《我們的歌》第二期排位賽環節，第一輪演出，“清風許來”與“王炸組合”對壘，最終票數比為135:141，費玉清跟許魏洲的組合落敗。第二輪演出，“清風許來”再次以84票排名第三，四組組合裡，這個位置不差，但也談不上好。
問題出現在哪裡？
從競演角度分析，兩輪比賽，“清風許來”所演繹的《一剪梅》跟《愛是一個圓》在現場確實佔劣勢，全如費玉清所講，他們的演出“稍微溫了一點”，而對方諸如搖滾融合說唱的表演則是“精彩又熱鬧”。在Live的場景裡，在比拼的語境裡，通常都是大動態、強能量的表演會更加拔群，“清風許來”與此正好相反。
不過，這不是失誤，而是他們的刻意安排。節目裡許魏洲反覆強調，這是“師父”費玉清封麥前參加的最後一檔綜藝，要儘可能表演他的作品。所以《一剪梅》跟《愛是一個圓》以及第一期節目的《你是我永遠的鄉愁》，更像是兩位在充分滿足觀眾們的懷舊需求。
更重要的在於，競演其實只是《我們的歌》的一部分。關於節目有這樣一段介紹：讓榜樣歌手與新聲歌手聯手同臺競演，推動華語樂壇跨越代際、走向新生，實現華語音樂的傳承與創新。劃重點，節目所追求的並不是純粹的比賽秀場，而是提供新老“對話”，最終完成代際接力的機會，在娛樂氛圍之上是意義重大的流行文化迭代。
所以，相較於勝負，重點的是來看新老歌手如何聯動呈現作品。這其中勢必就要涉及“榜樣歌手”跟“新聲歌手”的互動。互動效果好，傳承跟創新自然就會潤順。
“清風許來”的互動以師徒關係為基底，費玉清1955年出生，許魏洲1994出生，年齡差距巨大但不是問題，兩者互動充沛，尤其是後者保持以學習者的態度向“師傅”取經，由此他們沒有因為年代差異而產生的區隔，相處模式以融合為主線，以共進為目標，合作將老歌唱出新味道，更賦予新時代以經典成色。
因為有學習的訴求，所以許魏洲首先保持著自我辨識度的剋制，從風格上貼靠，從演唱模式上調整，從姿態上謙遜，兩期節目裡的三首歌曲，總體上都是屬於費玉清的標誌性氣質。
歌曲通常都以溫綿呈現。
當然，學習過程裡有他的個性突顯，每首歌曲他都在進行個性化處理。
節目第一期“盲選配對”環節，在聽過許魏洲的演唱後費玉清立刻反饋，“覺得跟我音域還蠻合的，我就喜歡這個調調”。隨後兩人合唱的《你是我永遠的鄉愁》證明那一瞬刻的認定並非衝動，費玉清的高亮頭聲配搭許魏洲厚實的胸聲，前者清新的抒情流行氣息呼應後者硬派的搖滾質感，不提完美但可謂到位。於聽感，這是一段足夠“養耳”且有新鮮感的合唱。
第二期，兩位奉獻的《一剪梅》，同樣屬於經典，同樣的有不同，許魏洲繼續按照搖滾風格的範式為歌曲澆築鋼筋鐵骨，一首婉約詩情的歌曲就此有了肆意跟磅礴。
這無疑是一種傳承過程裡的小創新。即便並沒有那麼的開創性，但它是最典型許魏洲式的加成。其中內核就是搖滾。這一直都是他的“底牌”，可以說他從未失手過。我仍然記得在央視《經典詠流傳》節目裡他演繹經典《沁園春·雪》時的情景，以搖滾形態展現古詞牌，從而賦予本就磅礴的古詞牌以能量感。如此能量積攢著時代的意味，促使經典文字散發出當下大眾能夠感知的恢弘。
同樣的配方在《我們的歌》裡繼續見效。費玉清是堅守傳統姿態的“師父”，而他則是尋找跟時代匯合手法的“徒弟”。
這是在機械地重複自己？我覺得不是，這其實是許魏洲在不同場景，不同作品裡對於自我的反覆確認。從過往作品裡提取他的自我，我得到的關鍵詞是：高亢正向，能量跟旋律共存。以上提及的《你是我永遠的鄉愁》跟《一剪梅》，還有同出現在第二期節目裡的《愛是一個圓》，三首歌曲悉數貫穿著以上特質。發現了嗎？許魏洲按照自己的方式在經典裡留下了自己的印記。
這還只是第一步，下一步完成的是增色。
我想，節目第一期費玉清認定許魏洲能夠“合拍”的原因就在於，他確定這位晚輩能夠給他帶來不同色彩。這一點在演唱《一剪梅》時得到最突顯證明。歌曲第一段副歌結束部分，許魏洲奉上一段長直高音的輸出。當時，臺下觀演的任賢齊講，“有一種北方和南方的衝撞”，這就是他增色的表現，為原本只有“南方”的溫婉帶來“北方”的豪放與曠遠。簡單講，他的演唱達成了歌曲的提振效果。跟隨他鏗鏘人聲同步出現的是宏大絃樂，此刻，歌裡的蒼茫更顯無邊，人情的飄香更近綿長。
還不止於此。也因為有許魏洲搭檔，《一剪梅》的演繹方式變得豐富。前段兩位採用的對唱模式，頗有跨越時代互相“對話”的意味，高音跟中音的頻段互補更具飽和的聽感。後段則轉換成重唱模式，頻繁通過和聲與對位的變化來製造豐富的戲劇性以及充足的立體感。由此，原本簡單精煉的歌曲，呈現出音樂劇式發展的跌宕。從這裡也足夠看出，他並沒有機械地重複自己，雖然處理風格都可以歸劃到搖滾的門類下，但在具體歌曲裡許魏洲富有變化。
我把這叫做，彈性。
歌手的彈性在於面對不同作品、風格、合作者可以有多樣的變化，即便是面對經典，也從不固守既定套路，被先前的圭臬所限定。在《我們的歌》兩期節目裡，我看到了許魏洲有點小超前的傾向，他用“硬派”的手法撬動了“文派”的溫文，讓傳情有了聲外之意，正如《一剪梅》中那一聲挑戰極限的“此情長流心間”似乎唱出了世間的濃烈以及人生的厚重。
“師父”費玉清表揚他這是在音域上的“嘗試突破”。其實，這同樣是韻味上的增強，節目裡許魏洲演唱詮釋出的味道，要比過往更顯層次。此時的賞聽就不只意味著悅耳，更有怡神。
所以來到《我們的歌》，除實現華語音樂的傳承與創新的任務外，他同時完成了自我的翻新。這也就可以解釋為什麼許魏洲抱以學習者的態度參與到節目中，他是來向前輩們取經，不放過任何可以翻新自我的機會。搖滾可以是他的標識，但沒有成為阻隔他探索學習的障礙。在前兩期節目裡，看到更多的是他以剋制的方式來配合前輩的作品跟風格，隨著節目發展，我想他會逐步釋放出更多屬於自己的搖滾能量，那時的舞臺也自然會更加彰顯他的特質。
競演總歸有輸有贏，但每回合表演都可以成為有收穫的試水。
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