最近又一部好电影出资源了，是今年戛纳争夺金棕榈的种子选手之一。
这部片子当时一出，立刻就成为戛纳第一个爆款，无论哪一国的影评人，都爱死这部电影了。
比起其他几部金棕榈热门，很难说《盛夏》赢在深度或导演技巧性上，相反，许多人被这部电影吸引是源于它的有趣。
《盛夏》以其较为轻松和青春的姿态，和其他的竞赛电影明显区分开来。
《盛夏》
Лето
首先，试想一下，在电影的最高殿堂戛纳看一部MV电影是一种什么样的体验？
主线很简单，是摇滚乐手成名史，加一对三角恋情。
一个是著名的摇滚乐手，却面临着才华消退的危机。
一个是刚出茅庐的摇滚新人，才华却挡也挡不住。
如果是一般的导演，则又是一个摇滚新人上位史的热血故事。
但这位苏联导演不同，他在这两人之间又加了一段三角恋情，他又将镜头对准妻子的游移、丈夫的苦闷和新人少年的犹豫不定。
不显狗血，反而将这黑白影调下逼仄空间的情感游移展现得恰到好处。
惹眼的摄影和一段段配合着经典的摇滚曲目、带着幼稚狂想意味的MV段落，更是将他的才华展露无遗。
这些MV段落似有炫技之疑（毕竟太可爱也太炫酷了），但难得的是它们并没有沦为纯粹的技巧展示或噱头，而是带着确凿的表意功能。
更有趣的是看那些在剧情中突然插入却并无违和感，反而十分惊艳的MV段落。
比如第一段MV，前一秒还是大巴车上迂腐老人与摇滚乐手们的争吵。
下一秒，乐手被人拖进去殴打后出来，就开始进入MV段落。
争吵，殴打，生气，怒吼，歌唱，摇滚，推进得毫无违和感。
这一段的配乐选自大名鼎鼎的《psycho killer》，无论曲调、歌词都无比贴合片中氛围。
个别段落更是极尽幽默之能，酣畅淋漓。
再如主唱得知妻子出轨的一段，他在路边买醉，遇见一个同样失恋的女人。
BGM响起，是Lou Reed的《Perfect day》。
歌词唱着“美好的一天”，曲调却极尽忧伤，配合着片中的大雨，像忧伤版本的《雨中曲》。
在悲伤的黑白影像中，导演用滑稽的笔调为失恋的女人画上红色裙子，让男人在房子里遇见掉落的天使。
一个长镜头，所有的情绪：悲伤、荒诞、压抑、无望，全都有了。
但“有趣”和“青春”的标签，却并非“肤浅”的同义词，相反，这部电影有非常明确的政治表达。
影片一开始便开门见山，摇滚乐队在台上恣意地唱跳，台下的观众却只能规规矩矩坐着，他们在严密的监控下连头都不敢跟着节拍晃动。
严密的政治高压，被束缚着的人民，体现在摇滚乐中蠢蠢欲动的反叛因子。
这样一部看似轻松愉快的关于摇滚的电影中，其实隐含着及其严肃的政治思考和表达。
《盛夏》在五月的戛纳获得了来自不同国家的喜爱，导演谢列布连尼科夫却未能如约而至：他被捕了。
这位充满勇气的导演不断用自己的作品与当权政府对抗，最终以“挪用公款”的名义被逮捕，至今仍未出狱。
但我想，这部充满反叛精神的电影能在戛纳参赛，并获得如此多的喜爱，就是我们以自由之名对他给予的最好支持。
不仅《盛夏》，还有许多内含反叛因子的音乐电影，以夏天为背景挥洒汗与泪，以鼓槌为武器寻求反叛与改变。
电影菌觉得，大概没有什么能比在夏天看一部音乐电影更能沁人心脾了，无论它是清凉，还是热血。
今天电影菌就借着这个机会来安利那些携带着反叛因子的音乐电影，不多，就三部，但部部精品。
1、《爆裂鼓手》（Whiplash）
因为《爱乐之城》而被广泛认识的导演达米恩·沙泽勒，其实从来不是一个好莱坞乖乖牌导演。
即使是受众广泛的《爱乐之城》，其爱情观也并非普世的：他们分开不是因为不爱了，而是因为二人的价值观分道扬镳了。
达米恩也敢于用一个悲剧作结，而非传统好莱坞式的嘻哈团圆结局，看似人人讨好，其实毫无立场。
而在《爱乐之城》之前的《爆裂鼓手》，达米恩就不仅显示出他高超的导演技巧，更显示出其反叛传统的价值观念。
这部电影，才是对“犬儒主义”的狠狠一击。
通过一个变态的老师，一个不择手段想要成功的鼓手，达米恩在说：没有什么比“中庸”更害人的了。
成功从来不是中庸，成功的过程更像是一个不断失去自我、和魔鬼签订契约的过程。
许多人把这部电影错误地理解为庸俗的“美国梦”背书模板。
但这部内核极为暗黑的电影其实在不断地颠覆这一传统价值观，比起批判，它更像是通过这个故事给予观众一场反思和嘲讽——
训练的过程，比起单向的鞭策更像是一个互虐的SM过程。
成功地过程，与其说逐梦、热血，其实用残酷、失去来形容更为适合。
如果成功是这样那搞得，平庸的人们还愿意去追求吗？
拷问无处不在。
当然，作为音乐片来看，此片最牛的地方在于：全程的鼓点作为背景音乐和剪辑点无缝交融在一起，惊艳程度令人咂舌。
无论价值观你赞成与否，但当成音乐片来看，是绝对的五星。
2、《迷墙》
The Wall
之前我们也介绍过这部令人震惊的MTV电影，电影真正的主角是英国的殿堂级摇滚乐队——Pink Floyd。
不像前面介绍的其他电影，或是在剧情中穿插MV，或是以音乐为主题构建故事，这是一部没有完整剧情，95分钟都是MV的电影。
影片以乐队主唱的成长史为线索，叙事手法极其前卫，动画与真人影像交织，现实以超现实的方式表现出来，呈现出一种梦幻迷离甚至略带恐怖气氛的影像质感。
从来没人用95分钟的电影时长来拍MV，也从没人用MV的形式来拍一部95分钟的电影。
《迷墙》开先河的意义不止于此，它还用强烈的影像风格进行了极为激烈的政治批判，在当时石破天惊。
在学校上学的孩子们如同一个个行走的机器，如同高高筑起的墙壁的砖头，没有生命力，没有反抗力，走上名为“社会”绞肉机，纷纷被绞成肉末。
人的肉体、人的精神被封印在高墙中，呼喊、尖叫，乞求挣脱。
刀斧排列成军队行进的形状，它们是纳粹的标志，是军人的标志，是整齐的、威严的、不可反抗的标志。
在这样的高压社会，没有人不是被异化的。
无论是真人影像或动画，《迷墙》都显现出了一种直击人心的震慑力。
在这样的影像面前，唯有Pink Floyd的伟大摇滚才是它真正的注解。
3、《醉乡民谣》（Inside Llewyn Davis）
无论从这部电影的名字还是那首著名的插曲《five hundred miles》来看，这部片子似乎都应该是温柔清新型的。
但不好意思，不是。
请看它的导演：温情杀手——科恩兄弟。
电影讲什么？一个民谣歌手逐梦的故事。
但科恩兄弟怎么讲故事？
一个挫败，两个挫败，三次失败……你以为他总会成功的，但没有，到最后一刻都没有。
在这曲完全“反乌托邦”“反美国梦”的失败者之歌中，可贵的是科恩兄弟没有让人物成为灰头土脸、全然溃败的失败者。
他的确失败了，却仍然有他的柔光时刻、他的发光时刻。
而片中出现的诸多曼妙的民谣，几乎就为这个失败者打上了十足的高光。
这部电影最好的地方在于，它没有猛灌鸡汤，更没有极力打压人物。
导演让他一路跌跌撞撞，遇到些许美好，遇到些许温柔，但也遇到许多头破血流的时刻，人物的迷茫心境与前程未卜让银幕前的我们达到了最大的共情。
我们不是要去看人物如何成功，抑或如何失败。
《醉乡民谣》里，科恩兄弟告诉我们看电影还有另一种方式：感受他们，无论他们成功抑或失败。
四部电影，网上均有资源。
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