成朝利
我自己也是學習油畫專業，後又從事藝術教育，我個人認為油畫調色你需要綜合衡量，抓重點
第一 如果你是照片寫生，那調出來的顏色和照片肯定有差別，照片是經過處理出來的顏色和原物肯定有差別，調色只能是接近，不可能完完全全的一樣，你只抓整體畫面顏色和諧就可以，如果是想畫寫實，你只抓物體材質，畫出質感就可以
第二 油畫調色需要多對比，每一種顏色需要多少都要注意，畫錯可以用刮刀颳去，在從新上色，但學會總結，到底是因為多色還是少色
總得來說，這個調色都是自己經過長時間的畫畫總結，經驗積累得來的，不會有一個色譜照抄，那樣油畫也太死了，色彩是多變的，每個人的理解和感受是不同的
慧繪老師生活日記
調色公式：
熟 褐 色 = 檸檬黃 + 純黑色 + 玫瑰紅
粉玫瑰紅 = 純白色 + 玫瑰紅
硃紅色 = 檸檬黃 + 玫瑰紅
暗紅色 = 玫瑰紅 + 純黑色
紫紅色 = 純紫色 + 玫瑰紅
褚石紅 = 玫瑰紅 + 檸檬黃 + 純黑色
粉藍色 = 純白色 + 天藍色
藍綠色 = 草綠色 + 天藍色
灰藍色 = 天藍色 + 純黑色
淺灰藍 = 天藍色 + 純黑色 + 純紫色
粉綠色 = 純白色 + 草綠色
黃綠色 = 檸檬黃 + 草綠色
墨綠色 = 草綠色 + 純黑色
粉紫色 = 純白色 + 純紫色
咖啡色 = 玫瑰紅 + 純黑色
藤黃色 = 檸檬黃 + 玫瑰紅
土黃色 = 檸檬黃 + 純黑色 + 玫瑰紅
不管什麼顏色注意 ：只能用2-3種顏色調出來，過多的顏色，調出來的非常的不純。
、真正的調色不能在調色板上，而應在畫布上，只有畫面才能告訴你需要什麼顏色。寫生作畫，眼睛基本不看調色板，而看畫面與對象。即使在調色板上取用幾種顏色也是簡單地調合，在畫面上才是最後的綜合。如果在畫板上調得過分均勻，色感必單調死板。
此外，畫面存在未乾的顏色，調色時必須考慮畫面顏色成分，如果在調色板上調準了顏色，加上畫面已有的底色又會變得不準。
、顏色種類不必太多，十多種即可，它們是：白、檸檬黃、中黃、土黃、金土黃、(或生赭)、桔黃、硃紅、西洋紅、深紅(或紫紅)、淡紫紅、土紅、熟褐、粉綠、土綠(或橄欖綠)、翠綠、湖藍、群青、黑。19至21種顏色即可。
、調色板上放顏色的順序，基本可按前面所提顏色順序排下來，暖色放一邊，冷色放一邊，而每一種顏色又由淺到深排列，如檸檬黃、中黃、土黃、生赭......這樣就有一種素描深淺之概念。假如在畫很深顏色的暗部，需要再亮一點暖一點，就可試調生赭，不夠再用土黃，再不夠可用中黃，以此類推。畫暗部千萬不可亂用白色，一用白色就不透明瞭，顏色發粉。
、白、土黃、土紅、熟褐、土綠、翠綠、群青、黑，是油畫的基本常用色，它們也不易變色。熟褐、深紅、翠綠是暗部用色的三個寶。土黃、土紅是亮部的基本常用色。檸檬黃是風景作品中高光、逆光、亮部很可貴的顏色，色感較冷。
土綠(或橄欖綠)、中綠，對畫樹而言，起萬能的作用，如樹的暗部土綠加熟褐，偏冷可加群青，樹的亮部中綠加土黃、檸檬黃，夕陽或秋葉可再加桔黃。
、頭像暗部：土紅加象牙黑(北歐學派，較透明)，土紅加翠綠(東歐學派)。如果用硃紅加中綠也可產生相當不錯的暗部色彩。粉綠、淡紫紅是臉部和人體中間過渡面的調合色。 畫很白的女人體，白、土黃、土紅、粉綠、中綠是基本用色，有時需要硃紅。
室內頭像高光：白加象牙黑，少量土黃。要學會運用象牙黑。暗部、亮部、中間色調都可用，往往同白色一樣重要。顏色粉，往往問題產生在暗部，暗部不透明，畫粉了，整個畫面就會太粉。
、在同一物體的同一色彩中還會有冷暖的變化，不會絕對均勻，肯定有偏藍紫或偏黃綠等色，如果對色彩敏感，是可以感覺得到的。
因此在每一局部色塊中，都應有所選擇，把最美的色彩傾向擴大為整體的色彩。如果每一局部色塊都有所取捨和提高，整體的色彩感就比真實的色彩更加完美。要養成會找好看色彩的傾向。
、如果要形成色調，要肯定色調總的傾向，然後在調色上加以處理。例如金黃色的秋天，總傾向是偏黃色的調子，以中黃為基色。就可在暗部、亮部、天、地、樹等一切色塊中，成分不同地調入中黃。
要大面積色彩調合，小面積色彩對比。可以適當把冷色加暖，暖色變冷，色彩會更加好看，如冷紅、暖灰。
、透明覆色
即用不加白色而只是被調色油稀釋的顏料進行多層次描繪。必須在每一層乾透後進行下一層上色，由於每層的顏色都較稀薄，下層的顏色能隱約透露出來，與上層的顏色形成變化微妙的色調。
例如在深紅的色層上塗罩穩重的藍色，就會產生藍中透紫即冷中寓暖的豐富效果，這往往是調色板上無法調出的色調。
這種畫法適於表現物象的質感和厚實感，尤其能惟妙惟肖地描繪出人物肌膚細膩的色彩變化，令人感到肌膚表皮之下流動著血液。它的缺點是色域較窄，製作過程工細，完成作品的時間長，不易於表達畫家即時的藝術創作情感。
、不透明覆色
也稱多層次著色法，作畫時先用單色畫出形體大貌，然後用顏色多層次塑造，暗部往往畫得較薄，中間調子和亮部則層層厚塗，或蓋或留，形成色塊對比。由於厚薄不一，顯出色彩的豐富韻意與肌理。透明與不透明兩種畫法沒有嚴格的區別，畫家經常在一幅畫作中綜合運用。
表現處在暗部或陰影中的物象時，用透明覆色法可以產生穩定、深邃的體積感和空間感；不透明覆色法則易於塑造處在暗部以外的形體，增加畫面色彩的飽和度。19世紀以前的畫家大都採用這兩種畫法，製作作品的時間一般較長，有的畫完一層後經長期放置，待色層完全乾透後再進行描繪。
、不透明著色
也稱為直接著色法、即在畫布上作出物象形體輪廓後，憑藉對物象的色彩感覺或對畫面色彩的構思鋪設顏色，基本上一次畫完，不正確的部位用畫刀颳去後繼續上色調整。這種畫法中每筆所蘸的顏料比較濃厚，色彩飽和度高，筆觸也較清晰，易於表達作畫時的生動感受。
19世紀中葉後的許多畫家較多采用這種畫法。為使一次著色後達到色層飽滿的效果，必須講究筆勢的運用即塗法，常用的塗法分為平塗、散塗和厚塗。平塗就是用單向的力度、均勻的筆勢塗繪成大面積色彩，適於在平穩、安定的構圖中塑造靜態的形體；
散塗指的是依據所畫形體的自然轉折趨勢運筆，筆觸比較鬆散、靈活；厚塗則是全幅或局部地厚堆顏料，有的形成高達數毫米的色層或色塊，使顏料表現出質地的趣味，形象也得到強化。
新鮮時刻
現在網上有很多繪畫全過程的教學視頻，認真地看、細心的體會就是了。尤其是風景畫大師的作品過程相當有意思。。。不要看那種“抽象派、野獸派、刮刀厚彩派，”中國某些大師亂搞亂哈的“創作”視頻～切記。
姥老
很高興回答你的問題。
要觀察照片的明度、色相和純度，從大的方向向小的方向選擇顏色。
大部分顏色都是可以調出來的。個別局部顏色調不出來可以暫時放一下，不必管它。隨著作畫的進程進行，畫面逾加豐富，這時你會發現，你苦苦尋覓的顏色不經意間出現了！如果至始至終想要的顏色也沒有出現，怎麼辦？沒問題，我的回答:不管它。為什麼這麼說，因為我們想想作畫的初衷是什麼？是創作。那就不必要求自己畫的和照片一模一樣，“藝術源於生活而高於生活”。不必完全照搬照片上的顏色，要加入自己的理解、思想和看法。這些在畫面裡是看得出來的。一味要求畫面顏色和照片一樣是一種不敢大膽創作的表現。其實，照著照片畫這種行為在老一輩畫家眼裡也是不鼓勵的，應儘量寫生為主。寫生的好處太多了。
關於調色的問題。顏色不僅是在調色盤上調的，也可以在畫布上調。這樣能調出意想不到的效果，畫面更加豐富、立體。
希望我的回答對你有幫助！
大海揚帆
1⃣️首先我覺得你應該多看看一些優秀的大師作品，他們並沒有追求和照片中一樣的顏色，很多帶有個人的主觀色彩，形成自己的特點
2⃣️色調不一定要追求和原物一模一樣，不要偏差太大即可，主要還是色調的統一，讓人看起來很舒服
3⃣️色感有些人是天生的，有些人可以通過後天的努力去彌補，如果你一定要畫的和照片一樣也可以，要多觀察，多調色，畫多點小色稿，局部細畫，練多了慢慢就能調出來
4⃣️看你問題過於急了，你要知道畫畫是需要心態平靜下來才能做好，有時候我們一個月也不一定進步，但是不堅持畫肯定進步不了，量變之後才是質變
5⃣️如果你是十來塊錢的顏料，很多是幹了之後有很大色差的，建議換點好顏料，那感覺會飛起，一分錢一分貨
希望這個回答對你有所幫助，慢慢來，堅持✊，加油💪
稚繪園美術
繪畫盡量以寫生為主，按照片畫不是不可但要心中有圖。畫之貴貴有我，風格才是一位藝術家語言真正成熟的標誌，沒有自我風格的作品都是徒勞的！
用戶5057245324672姜
首先就算是寫生其實最求一摸一樣的顏色這是一種誤區，色彩講的是大關係，每一筆色彩都和周圍的色彩相互交織影響，顏色上去只要不是很礙眼很挑脫，那就是可以接受的。
再次如果一定要追求顏色的一摸一樣，你也說了有照片那就有電子版，用電腦打開放入ps，用吸管吸取你要挑的顏色，然後可以很精確的分析顏色所佔比例，作為參考，你就可以調出接近的顏色，然後自己微調。多練習慢慢的你自己就會有顏色分析能力了。祝願你早日達成調色神技。[可愛][可愛][可愛]
劉白素描
畫油畫寫生的時候總是調不出照片中的顏色怎麼辦？
我認為不用刻意的去跟照片中的顏色一模一樣，只需要你自己的畫面之中和諧就可以。就拿風景來說，比如整個照片中的色調是偏黃的，那你的第一筆也許偏綠了，我覺得你可以把其他物體景物的顏色，野畫的頻率，紅色就偏菊，綠色就偏黃綠。我覺得整個在你的調子裡是和諧的就OK。不用刻意去追求，跟照片中一模一樣。
趙軼同學
不必非要調與照片上一致的顏色，因既是寫生同時也是創作，如果都與照片一致，那就帶上照機照就得了。供參考。
書法賞習
從專業角度來看，如果你畫太陽，你有可以和太陽亮度一樣的顏料來匹配嗎？顯然不可能。我們其實只是重新建立了一個畫面關係，這個關係可以體現太陽與周圍環境的關係。也就是說畫面與對象是平行關係而不是重合關係。那麼你對照片時候也一樣，不存在具體某一筆色彩準不準，是你的畫面關係能否體現照片的色彩關係。
