每天读幅经典（7）
有关81岁大卫·霍克尼的一场盛典即将上演。
若是不出意外，两个月后在纽约的拍卖会上，大卫·霍克尼（David Hockney）将以超过5.5亿人民币的记录刷新一项纪录——成为在世的画家中，作品被售出最高价钱的画家。
《艺术家的肖像——有两个人物的泳池》1972年
佳士得在近日官宣了这一消息：霍克尼于1972年完成的作品——《艺术家的肖像——有两个人物的泳池》
Portrait of an Artist （Pool with Two Figures) ——将在今年11月15日在纽约“战后和当代艺术”晚会上被拍卖。自这幅画诞生46年以来，它已经成为霍克尼先生的标志性作品，在去年伦敦的泰特美术馆(Tate)举办的现代艺术回顾展上，就拿这幅画作为参展目录的封面。
佳士得战后与当代艺术部门联席主席亚历克斯·罗特认为，这幅画充分展现了大卫·霍克尼的艺术才华，画作描绘了理想而精致的池畔景观，同时也表现了人类关系中存在的巨大复杂性。“到了11月，它将成为在世艺术家在拍卖会上出售的最有价值的艺术品，”亚历克斯·罗特说。
据保守估计，这幅画的拍卖价格为8000万美元，按照最近的汇率，这相当于5.5亿人民币。也许已经81岁高龄的霍克尼本人，并不会在意这个虚拟的数字。甚至对于当代艺术本身这个概念，他也曾表示过不屑，或是压根不承认这些所谓的专家。在人类跨越进入21世纪时、千禧年的5月末，大卫·霍克尼曾在写给友人的一封信中说起：“我刚花了一个小时看苏富比和佳士得拍卖行的‘艺术品’拍卖预展。他们两家都有现代艺术‘专家”。可是，只要你严肃地想想，你就会明白根本没有‘当代艺术专家’这种东西。怎么会有呢？有的只是‘艺术’发展之流的追随者。当此之世，我们通过有线电视、新闻网了解新闻，历史画也已被因特网改变。怪不得‘艺术’看似消亡了，看似不合时宜了。塞尚现在依然是个伟人，他比录像要‘现代’多了，录像还是以光学机械的方式观看世界。”
霍克尼为创作此画准备的摄影素材 1972年
创作《艺术家肖像》时的工作场景
如今，在这耄耋之年，对于他来说，更重要的事情应是回忆下自己所经历的这段人世旅程中，到底参演了哪些事情，这些事情是否能为后人留下一些亮光，让我们在未来漫长而幽暗的岁月中，能够排除技术、形式的束缚，进一步探索艺术的美的本质，以及这些探索为我们自己带来的影响；在霍克尼的耄耋之际，人类早已进入数字信息时代，信息主义加持的全球化带来了诸多变革，同时也带来了极大的矛盾与不确定性。追问、反思与批判，正是如今艺术家们所要担当的责任。
将于11月在纽约拍卖的这幅画《艺术家的肖像》蕴含了两个故事。霍克尼回忆说，他在1971年从工作室地板上偶然并列在一起的两张照片上，找到了最初的灵感。这两幅照片一张是在水下游泳的人影，这个人影看上去相当扭曲，另一幅照片是一位男孩在盯着地上的什么东西，将这两个截然不同风格的人物画在一起，这个想法让他入迷。但是当他动手工作时，这幅画画并不顺利，在经过几个月的工作和不断返工后，最终被他自己销毁了。
时隔一年，到了1972年4月，霍克尼决定构思一幅画参加纽约安德烈·埃默里希画廊(AndréEmmerich)举办展览，于是他开始重新考虑这一创作思路。而此时距离展览只有4周的时间。他带着相机，在圣特罗佩斯郊外的一座有泳池的别墅里，拍了数百幅照片后，回到了伦敦的工作室。画中的站立于泳池边的那位男士的原形，来自于他的前同性情人彼得·施莱辛格(Peter Schlesinger)，他让他穿着粉红色夹克，在伦敦肯辛顿花园(Kensington Gardens)拍摄了几张照片。在完成这些前期准备，霍尼可用了整整两个星期，每天工作18个小时完成这幅作品，完成后第二天就赶紧联系发货人将它运送到纽约参展。
霍克尼在伦敦为自己的情人彼得·施莱辛格拍照
霍克尼有关泳池题材的构思，起源于他在美国的经历。上世纪60年代，被普遍认为是现代和当代艺术的分水岭。1962年从伦敦毕业后，霍尼可大部分时间都在美国生活及创作。从英国来到洛杉矶后，霍克尼对这里到处可见的蓝色泳池感到了震惊，“我低头看了看到处都是蓝色的游泳池，我意识到在英国，游泳池本来是一种奢侈，而现在却并非如此。”于是，从洛杉矶的泳池上，他发现了自己最伟大的题材。
霍克尼最早的加州泳池作品是从1964年开始，他先是将水描绘成蓝色和灰色的色块，然后转换到更有特色的、被杂乱线条打乱的蓝色平面上。从1966年开始，他开始尝试用白色、黄色、粉红色和紫色的曲调来暗示水的运动方式，让画面有流行音乐一样的韵律感。霍克尼认为描绘水是一个有趣的形式问题，水其实并没有颜色，也没有固定的视觉形象，但它也可以是任何颜色，任何形状。霍克尼也持续尝试利用各种介质中描绘这一主题，他使用过包括丙烯酸酯、水彩画、蜡笔、石版画等等方式，也采用过将染色、湿纸浆压成纸张的技术。
1980年 彩色石版画
带跳板和阴影的绿色泳池 1978年
对于这类技术的探索，霍克尼从来没有止步。在早期，他就尝试过拼贴摄影和歌剧舞台设计，尝试过传真机制作画作，他还深入研究了艺术史上的古典名家如何利用光学仪器进行创作。1970-1986年之间，霍克尼开始创造大量使用宝丽来照片的摄影蒙太奇作品，称之为“加入者”。
这一转折与他的中国之行关系密切。在1981年，霍克尼与他的两位好友曾经来到过中国，中国绘画给了他一些启发。他开始利用中国绘画的散透视、平远等构图原则，打破了西方固定的焦点透视，他把这两者结合起来，创造了自己的“反转透视”方法，这让西方绘画得到了空间上的解放，让绘画艺术重新获得了自由。
1981年霍克尼在中国绘制的桂林山水水彩画
2009年，霍克尼看一位朋友在玩iPhone，就拿来玩了下，这让他发现了另一种全新的绘画方式。之后，他拥有了自己的iPad，于是开始尝试在iPad上进行创作。他觉得iPad 就像是一张无穷无尽的纸，可以一直调节尺寸。然而他发现利用iPad绘画，更重要的将带来一种全新传播方式的改变，因为这让他联想到“大众传媒”这个词语刚刚出现的时代，至关重要的不是“传媒”，而是“大众”这部分。把“大众”拿走，留下的就截然不同了。
大卫·霍克尼iPad绘画作品《春至》 2011年
最后，在梳理了这么些有关霍克尼的资料后，我还是有个的担忧——如果在两个月后，某位不缺钱的神秘亚洲富豪购买了这幅画，不知道他是不是会真心喜欢，而将它挂在自己的客厅里呢？
也许这个担忧也毫无必要。有钱人的欣赏水平，我等人又如何知道。总之，人云亦云并非好事。对于未来，尤其是人类未来该如何审美，该如何在后信息时代建立自己的美学观点等等问题，我依然怀揣敬畏。
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