，是增長銷售業績的助力。
������Karl Lagerfeld，看來老爺子沒有強迫症！
������Karl Lagerfeld 曾diss “把設計當藝術是很做作的”
但還是有大批品牌因為藝術，把時裝“賣出去”
相信最早“覺醒”的是品牌背後的經理人，一些時裝商店會僱傭藝術家，以對自己的產品賦予作為一種指示物的“重要性”
例如，愛馬仕������定期購入當代藝術家的手繪作品，來為自己經典絲巾系列加入圖案儲備。
������愛馬仕印製了200件再版Josef Albers作品的絲綢方巾，作為限量系列投放市場。
������Josef Albers，德國藝術家，畢業於包豪斯設計院。無論是在歐洲和美國，20世紀，他在歐普藝術形成的基礎上具有最有影響力和深遠的藝術教育計劃。
愛馬仕那些實用價值高，又能展現藝術家畫作的絲巾商品，成為其經久不衰的暢銷品。
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������2003，Louis Vuitton和村上隆合作系列，暢銷12年
自2003年以來，
路易·威登就一直在與日本非常成功的商業藝術家村上隆合作，
為其帆布包賦予新的生命和藝術上的詮釋。
������村上隆認為藝術作品能帶來經濟效益才有價值的藝術家
村上隆的那些漫畫設計因為路易·威登獲得了全球範圍的聲譽，
並於2009年在古根海姆美術館開班了作品展，整個展覽由路易·威登贊助。
村上隆的作品剛好是高文化修養市場和一個較年輕的連環漫畫愛好者基礎之間缺口的理想選擇。
路易·威登那些印有村上隆漫畫的包包讓其獲得的大批年輕消費者。
������村上隆與當紅炸子雞設計師Virgil Abloh
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在滿足對營銷推動的迫切需求的過程中，
藝術家是否被迫減少其對一種趨勢狀態所做的工作？
但年輕人對於新奇事物的迫切需求，對街頭藝術的熟知
彷彿已經厭倦與自我破壞相互調情的“快時尚”
一種相反的趨勢突然進入了人們的視野——慢時尚
慢時尚——來源於生態學，崇尚長期持久的服裝
比如Martin Margiela的那些極簡藝術作品，讓人像觀看收藏品一樣去看那些時裝作品。
《MARGIELA / GALLIERA, 1989-2009》是巴黎首次為比利時鬼才設計師Martin Margiela舉辦的回顧展，並邀請到設計師本人擔任藝術總監
Margiela用他的概念質疑他所處時代的時尚美學，通過實驗性的解構方式研究服裝的構造，揭示其內部、襯裡、未完成的部分，並將時裝製作過程加以呈現：褶皺、肩墊、圖案、針腳......
他把服裝的比例把玩到了極致
他創造了一種受日本傳統分趾襪啟發的新型分趾鞋，在1989年時第一次於秀場上讓模特們穿著它們在廉價白布上留下鮮紅的腳印，在下一季的秀場中用這塊印有紅色腳印的布裁剪出一件女士上衣，並使用膠帶固定，大概也是時尚界首個實現回收利用的知名設計師了
設計師將從世界各地收集來的復古服裝、戲服、舞會長裙等材料重新創作成為獨特的手工縫製時裝，展示在“複製品”(Replica)系列中。
Margiela堅持作品不應被模特的個人特質和容貌所影響，常使用髮套、面罩、眼貼等遮蓋隱藏模特面部，使得觀眾將注意力集中到服裝上
每一次Margiela的秀場都是集噱頭和行為藝術於一身的，
Margiela本人的行為也充滿藝術氣息
曾經據說，Margiela甚少露面，在時尚圈一直給人以神秘感
每年在巴黎舉行的高級女裝年會，聚集世界頂尖設計師的大派對，他從來不去，但聚會上永遠為他留著一把椅子
越是這樣，人們越是好奇，越是喜歡這個品牌，因此標榜獨特個性的消費者越來越多的購買其產品。
之後Margiela離開了自己的品牌
接受它的是更加善於玩弄噱頭的John Galliano
這兩年又將街頭文化融入品牌，讓Martin Margiela獲得了不少年輕消費者喜歡
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E2雙人組合Michele和Oliver chatenet多年來一直致力於回收和“定製”奢侈服裝、高級時裝以及復古服裝。
他們的服裝像是一次性作品，來自過季過時的或多個時期的服裝重新組合，這樣很容易被拿來與藝術作品比較。
最後，這些衣服像雕塑作品一樣供人們欣賞，卻無法穿在
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當然，在這之前，我們耳熟能詳的歐普藝術和抽象藝術開始滲透進時裝設計
設計師越來越擅長以一種“表演”的形式，將自己的作品在模特身上進行展示
的確有些設計師讓時裝變得詩情畫意，並非是“生產”，激發了之後的設計師也好、藝術家也罷他們的想象力。
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文章最後，我想再介紹一下北京去年年底新開的skp-s
skps是一座概念零售商場，科幻感與藝術味滿滿
大概開業第一週我慕名而去
幸好我是開車去的，進地下停車場還算順利，據說當天人流量太大，商場限流，商場門外慕名而來的人排起了長隊
������SKP-S與韓國眼睛品牌GENTLE MONSTER合作“未來農場”
������SKP-S與韓國眼睛品牌GENTLE MONSTER合作“未來農場”，
我個人感受是GENTLE MONSTER店裡的裝置都很有趣，不管是三里屯的門店，還是skp的快閃店，每次都是被它的裝置吸引，然後看看眼鏡，當然眼鏡產品也帶有強烈的未來感。
������眼鏡品牌GENTLE MONSTER在spk的快閃店裡的裝置
������眼鏡品牌GENTLE MONSTER在spk的快閃店裡的裝置
������Daniel Rozin的企鵝模型表現的是未來的人工化自然環境-skps
������Daniel Rozin的企鵝模型表現的是未來的人工化自然環境-skps
������商場三層的公共空間展示了“對未來數字世界發展的期待和恐懼”、“對過去模擬世界消失的懷念”兩個主題
������展示空間展出作品《時間的箭與環》
������還有一些照片
當天的購物體驗並不是很好，因為人真的是太多了
但是不得不說，skps在藝術與商業的結合上還是下了一些功夫的
尤其在網絡購物如此發達的當下，這些依賴線下的實體經濟如何發展，給了一些正面的嘗試
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#頭條之星校園計劃#、#今天穿什麼#
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