不用閱讀展覽手冊，直奔熱門打卡點，“咔咔咔”，擺幾個姿勢換幾個表情，修圖，發送朋友圈，大功告成，這一套流程走下來，從進館到出館，半小時都不到。至於藝術家是誰？展覽主題是什麼？不好意思，忙著拍照去了，沒注意。
很多時候，那些在展覽上拍照的人，甚至比看展還有意思。
那麼問題來了，他們去打卡的是什麼展覽呢？有人曾經用三個字對這些展覽做過高度總結：網紅展，原裝展品是背景牆，觀眾才是真·展品的當代刻奇大觀園。參觀過程相當於親密好人、好友的攝影技術大考，沒有個會拍照的對象都不好意思去，去了也是徒增家庭矛盾。
當然了，這種定義純屬調侃。事實上，網紅展通常會被冠以“沉浸式展覽”的名頭，沉浸式藝術起源於1960年代，美國藝術家詹姆斯·特瑞爾一直致力於利用光線進行創作，在美術館的空間裡，構建一個個光怪陸離的感官世界。但他應該想不到，在半個多世紀後，“沉浸式藝術”會和“多媒體裝置”、“跨界”等詞語一起，成為“網紅展”的代名詞。
去年，日本多媒體藝術團體TeamLab的首個展覽“花舞森林”，落戶佩斯北京畫廊。隨著“網紅展”這一概念的走紅，TeamLab的作品也得到了“重生”。他們的代表作《花舞森林迷失、沉浸與重生》是一個全包裹式的投影體驗，360度的光影覆蓋造成了它的沉浸式體驗。
從去年五月底開始，去TeamLab的展自拍打卡，便出現在了很多人的社交媒體中，一時間，這個展覽成為了國內各大城市最受青睞的展覽，但在創始人看來，它原本的意義，是通過交互與科技的方式，傳遞“人類參與自然，同時對自然產生的影響”，但因為視覺效果浪漫唯美，“拍照好看”反而成為了它最大的標籤。
除了這一類無心誤入網紅門的藝術展，還有一類藝術展，從誕生之初就是奔著成為網紅而來的。這類展覽大多知識門檻不高，而且具有很強的複製性，它們的源頭，其實也沒多遠。2016年，快閃展覽冰淇淋博物館在美國創辦。在這個展覽中，沒有任何歷史和產品的介紹，只有大量可供拍照的大型甜品裝置，它曾創下5天內門票一搶而空、20萬人進入等待名單的紀錄，這一現象，讓很多人開始意識到這種形態展覽的異軍突起。
而冰淇淋博物館在本質上，是對一種現代社交生活方式的高度概括——拍照、分享、製造話題，通過製造話題劃分社群，然後進行病毒式傳播。它的創作者馬耶利斯·邦恩，曾經在社交平臺Facebook、Instagram工作，因此深諳互聯網時代的社交媒體之道。
網紅展之所以火爆，很大程度上是迎合了當代年輕人喜歡“曬”的心理。在快節奏的生活中，高出片率、迅速分享的網紅文化，是年輕一代的造夢所，在這個美夢中，可以獲得諸如“好美”這樣的讚美。從“禁止拍照”到設置“打卡點”，從觀看展品到觀看自己的形象，從分享思考，到分享拍照姿勢和拍照穿搭，展覽的意義在社交媒體的滲透下悄然改變，而看展人的滿足感也發生了變化——從獲得知識，到獲得點贊。
不可否認，網紅展能帶來巨大的盈利。舉個例子，當某個大型商場舉辦活動時，如果想要增加客流量，最流行的一種形式就是，打造一個“藝術展”。對於商場而言，它們能為商場吸引流量，流量也就等同於收入。早在幾年前，就有3D視覺展在國內引起打卡熱潮。幾年後的限制，類似“孤獨的泡麵”、“失戀博物館”等展覽，仍然能夠吸引一大波人前去打卡。
與此同時，很多藝術家的展覽還催生出了另一條產業鏈——山寨展覽。去年，很多城市都出現了日本藝術家草間彌生的假展覽，展覽中展出的全都是粗製濫造的贗品。
值得注意的說，眼下，傳統藝術展正在流失人群。因為專業門檻高、類型嚴肅，導致傳統藝術展門可羅雀。而網紅展的出現和流行，也給美術館經營者帶來了新的思考——怎樣才能在這個時代做出既叫好又賣座的展覽呢？
業內人士認為，“適合拍照”降低了人們親近藝術的門檻，這是一件好事，但流量和質量的平衡，以及如何將通過“拍照好看”吸引過來的觀眾，變成美學教育的對象，更是當代美術館需要努力的新方向。
網紅藝術的流量大，嚴肅藝術的生命力強，兩者很難用同一個標準，來評判孰優孰劣。何況人是複雜的，同一個人，她白天會和閨蜜去流連“繁華色彩光影”；而夜深人靜時，她又會在文藝作品中找到人性的共鳴。百花齊放，各取所需，這就挺好。
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