影影圈圈

我们说，艺术来源于生活，但又高于生活，它既以艺术的表现手法再现生活中一些直观的美通俗的美，又以艺术的表现手法反映生活中的一些本质性特征；它既表现一些表象的东西，也通过艺术化处理表现出深层次的东西。比如人性、情感、情绪。这类作品塑造的对象不一定符合传统审美的定义，但却有着震撼人心的力量。这就是有些画看起来很丑但却成了名画的原因。

说到“看起来很丑却成为了名画”的画，人们自然会想起抽象主义油画，想到毕加索的《加威农女人》、想到马蒂斯的《跳迪斯科的人们》、想到安东尼的《咆哮》、想到蒙克的《呐喊》等等，这些闻名世界的油画表现出的人物形象都很丑，甚至扭曲变形，但是这些作品却直击人的心灵，让人回味，让人深思，让人联想，让人过目不忘。

其实，看起来很丑的画并不是抽象主义油画和现代主义油画的专属，在传统的古典主义油画和现当代写实油画中“看起来很丑却成为了名画”的画也有很多。比如鲁本斯的《三美神》、伦勃朗的《达娜厄》、库尔贝的《浴妇》等等，画中人物都谈不上美，但真实动感，很接地气，具有很强的艺术感染力。

而最著名的应该是英国著名现代画家卢西安-弗洛伊德了。从卢西安的油画中你很难找到一幅传统意义上的唯美作品。卢西安擅长人物肖像，但是他画的好像是人们寻常见到的人，又不像是人们寻常见到的人，而是让人们通过一种夸张的甚或扭曲的形象看到了人性的另一面，看到了人的灵魂和情绪的释放。例如卢西安的代表作《沉睡的救济金管理员》，塑造出一个奇丑无比肥硕无比似乎令人不可思议的形象，其中却包含着非常丰富的内涵。

灯影书画

在我们传统的审美标准里，评价一个人美不美时，无非就是看他的脸蛋是否标致，五官长得是否端正，身材是否苗条匀称，气质是否端庄优雅，精神状态是否乐观向上，待人接物是否有彬彬有礼，如果这些都是肯定的，那么，这样的人肯定是一个标准的帅哥或美女，是绝大多数人梦寐以求的理想形象。

绘画艺术是现实生活的翻版，常常以现实生活中司空见惯的物象作为创作素材，欣赏一幅绘画作品时，同样遵循这个原则。如果画中人物看起来造型非常准确，活灵活现，形神兼备，跟现实中见到的美女或帅哥一样，就完全可以认定这是一幅好画，是能带给观者审美享受的艺术品。

“以美为美”的审美标准，符合古今中外绝大多数人的审美倾向。

像达芬奇的《蒙娜丽莎》，拉斐尔的《菲娜丽娜肖像》，布格罗的乡村少女系列作品，还有我国明代著名画家唐伯虎的仕女图，我国当代油画家苏新的花神系列作品，画中女性都很漂亮优雅，每个人看后都觉得美。

但是，随着时代发展，一部分人的审美标准会产生相应的变化，以前那种“以美为美”的审美标准已经无法满足一些人的要求，于是，就出现了“丑到极致便是美”或者“以丑为美”的理念。

这个理念在现当代艺术中经常被引用，尤其在现当代油画和装置艺术中，广泛被采用，如，表现主义油画，野兽派油画，立体派油画、抽象表现主义油画，都是这种审美理念的典型代表。

像埃贡席勒、马蒂斯、毕加索、达利、波纳尔、米罗、夏加尔、吉兰·玛格利特等西方现当代油画大师，他们的绘画作品看起来很丑，甚至是惨不忍睹，完全没有造型、结构、比例、色彩等方面的概念，如同几岁婴儿信手涂鸦来的，普通欣赏者看过后一头雾水，很难明白他们要表达什么。

他们的画之所以成为名画，一是他们的作品代表了“丑到极致便是美”的审美理念，旨在颠覆人们对美的中心思考。

二是他们都是开宗立派的大师，名气和影响力都很大，名人效应在他们身上体现得很突出，所以，他们的作品自然成为名画。

鸿鹄迎罡

印象派，野兽派，抽象派。

被大众视为“丑画”的艺术作品，是抽象绘画艺术。由于它们在世界美术史上的特殊地位，使其成为世界艺术之瑰宝。

抽象绘画，是产生于二十世纪初期欧洲的一个绘画流派。

这里的抽象是相对于具象而言的。

具象绘画也称为写实绘画，它与抽象绘画并行发展。二者的区别，主要在于运用艺术抽象手法的程度。

在画面上能辨认出具体的、个别物象的是具象绘画；凡是在画面上分辨不出具体的、个别物象的称之为抽象绘画。

当抽象绘画兴起的时候，它给予了具象绘画以强烈的冲击。

早在19世纪后半叶，欧洲印象派画家如马奈、莫奈、德加、雷诺阿等，对绘画的色彩因素进行了单纯的探索，在色彩的抽象画方面取得了重大的突破。

而被称为“后期印象派”画家塞尚、高更和梵-高，除色彩之外，在造型上也进行着顽强的探索。他们追求几何形体的概括，或从原始艺术，古埃及艺术或日本浮世绘艺术寻找借鉴，在造型的抽象方面也取得了显著的进展。特别是塞尚的艺术抽象主张和手法尤为突出。

1905年，正当巴黎秋季“沙龙"时期，艺术抽象达到了极点。有几位更强调个人主义表现的艺术家，展出了他们的作品。法国评论家沃塞列，挖苦地说他们“是一群野兽"，从此人们就称这些艺术抽象达到巅峰的人群为"野兽派”。

其实这些人的作品并不像加给他们的名称那么可怕，他们个人的风格也各不相同。只是他们都反对印象派在色彩上的现实和客观的态度，强调色彩是主观情绪的表现，应该根据主观的感受和需要来处理作品的色彩。

野兽派中最著名的代表人物是马蒂斯。他在色彩方面才能极高。

马蒂斯除了受印象派和后期印象派画家的影响外，还受到了东方艺术和古原始艺术的启发。他说过：“我的风格是受塞尚和东方艺术影响而形成的”。

马蒂斯的画是以取得形式上的视觉快感为目的。他虽然喜欢画人物，但大多数是按照形式的需要，将人物加以夸张和变形。

有一次，一位夫人在参观了马蒂斯画得变了形的女像之后，质问他：“你为什么要画得这么丑？难道我们女人就是像你画的这个样子吗？"马蒂斯回答说：“夫人，它只是一张画，它不是一个女人”！

《阿尔及利亚人》 马蒂斯

在马蒂斯看来，人和静物一样，仅仅是提供给他安排色彩和线条的材料。而绘画的作用，主要是给人以视觉上的快感。

马蒂斯有一段著名的话：“我所梦想的是一种平衡，纯洁宁静，不含有使人不安和令人沮丧的题材的艺术。对于一切脑力工作者，无论是商人和作家，它好像是一种抚慰，是一种镇定剂，或者像一把舒适的安乐椅，可以消除他们的疲劳”。对于有一定文化或具有色彩和形式爱好者，马蒂斯的画的确会给人以视觉上的快感。

马蒂斯虽然从人物身上只选取色彩和线条的因素，但他毕竟要布置出令人悦目的图案，给观者以慰安，多少含有人道的精神。但 德国的表现主义却更多地带有愤世、悲观和孤独的心理。

《两个女人和狗》 高更

德国不少表现主义的画家，都经历了第一次世界大战。他们既不能理解帝国主义战争历史的和阶级的根源，更无力去改变现实，建设新的生活。既然厌世， 就更不愿意研究和观察现实，只能转向对于个人内心的表现。

于是，他们用粗暴或扭曲的笔触以及刺目的色彩，发泄他们的愤慨和苦闷。使艺术抽象接近到了极点。全然失去了较为严肃的创作态度和艺术价值。

正是这种产生于欧洲南部的“野兽派”和“立体派”，与产生于德国并代表中北欧抽象绘画倾向的“表现主义”想混合，导致了抽象绘画的形成。影响这一发展的关键人物有毕加索、梵高、康定斯基等画家，最主要的代表人物是康定斯基。

《自画像》 梵高

康定斯基不仅在实践上，而且在理论上对抽象绘画的发展提供了支柱。在他们的作品中，抽象绘画倾向直感即兴和情绪表达，强调响亮的色彩与自由的抽象造型相结合，构成一种形与色的乐章。

从上世纪末从事艺术活动，一直持续到20世纪70年代的现代派画家，最具有影响力的当属毕加索。

这位西班牙画家是个不断变化艺术手法的探索者。

毕加索从青年时代到巴黎之后，印象派、后期印象派、野兽派的艺术手法，都被他汲取变为自己的风格。
《向日葵》 梵高

他的画受非洲黑人雕刻的影响，把变形的手法和非洲三角状的分割艺术形式结合起来。此后，毕加索更进一步，把分割成块的形体重新组合，于是创造了新的派别一一“立体派”。

毕加索对形式的技法在不断的变化与探索。他的才能在于，在各种变异风格中，都保持着自己粗犷、刚劲的个性；在各种手法的使用中，又都能达到内部的统一与和谐。使他在崇尚时髦的现代艺术家中，获得了极高的声誉。

英国一位艺术评论家曾说过，一个新兴时物的兴起，都会产生一、二个极具代表性的人物。

马蒂斯、梵高、毕加索等这些代表人物，都是在世界美术史上达到艺术巅峰的绘画大师！

北上苏格兰

若说绘画艺术，最有趣的还是油画了，油画风格多种，每一种风格的画作都给人不一样的视觉效果，有些画作人物形象逼真、美轮美奂，有些画作形象奇丑无比，问题来了：作为艺术爱好者，你如何看待“为什么有些画看起来很丑，却成为了名画？”这样的现象？

有些画看起来很丑，却成为了名画

在油画艺术中，论画作表象，最丑的当属于抽象派系列的人物画作了，大多数人看到这些画作，都会有两种想法，1是这画看不懂，好深奥，2是原来这也可以叫绘画艺术啊，好简单啊，但无论哪种想法，抽象派系列的画作就是丑，不过有些竟成了名画，

让人难免疑惑，抽象派难道是“以丑为美”吗？其实没有人愿意把丑的东西说成是美，可对于艺术来说，一切皆有可能，因为艺术表现的不只是艺术，还有万物哲理，万物哲理本身是抽象的概念，自然而然，艺术的表现形式也可以很抽象，“丑”就是绘画艺术抽象的体现，

经过上段的简单描述，就很容易明白了，之所以有些画看起来很丑，却成为了名画，那是因为这些画丑的有风格特性，而且还是第一批丑画，人类审美也讲究“物以稀为贵”，“以丑为美”本身就是很稀罕的，这是对传统美学的突破，引起人们的好奇与思考，

之所以要强调“第一批丑画”，那是因为并不是所有的丑画都可以成为名画的，20世纪的毕加索、马蒂斯、达利这些艺术大师的画虽丑，但却是名画，后来模仿他们的人，其画作并没有闪光点了，21世纪的画家，要是依然创作“以丑为美”的画作，那就是自掘坟墓了，因为人们的审美有趋向于传统了，具有时尚元素的“超写实”备受人们的欢迎。

诗夜城主

你好亲，很开心回答你的问题

西方美术史上，自文艺复兴时期，到新古典主义时期的经典油画作品，都是表达美感的油画作品

也许是表达人体的美感，如米开朗基罗，安格尔，鲁本斯画笔下的人体，表现人体丰满的肉欲，强健雄壮的人体美，女人体优美起伏的优雅曲线

也许表达一种圣洁，典雅，崇高，不沾染一丝世间尘埃的脱俗的美，如安格尔的作品《泉》

也许表达上流社会阶层，贵妇奢华富态的美，如布歇的《蓬巴杜夫人》，安格尔的《布罗格利公主》

但是，到了二十世纪时期，人类艺术思想变得大胆开放

油画流派风格也变得丰富多彩，野兽派，表现主义画派，立体主义画派，抽象画派，未来画派

这些现代艺术绘画流派，突破了传统的古典油画流派的正统写实画风

你可以从西方古典写实油画中，读懂一个神话故事，看懂一个神话中的人物，如维纳斯，读懂西方历史上的一段历史故事，明白西方历史上，上流社会，贵族阶层的贵妇，伯爵，国王权贵的真实模样，看到上流社会，贵族们奢华，放荡的真实生活。

但是，我们却只能从抽象油画中，欣赏其色彩，点线面构成，笔触痕迹，意境

西方二十世纪的现代绘画画家，如蒙克，毕加索，达利，波洛克，马格利特，莫迪里阿尼的绘画作品，其风格，创作思想都是表达丑陋的风格

或许以夸张变形的丑陋形体，阴暗的色调，表达对死亡的恐惧，如蒙克的作品《呐喊》，如克利的作品《死与火》

或许以丑陋的形体，扭曲变形的形体，表达病态，畸形的风格，如莫迪里阿尼的女人体作品《软垫上的裸女》，希勒的人体绘画作品《斜卧的女人》

或许以丑陋的画风，形式语言，表达一种思想，人类内心世界深处的空寂，虚无意识的思想，如达利的作品《记忆的永恒》，玛格利特的作品《集体发明物》

现代绘画流派，个人拙见，注重表达画家的主观情感的流露，创新精神的开拓

如果是用传统写实的古典油画的形式语言，是无法表达蒙克内心对死亡的恐惧，对世界的绝望和压抑

如果用传统写实的古典油画语言，是无法表达希勒画笔下病态，畸形的丑陋

如果用客观，传统，写实的艺术风格，反而体现不了画家开宗立派，另辟蹊径的创新风格，如毕加索的立体主义风格，康定斯基的抽象风格

个人拙见，丑陋的画风之所以成为名画，因为它们代表了西方美术史上的创新精神，画家才华个性的体现，推动了西方美术史的进程，演变

个人拙见，西方美术史上的传统古典写实油画，可以临摹学习，学习古典油画中的造型，结构，用色，运笔，体积质感的塑造

但是，不建议临摹抽象油画，表现主义油画，超现实主义油画，因为终究是画家自己的原创性，自己独特的艺术语言，自身具有的创意和才华，不能复制，不能照抄。

回答完毕

我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信

粉丝们，条友们，你们有什么高见吗？

艺术狂人2

一、先说说丑，丑是相对美而来的，而美在各个朝代、各个民族的标准是不一样的。比如现在，讲究女人身材凹凸有致、婀娜多姿，所以健美啊瘦身啊，蒸、勒、饿等等齐活。可汤家共和国和咱们唐朝前者以肥胖后者以丰腴为美，美极了。所以，美的标准基本共识是和谐，那不和谐就是丑廖。

二、名画，出了名的画，那画的什么就不重要了，关键看是谁执的笔了。周星驰的唐伯虎，那每天早上大门口一堆人等着抢垃圾，那里面有唐寅字画的“边角料”，可能都是“涂鸦”，可因为是“真迹”，抢得后如获至宝喜形于色也就不足为怪了。

之所以有名还是“名”在了落款上，藏家会说我那有列宾的画(而不说是什么，可能就是一幅三尺见方的写生)；旁边一位不紧不慢地：额有毕加索。哪个和谐?？

酣在小酒馆220

所谓外行看热闹内行看门道 欣赏一幅作品 首先是在一个漫长的 美术学习 训练后有了一定的见解 美术修养了 自然而然的 做到 慧眼识珠的

平淡凉白开

我个人认为，每个人的审美观点是不同的，也许你认为丑，可有的人认为画的好，画的美。之所以成为名画是因为画者把自己的灵魂融入了画中的世界，有让人引起共鸣的东西。

一銘堂

如何看待“为什么有些画看起来很丑，却成了名画”这种现象。

我想对题主说的是：有一种丑是你认为的丑，跟丑本身无关。

怎么理解这句话呢？要从下面两个角度来详细解释。

一、你眼中的丑是假丑——谈谈审美接受性

审美接受性是指观众对艺术创作者创作的作品从不能接受到慢慢适应，再到能接受，甚至喜爱的过程演变。用最近在娱乐圈追星状态比较流行的话叫黑转路，路转粉。虽然是两码事，但你仔细品味一下，本质是一样的。都是一个人根据自己的主观情感的变化对原先客体发生相应的情感转变。而主观情感之所以会变化主要跟人们在生活中不断学习的知识，增长的眼界，经历的事情等等使得人们的心境和理解大有不同。这就是题主说的有些画看起来丑但依然是名画的原因，题主说的看起来丑的画可能只是你个人觉得丑，还无法欣赏到画中表现的艺术的本质而已，对于大多数的观众可能并不觉得丑。所以，关于丑的论断具有很强的主观因素在里面。其实这样的例子在古今中外有很多，比如梵高的画作在他活着的时候人们无法理解接受欣赏，直到他死后，人们对其画的艺术价值才慢慢接受并推崇。很多后现代的画作和戏剧，文学作品一开始都是难以接受的，后来慢慢的发现这些艺术中蕴含的真善美。

二、你眼中的丑是真丑——谈谈审丑的重要性

大家都听过审美，也常常谈及审美。但实际上，艺术创作里不光有审美，还有审丑。审美与审丑本质上都是艺术美的展现，只是艺术家在表现概括提炼生活时，所提炼的内容不同而已。绝大多数的艺术家都是按照人性习惯对生活中的真善美进行创作，而这并不妨碍艺术家对生活中假恶丑的提炼和表现，他们虽然表现的内容是实实在在的丑，但艺术品的内涵却依然很美。罗中立的油画《父亲》，画的是一个牙齿残缺，嘴唇干裂，手指雀黑，满脸皱纹，苍老干瘪的农民形象。如果你在现实中看到这个人我想你可能会避而远之，最起码不会想靠近他，更不会觉得他好看。然而，《父亲》这副画却打动了大部分观众的心。除此之外，雨果小说《巴黎圣母院》里的“丑王”卡西莫多以及很多小说，戏剧，影视剧作品里奇丑无比令人作呕的人物，却都深深地刺激着观众！

Steven的平凡生活

时代特点，艺术的个性问题，有些是大众艺术，有些是小众，有些本来就是自己的。是个人的一种意识形态表现，不要为丑和美叫板。再说艺术又不一定是画，为什么有丑美之分，退一步讲，我们要有辩证观点欣赏艺术作品，丑就是反映美存在的意义。艺术品巴黎圣母院里面的人物不是用这样的方式吗？

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