侯家萍

写意与写实并不冲突，二者密不可分，相辅相成，甚至相互成就，纯粹追求写意会陷入抽象虚无主义，片面追求写实会陷入物质陷阱，写意绝非谎言。

我国古代著名画家，有“画圣”之称的吴道子，他“好酒使气，每欲挥毫，必须酣饮”，喝酒喝多了才着墨画画，你说他是写意还是写实？肯定是写意。就连“草圣”张旭据说也是从吴道子这里学到了写意的艺术表达方式，并融会贯通到书法中去，变得行云流水一般。

吴道子总结过自己的艺术表达方式是“众皆密于盼际，我则离披其点画，众皆谨于象似，我则脱落其凡俗”，即不落窠臼，不求“形似”，但追求“神似”、“形神兼备”。

《贵妃出浴》一直是古今艺术家表达的重要主题，关于这个香艳的镜头，究竟是写实？还是写意？还是虚实结合？每个艺术家都给出了不同的表达，我们不妨体味一下。

▲ 李白颖， 2007年《杨妃出浴图》，侧重写实，以实表意。

▲ 王叔晖 《杨妃出浴图》，线条有力，情浓意抒，学古不泥古，写意为主。

▲ 潘絜兹 《贵妃出浴》，线条柔和，设色淡雅，五分写实，五分写意。

▲ 华三川 《贵妃出浴图》，淡浓相宜，中西合璧，意在形外，形在意中。

▲ 仇英 《贵妃出浴图》，明代绘画大师，看似写实，实则写意，形神兼备，意出形外，一股浴后的清新丽质之姿态，妍雅婀娜之风韵扑面而来。

▲ 费丹旭 《出浴图》，清代画家，此图颇具清代仕女气质，委婉柔情，勾人心魄。

▲ 张大千 《贵妃出浴图》，张大千取法明清诸家，以水墨入仕女，此画线条简洁流畅，不见写实，全为写意，寥寥数笔，柔美动人，气质全出。

由此可见，写意看似虚无，实则与写实相辅相成，绝不存在“谎言”之说，真正的艺术家能在“实中表意，意中显实”，这也是艺术表达的重要境界。

我是专注历史文化的狄飞惊，欢迎关注我！

狄飞惊

说‘’写意‘’是不是中国古代艺术最大谎言？前几天白石老人的十二屏大写意山水拍卖了一亿多，是最好的回答，还用说别的吗！我说大写意不是最大的谎言，而是中国古代艺术家们最伟大的创造！先说个小故事，唐太宗李世民把两个当时不分伯仲，又互不服气的画家约来，一个是画山水李思训，一个是画工笔人物人物的吴道子，范曾早年曾效法其风，大唐画坛当年流行八十七神仙卷的工笔画法，吴是其代表人物，吴道子勾线人物准确细腻吴带当风，两人开始比画后，都说吴道子画的好，可最后李思训画完大写意青绿山水时，不分高低各有所长，最后平分秋色都得圣赞，从此两种画风渊源而来。大写意只是用笔用纸方法的曲别，好比西画中粗犷速写和精细素描的曲别，或者说法国安格尔《瓦平松的浴女》是细腻的‘工笔’，而粗犷的德加的芭蕾舞《明星》又是一种‘大写意’。

我从三个方面谈一下大写意（一）大写意也是我国国画绘画的一种流行画风，有着漫长的历史演进。其绘画形式最早出现于唐代，而后经过元、明、清各代画家的完善，象梁楷，徐谓，八大山人，任伯年，吴昌硕，徐悲鸿，李可染等都各领风骚多少年，逐渐形成了一个比较完善的绘画体系和绘画技巧。大写意是以草书行书用笔形式，用大泼墨赋彩大块渲染，大线条快节奏用笔用墨用色，而且是必用浸润扩散的生宣纸，如黄胄的那些毛驴和新疆美女，更注重画作中的意境和韵味，黄胄年轻时光画速写就画了几千张，人称‘’纸老虎”，这是说他画画如吃纸，他拿毛笔当铅笔，柔毫翰墨如纸上风雨，一只毛驴只是寥寥数笔，他追求的是形似和神似，而不是其中的细微末节。

如画工笔人物动物的刘奎龄刘继卣，画人物动物《大闹天宫》时就更纤毫细微。而画大写意动物《雄狮图》时，又是一种气势磅礴的画面，他追求的是绘画的意境，而不是简单的绘画技巧，大写意构图多为简洁精练，但是用笔比较疏放，在一些画作中，有时只用了简单的、寥寥几笔，就把物体活灵活现约画了出来。

黄胃五十年代曾获奖的《海岛女民兵》

（二）大写意与小写意，小写意是与大写意相对的，没有大写意的磅礴气势，小写意的画法更收敛工细一些，如齐白石门人的王雪涛就是小写意，而齐的大弟子许吝芦就是狂放的大写意。还有一种半工半写，工笔和写意之间的一种绘画技巧，属于半工半意的一种画法，比较注重局部作画，这种绘画技巧，能够突出重点，让重点绘画的内容，展现出来。如张大千所绘的《仕女图》，就是采用半工半写的方式，通过人物局部的细致描写，展现出了仕女图的美，而且其中利用工笔画法，利用墨色的线条，勾勒出人物的轮廓，让人物显得特别诱人，更能展现出其优雅的姿态，而衬景背景就加进写意。

在张大千早期的小写意的花鸟画中，好多是半工半写的风格。他晚年的许多大泼墨山水云山霞雾，水墨泼彩淋漓尽致，都是采用大写意的方式绘画的，山里曲传小道上的古人古寺，又采用工笔，就象齐白石的许多大写意花卉中，加一两只蜻蜓和知了一样，写意中有工笔，工笔中加写意，一笔一划描花鸟，半工半写绘乾坤。

三、我国国画的绘画艺术方法和技巧，自古以来展现了天人合一的境界，是一种豪迈和细腻情感的展现，通过工笔和写意不同的绘画方式，可以展现出作者的不同思想和情感，从而实现了抒情寄怀的目的。山水花鸟皆入画，大千世界任驰骋，中国国画如唐诗宋词境界深远，工笔表现了细致和内敛，大写意表现画家的豪放和张扬，要把完美的内容体现出来，就要借助于工笔和写意。千百年来许多画家是在掌握大量写实工笔的基础上，进行大写意创作的，总之大写意不是无夲之木无源之水的。

长江39563631

写意怎么会是中国艺术的最大谎言？从大的讲写意是中国古代艺术最精到的本质体悟，是对艺术抽象的最早发现，是中华文化精髓的最为简洁的表述。

中国文化经典易经就以阳和阴可写意万事万物。传统的诗歌、戏曲、书法和绘画都讲写意。诗要含蓄，点到为止，才有意味，“酒可销闲时得醉，诗凭写意不求工”嘛；京剧也绝一支马鞭即为马，一把桨即是一叶扁舟，这不是写意是什么？

当然所谓写意更多的是指绘画的一种画法。写意同写实相对应。写意画就是不求工细形似，只求以精练之笔勾勒景物的神态，抒发作者的情趣的画法。

写意画最早当追逆到唐代王洽。遗憾的是王洽的写意画只有描述，没有绘画作品留传下来。早期留下写意画精彩作品的是南宋梁楷的《泼墨仙人图》。这是一幅纸本水墨人物画作品，该作是现存最早的一幅泼墨写意人物画，画面上的形象是一位袒胸露怀的“仙人”，宽衣大肚，步履蹒跚，憨态可掬，像是行走在云雾之中，其脸部的眉、眼、鼻、嘴拥成一团，下巴胡子邋遢，似乎形象很猥琐，但却是尽脱俗相，透出傲骨的仙气。《泼墨仙人图》是最精典的写意画，是墨象语言真正独立的标志。

其后大写意花鸟画最有成就的是明末的徐渭。他在生宣纸上充分发挥并随意控制笔墨的表现力，进而把水墨大写意推向了能够强烈抒写内心情感的至高境界，对后世产生了深远的影响。

之后的四百多年间，涌现出了像八大山人、石涛、黄慎、任颐、吴昌硕、齐白石、张大千、黄宾虹、傅抱石等众多的自成一格的写意画大家，创作了无数光照千古的水墨写意画珍品大写意画以草书入画，体现了中国人独特的造型观和境界观。

写意画最讲怎用笔方法，历代画家总结了很多宝贵的经验，其中最重要的是以书入画，讲究一幅画的“笔意、笔力、笔韵、笔趣”。大写意画既是高度自我的艺术，又是高度忘我的艺术。水墨大写意作为中国画的重要表现形式，以其自由的生命力和视觉冲击力，通过独特的工具材料的应用而具有一种东方神韵和现代意味。

然而当下各级美展上的中国画，似乎再也难觅磅礴大气、简约疏放的大写意了。纵观各大展览，大多数中国画刻意求工，制作为王，失去了大写意画的天趣，流于甜俗难以自拔。哪种无意之笔，偶然所得，突然顿悟，灵感爆发的精彩大写意是太难见到了！

高培书画琴

奔月路上，回望故乡！高雅的写意画家，才能有如此境界！

能量加持

我以为，写意是生命的使然，是对自我心境的真实表述与描述，是中国人的艺术生命必不可少的组成部分。为此，站在中国绘画的历史长河中，你会发现，中国人深受道家哲学的影响，在道家的思想中，拓展出写意之道，成就了中国绘画的千古审美。

这幅赵国经王美芳夫妇的工笔画，虽是工笔人物，但那份超逸的写意精神，却是非常唯美与深刻的，因之，风神浪漫，飘逸超脱。

写意更是艺术史观的整体体现与艺术的一大分支，是中国文化独有的生命产物，是中华文明，在自己的生存抗争过程中，以独有的笔墨精神，开启的对生命历程的抒情与讴歌。这种独有的笔墨精神，所彰显的形式与格调，成就了中国古代士大夫阶层大而化之的抒情风范，从而展现出写意精神这道最美的风景线。

这幅亦然如上图

为此，写意既是生命的一种表现，更是灵魂的一大表象，它建立在道家思想的体系之下，因而具有自然的活力，及灵魂的溯源性。

但写意不只是一种表象，一种意境，更是人灵魂意识的一种延伸，人生命属性的一种彰显。它不具有欺骗性，因为它是真实的。就如圣洁纯净的雕塑本就屹立在哪里，但北大孔教授一手摸左乳，一手又去摸右乳，然后拍照留念，把自己邪淫一幕活生生展现的举动，却是对人道德理念的彻底颠覆。你说这是那尊雕塑的错，还是孔叫兽的错。也许有人会说，没有裸体的雕塑的诱惑，就不会有孔叫兽的错，这是站在欲望的一面替邪淫辩护的。如果站在生命的一面，你就会发现，所有的存在，就是为人类的审美而来的，包括孔叫兽所摸的雕塑，更包括中国绘画的写意。

羽空作品

为此，你便明白，一个人如果心坏了，即使没有裸体纯净的雕塑，他也会以其他的表现方式，来彰显自己的的。因而，站在生命的角度，只要人心向善，或者说人人守住自己内心神所赋予的道德及善良的一面的底线，就不会出现如此荒唐的事情。

羽空作品

问这个问题的人，就有些对自己内心的不肯定，而提出如此的问题。为此，问题的关键就在于，自己是否能认知到自己灵魂的存在，如果能认知到自己有灵魂，那么，中国的写意精神，自然就包容在自己的生命认知中，与你的生命，与生俱来，息息相关。

昊愚堂夜画

所谓的“写意是中国古代艺术的最大谎言”是站不脚的，就是人们常说的那样，“是一个伪命题。”专攻工笔者，其功夫达到，他的作品就算不是精品，但也绝不是拙劣之作。

很多的中国画画家，能夠在他的作品中，写意兼有工笔，工笔混有写意，再配上我国固有的书法和印章，创作出N多幅中国画精品来。

看来，“写意是中国古代艺术史上的最大的谎言”的论断，是错误的，是站不住脚的。

孤独的人209381559

不知此问从何而来？但是凡存在的就是合理的，一如黑格尔所言。这个问题提出本身，至少带出了值得大家思考的其他问题。

有此疑问的人，你确定你的美术知识不是由外教英语老师教的吗？

古菁从这个疑问中看到了下列几个问题：

中国美术教育的失败。

中国传统文化教育的缺席。

传统审美意识的式微。

中国传统绘画（我们指称的国画）中写意是其重大的特征，说是他的精髓，说是他的灵魂都不为过。

中华民族是一个天生对图形极为敏感的民族。现在还在使用的象形文字一一汉字，就是基于图形演化而来的。这种文字的特点，带有概括性对事物形象的描述信息，本身就是一件写意的作品。写意画能够在中国出现，是和这种文字，发明和运用这种文字的思维，密不可分的。它体现了中国人思维中关照外物达至心灵，再由心灵出发去感受，而形成文化层面的形象表达，有极大的关系。

人处身自然万物之间，万般感受集于心中，正如三千弱水，只取一瓢饮，必然需要去除繁杂，以极简的方式表达感受，才使胸臆得以抒发。

[八大山人的极简写意，动物们都不活在现实中，只活在他的心中。]

[让我们看到他内心生命的孤傲。]

[夏圭的《溪山清远图》的美，只活在画家和读懂他的观者心中]

而西方由于他们的逻辑推理思维，带给他们绘画的特点，是长时间徘徊在追求对视像真实的描绘上，纠结于像与不像之间，而将心灵的感受置于不顾。

西方宗教长期占据社会生活的主导地位，个人的心灵完全是次要的，是带有原罪，因而是值得鄙视的，是需要上帝来指导的。他们没有论语，长期没有以人为本的观念。他们的绘画也常以宗教为题材。这个现象直到16世纪文艺复兴时期和之后的资本主义兴起，上帝才逐渐退于二线，个体意识和生命价值才得到了极大的尊重。自那以后，西方绘画开始注入了类似中国写意的元素。在西方美术史上称为现代派。

[塞尚的苹果开始了远离纯视象居所的里程，往人心温暖的方向迈步]

现代派的始祖，公认为赛尚。看他描绘的蔬果类，花卉类静物，是那么的宁静。他将自己心灵对自然的感受投射入了作品中，让他的静物有了人类心灵投射的影子。

[马蒂斯的《红房子》已经远离了真实视象的空间，成为他心中的房子]
再后来他们发现了东方的绘画艺术。东方绘画的线条，在古典主义油画观念中，完全是不合自然态的不可饶恕的错误，但却有极强的视觉表现力，这令他们很着迷。

[马蒂斯用东方式的线条，来表达心中的狂野喧嚣，被打上“野兽派“的标签。]
因而有了马蒂斯的野兽派，各种主义的绘画风起云涌。直到走向了另一个极端，出现了大批冷抽象热抽象绘画，以及画家以身体介入创作的行为艺术等等。

[凡高的星空被他的心灵点亮，从此余辉不减，在世界各地闪烁]

在古菁看来，抽象画是对中国写意画精髓的一种模仿。之前遇过另外一个问题，是问你觉得抽象画怎样？在此也一并做答：凡是能准确抒发胸臆，具有人类心灵特征的绘画形式，都是好的绘画。为写意而写意与为抽象而抽象的绘画，都是伪艺术。因为他们没有生命的温度。

[朱耷的《拒霜花》挺着孤傲而柔韧的花枝，为逆境中的心灵撑一朵小伞]

对任何艺术形式的讨论都只会停留在表现手法上，而构成一件伟大艺术作品的要素，是画家、作者的独特伟大的心灵感受。他们独特的感受，并表现出来的世界，让路过的我们被深深震撼。你被感染，是因为你看到人类灵魂在作品中发出的美的光芒。当你路过此地，你或许会想，如果我是艺术家，当我的心灵被世界感动时，我也可以拿起我的笔，这么干！

学习传统文化，了解传统思想，多看绘画菁华，提升审美趣味，感受艺术魅力。类似的问题就会慢慢的少了。希望如此。

古菁书画

“写意（vivid expression and bold outline）艺术创作术语。与“写实”相对。艺术家忽略艺术形象的外在逼真性，而强调其内在精神实质表现的艺术创作倾向和手法。最初起源于绘画，兴起于北宋，要求在形象之中有所蕴涵和寄寓，让“象”具有表意功能或成为表意的手段。成为中国艺术审美重心自觉转向主体性的标志。”（摘自百度百科·写意）

声声慢 李清照

寻寻觅觅，冷冷清清，凄凄惨惨戚戚。

乍暖还寒时候，最难将息。

三杯两盏淡酒，怎敌他、晚来风急？

雁过也，正伤心，却是旧时相识。

满地黄花堆积。

憔悴损，如今有谁堪摘？

守着窗儿，独自怎生得黑？

梧桐更兼细雨，到黄昏、点点滴滴。

这次第，怎一个、愁字了得！

天净沙·秋思

枯藤老树昏鸦，小桥流水人家，古道西风瘦马。夕阳西下，断肠人在天涯。

““写意”一般意思为艺术家忽略艺术形象的外在逼真性，而强调其内在精神表现的艺术创作风格和手法。“写意”在中国审美术语中有它的特殊性。强调意在笔先的决定性意义，强调“象”在创作思维中被转化成为精神性的“意”的范畴的东西；再经过“写”，经过笔墨如书法那样的处理，则往往达到更大的艺术高度。“写意”一词最初起源于绘画，兴起于北宋，要求在形象之中有所蕴涵和寄寓，让“象”具有表意功能或成为表意的手段。“写意”在中国绘画领域里有着丰富的历史积淀和文化内涵，可以说是中国风格及文化精神的代指。”——摘自维基百科·写意

“所谓的“写意”，无论是夏商周的青铜艺术、彩陶，汉唐的绘画、雕塑，宋元明清的文人书画，还是世代传承的民间美术，自古以来便贯穿在中国传统的艺术中。气势和意境是中国传统艺术的精髓 。简言之，气势是作品的内在气韵或者说作者的精神气质的外在表现，意境是作者的主观情感、意象与 外界的客观景物、物象互相交融形成的艺术境界。意境是由意象构成的。在中国古典诗歌中，“意象是融入了主观情意的客观物象，或者是借助客观物象变现出来的主观情意”（袁行霈）《中国古典诗歌的意象》）。现代英美意象派诗歌的“意象”（image），是“在瞬间显现 的理性 与情感的复合体”（庞德），也带有一定的象征寓意。在造型艺术领域，意象介于纯写实与纯抽象两极之间，程度不等的偏向其中一极。”——摘自维基百科

《在一个地铁车站》是美国诗人庞德的作品。这首诗在西方现代文学史上占有重要地位，它把诗歌从19世纪陈旧的写作手法和抒情习惯中摆脱出来，给现代文学带来了启示。埃兹拉·庞德后来成了为意象派诗人的领袖。

诗歌原文

"In a Station of the Metro"(Ezra Pound)

The apparition of these faces in the crowd;

Petals on a wet, black bough.

译文：

这些脸在人潮中明灭

朵朵花瓣落在

湿润的

黑粗树枝上

（陈彧慜译〈在一个地铁车站〉）

作者一瞬间的捕捉，浓缩了整个世界。在大千世界里挣扎的人们，每个人都是独立的个体，他们依附自己而存在。近乎相同的表情让他们拥有了一样的面孔，一成不变的坚守着固有的生存原则，躲在伪装的外壳里，如幽灵般虚无的灵魂在坚强、冷漠、自私与无奈中堕落、沉沦。

——以上转自百度知道“为什么说庞德的地铁车站是最经典的意象派诗歌”

扩展来说，达利的画也可谓大写意的，你去追究他画面里的细节并没有多少意义，或者起码与画的总体理解关联不大，如同中国传统的泼墨山水画。反正我就是这么欣赏达利的超现实主义画的。

（以上三幅画来自百度搜索·百度图片）

所以，“写意”是不是中国古代艺术最大的谎言？请深入思考，如果你能够思考的话。

久卓子60

看了你的说法，知道你对中国古代的绘画，雕塑不甚了解，要说画的像，你可以参考一下宋代的花鸟画，雕塑可以参观一下中国的四大石窟，看看古代的泥塑，彩塑，木雕，作品的写实风格是不言而喻的，然而，这些古代的写实艺术品，大多数是出自匠人之手，他们不是什么艺术大师，对事物的复制描绘是他们的生存技能，中国几千年的艺术史上，能被后世记住的那些名字，往往是一些改变了前人观念的人，这些人的理念让中国画从写实走向写意，从具象走向抽象，这个过程走过了一千多年，并在近代走向了高峰。

齐白石作为大写意花鸟画的代表人物曾经说过，画贵在似与不似之间，不似则欺世，太似则俗魅，这其实就是写意画的原则，每一个写意画家不可能一开始就画大写意，他们都有很扎实的工笔画基础，有着很好的造型能力，有着很高的美术理论支撑，否则，画出来的不可能好。还说齐白石，他有一种画很有名，就是工笔草虫配大写意花草，他的草虫画的与实物无异，这就是一个写意画家应有的素养，所以说，写意画不能说是中国艺术的骗局，而是中国艺术最高的成就所在。

任何事情都是仁者见仁智者见智的，很多朋友不懂中国画写意的精髓所在，认为不好理解，这也没什么 因为很多艺术不是给所有人欣赏的，存在就有存在的意义，随着人民文化素养的提高，对艺术是理解能力也会相应的提高，对写意画的美的认同度也会相应的提高的。

鄞粤强

写意的意思是，用有限字或者画布来表达丰富的思想情感，这些字不仅仅是字本身的意义，还有人们想想出来的附加画面，两者结合方为写意。它可以是真的。与真的相仿，相近，只是更加丰富多彩。

何为谎言，谎言就是用有限的字或者话语来表达一个不存在的事情。不存在的事物。语言再华丽，用词再精妙，那也不成立，因为这个事物本身不存在，那么这些辞藻就显得空洞，像个泡泡，外表华丽，内心空洞。

这就是两者区别，它俩存在实质性的差别！

關鍵字: 文化 写意 历史