1935年4月2日，溥儀受邀出行日本，在裕仁天皇的盛情下，體驗了前所未有的帝王之威，還收到了一件意想不到的“國禮”，一樽赤紅色的菊蘭七寶燒。
“幼松添新綠，兆得滿苑春...” 盛放的菊花和蘭花交相輝映，透過琉璃的光彩，溥儀仿若看見自己夢中的復興大業。
這件七寶燒陪伴溥儀走盡最後的人生道路，在新中國成立後一躍為國家一級文物。承載著國與國之間的歷史，七寶燒從誕生之初，就註定了它“外交家”的地位。
大“器”晚成
七寶燒（Shippo/ Jpanese cloisonné），其名取自佛教梵語中的七寶，即金、銀、瑪瑙、水晶、珊瑚、珍珠、祖母綠，強調了材料的珍貴和色彩的豔麗。
它源於中國的景泰藍，是一種金屬製的掐絲琺琅工藝，最早可追溯至古代近東地區的埃及、波斯一代。
早期埃及的掐絲工藝，裡面鑲嵌寶石，藏於大都會博物館
約公元1100，拜占庭時期，金制掐絲琺琅十字吊墜，藏於大都會博物館
乾隆時期 (1736-1795)，如意造型景泰藍裝飾畫板細節，拍賣價15,640,000港幣
七寶燒在日本有著上千年的古老歷史，但它的發展較晚，早期只能製造小且顏色渾濁的“泥七寶”，遠遠落後於同時期歐洲和中國的工藝。
黃金琉璃鈿背十二稜鏡/中國唐朝8世紀/現存於正倉院
飛鳥時代（7-8世紀）/七寶龜甲形座金具
1700-1800/水壺/藏於V&A博物館
然而在19世紀，日本的七寶燒迎來了重大的轉變：大約1833年間，一位住在尾張（今愛知縣）的武士梶常吉，迫於生計開始研究起琺琅工藝。他從拆解一件中國的景泰藍小碟中得到靈感，製造出了近代七寶燒的雛型。
梶常吉早期製作的香爐
由於缺乏科學的理論，梶常吉製作出來的琺琅器，和中國的景泰藍比較，只能說是“徒有其表”。
梶常吉1855-1865年製作的七寶燒碗盤
但在短短的30年後，七寶燒的工藝迅速地發展，直到明治初期，並河靖之在德國人戈特弗裡德·瓦格納的指導下改良釉料，製成新的透明黑色琺琅釉。
左邊的是並河靖之，他是七寶燒藝人最重要的代表之一，在1896年被任命為日本帝室技藝員。
至此日本的七寶燒開始走上一條彙集世界各地之大成，卻富有本土特色的道路。
製作工藝
七寶燒的製作過程，從制胎、掐絲、點釉、燒釉、到打磨鍍光，一共需要三十多道工序，其中最複雜的便是掐絲和點釉技術。
七寶燒製作過程展示：制胎、掐絲、反覆上釉、拋光打磨
不同與中國的銅絲，日本更常用厚度不足1毫米，寬1-2mm的銀絲作業。以純手工的方式，匠人在指尖用鑷子、手指，對照器物上已描繪好的圖樣，彎曲扭轉細細的銀絲，然後嵌在面上。
並河靖之手繪設計底稿圖
日本的琺琅釉料與其它地區的琺琅用料有本質的區別，是由加入金屬氧化物而形成的彩色石英手工研磨製成。發展至今天，已經有從啞光到透明、啞光、千百種顏色類別。
點釉的過程，使用削尖的竹筷，在調水的釉料中取色，填入一格格的區塊中，再入窯燒製成透明。這一過程至少要反覆三到四次，甚至十幾次，直到燒製成的釉色沒過銀絲的邊緣。
並河靖之工坊中一位正在上釉的匠人
完成點釉和燒製的瓶子還要經過層層疊疊的打磨工序，將表面的釉打磨平滑，露出埋藏的銀線，乃至成品表面折射出寶石一般的光華。
現代發展和種類
19世紀60年代，在明治維新的推動下，七寶燒的工藝迅速地發展至成熟。
並河靖之，濤川惣助，與安藤公司等七寶燒藝人中的領頭人，積極吸收西洋的琺琅工藝，不斷髮展新的製作技巧。
七寶燒的作坊以尾張為中心，延伸至京都和東京一帶，繁榮時期有上百家。
有線七寶：
以銀絲勾勒圖案，
阻隔釉料的流淌，
防止釉料在燒製的過程中爆裂。
多種的七寶燒工藝中，都以有線七寶為變化基礎。而日本的有線七寶燒更在發展過程中脫離整面掐絲的制約，無論多大面積的留白都不懼釉面的破裂。
大面積的線條留白，作品更具有現代感
櫻花與鳥/安藤公司出品/1910年/細節處多是不足分毫大小的葉子和花瓣
有線七寶中又以並河靖之 的作品最為驚人，他以金和銀絲入畫，細如髮的金屬絲靈活如毛筆，在瓶上鑲嵌出好似工筆畫的寫實花鳥魚蝶。
蝶紋花瓶局部/明治時期/並河靖之
菊御紋章藤紋大花瓶/明治時期/並河靖之/並河靖之七寶紀念館藏
無線七寶：
上釉後取出分隔的銀絲，
使釉料顏色相融，邊界不分明，
呈現水墨畫的效果。
無線七寶類似畫琺琅，製作工藝卻不同。常在創作中搭配其他七寶工藝，創造近景和遠景的效果，是濤川惣助的拿手絕活。
青山遠黛，遠處的山河是無線七寶，前景的樹木以銀線推近
有線七寶勾勒出枝條和花瓣，無線七寶的精髓在，消融的淡黃色花蕊上
盛上七寶：
在有線七寶的基礎上，
堆疊琺琅釉料形成浮雕的立體效果。
加強視覺的層次感，
常用於體現花瓣的質感。
盛上七寶的創作並沒有借鑑，而是安藤七寶燒公司的匠人獨立研發的創新工藝。其難度在於打磨時如何既保留光度，又維持細節上凸顯的圖案，是安藤公司的一大招牌。
省胎七寶：
以鹽酸溶解金屬內胎，
製成空窗琺琅的效果。
1900年，安藤七寶燒公司最出色的工匠——川口柴太郎，在巴黎的世博會上看到一件空窗琺琅（plique-a-jour）的裝飾碗。大喜之下，他將這件作品買下，帶回國，不久後研發出了具有日本特色的省胎七寶。
川口柴太郎1900年代在巴黎世博會看到的就是Fernand THESMAR的空窗琺琅產品。
這種工藝非常的困難，琺琅經常在溶解的過程中產生裂痕，越大件的作品越容易破。即使是從8歲開始製作琺琅的匠人，在60年後也難以保證100%的成品率。
菖蒲透胎七寶碗/安藤重兵衛作/明治時代/拍賣價145,250英鎊
明治時期約1905年製作的省胎七寶燈罩
“黃金時代”
1880至1910年代被稱作七寶燒的黃金年代，不僅是在工藝上達到了巔峰，七寶燒在國際的地位也逐年增加。
巴黎國際展會1900年的海報
日本在展會上的入口
日本在1862年倫敦國際展會上的展臺
對外開放的這幾年內，日本的七寶燒大量地出口海外，並積極地參加歐美的國際展會，奪得不少獎項。在巴黎和維也納的萬國展會上一鳴驚人後，成為繼漆器和瓷器被歐美市場追捧的又一日本工藝。
並河靖之的作品展於首屆國際現代裝飾藝術展會
並河靖之七寶燒公司的廣告，內容展示了他的作品曾多次奪得海內外大獎
並河靖之作品
七寶燒在展會上吸引了大批私人藏家的同時，也引起各大博物館們的注意。英國的維多利亞和阿爾伯特博物館（V&A）是擁有最大七寶燒收藏之一的博物館，他們的第一件七寶燒始於1867年。
V&A博物館收藏的七寶燒
日本的漆器和瓷器本是為了皇室御用而誕生，七寶燒卻是為了“出口”而生，款式更為西洋化。諸多的工坊創始人不僅經常參加海外的交流展會，自身也多有留學的經驗，所以製出的成品結合了中西方的藝術形式。
岩石上的瀑布花瓶/明治時期約1915/並河靖之/牛津大學Ashmolean博物館
黃水仙花瓶/安藤公司作品/1950-60/藏於英國V&A博物館
雖然是“出口品”，但成名後也成為日本外交送禮的首選。1909年日本代表獻上一樽一米高的巨大赤色七寶燒，給當時的美國總統塔夫脫。這件耗時8年的七寶燒，鑲嵌金絲，是展會中最亮眼也是最昂貴的七寶燒。
“這是總統收到最名貴的禮物之一！”
—美國的報紙報道
安藤七寶公司在美國1909年阿拉斯加-尤肯-太平洋博覽會的宣傳頁和展廳照片。中間最顯眼的瓶子就可能是送給總統的那一件七寶燒。
安藤公司贈予美國總統的七寶燒便是他們公司最尊貴，也是最有代表性的“赤透色”七寶燒。這種釉色加入黃金，且製造非常困難，在現代都是一種不好把控的工藝。
在中國與日本建交後，日本曾送給周恩來、毛澤東等國家領導人七寶燒作為國禮。現在都成為國家級的文物，收藏在中國各大博物館內。
故宮中收藏的日本七寶燒瓶
從拜占庭的掐絲琺琅珠寶，輾轉至中國變成景泰藍，在日本又成就了七寶燒，掐絲琺琅的工藝在千年的時間內走過各個國家，留下它的足跡，而如今的七寶燒，也將繼續延續這段藝術的歷史，推動它走向下一個紀元。
閱讀更多 LicorneUnique 的文章
