诗夜城主

我本人经常在我国传统画域创作，比如山水、国画、古建彩绘等等，但在相比较新颖的油画领域，我却又能深切感受到一股艺术文化新潮的冲击力，油画在画作艺术类型上确实是可以跟咱们传统画类型齐头并进！我也经常和身边精通油画的朋友沟通交流，通过对油画艺术的深入了解，

大胆原因有二：

第一，无比伟大的创作背景与创作内容！

1949年10月1日下午3时，中华人民共和国举行开国大典，毛主席在天安门城楼向全中国、全世界宣告：中华人民共和国、中央人民政府成立了！

新中国成立了，中国五千年文化历史开辟了新纪元！中国结束了百年来被侵略奴役的屈辱历史，成为真正独立自主的新中国！毛泽东、朱德等革命领袖带领中国人民挺直了腰杆站起来了！在如此伟大、庄严、神圣的历史时刻，我认为油画《开国大典》的创作题材与创作思路可谓是无比胆大！

第二，画作本身成为新中国成立以来最大‘灾难’的亲历者！

可能很多人都知道油画《开国大典》，我小时候家里厅堂上最常见的两幅画，第一是毛主席画像，第二就是开国大典！但是有很少人知道这幅画有两个版本，我们现在经常见到的其实是原作的复制品，或者原作的改动品！为什么这么说呢，这要从新中国成立后的‘文革’说起！

上图为原作中第一排人物：

原版《开国大典》是中国革命博物馆委托中央美院，由时年37岁的董希文先生画的，1952年开始创作，到1953年全国印刷。

在1954年，董希文受命去掉画中的原中央人民政府副主席的高岗（第一排右一）；1972年，身患重病的董希文老先生又受命将原画中的国家主席刘少奇替换成董必武，这是第二次修改。这两次修改涉及到的具体原因，大家肯定都比我清楚，在这里无需多说。

上图为两次修改之后的人物

1979年，改革开放，‘文革’及左倾错误被纠正，时任国家高层本着实事求是的精神，决定将此前两次修改的内容恢复原貌！此后大家在大展览中见到的油画《开国大典》便是最终改正后的复制品了！

画中第一排所有人都是国家副主席，左起：朱德、刘少奇、宋庆龄、李济深、张澜、高岗！

至此，油画《开国大典》的创作与‘画风’经历算是完美落笔，我觉得是我赏析的油画中最大胆的作品！不知广大朋友们有何看法，欢迎一起探讨

辛会民艺

这里给大家介绍中国本土一个牛人吧，他的名字叫杨林川，可以说是中国近百年来画风最大胆的一个画家，其作品画风大胆前卫，可谓前无古人。

有些俗套的是，他的作品前卫大胆的题材都与性有关，但不俗的地方是，他的作品在拍卖市场屡创新高。

杨林川的大胆之处还不仅仅是展示“性爱”题材的油画作品。更富争议的是，他还根据陈冠希与张柏芝“艳照门”事件中的一张外流图片创作了一幅作品，引起了人们的广泛争议。在这幅作品中，油画中的人物不仅有张柏芝的一张图片，还有其他明星围观的人物形象，各种表情，引发了外界的各种热议。

通过这幅作品，我们可以认为杨林川是个炒作高手，利用热点事件来蹭热度，将富于争议的娱乐事件画成油画作品，并公开展览，这的确是需要勇气的行为，一般人可能想想也就罢了，他还真是敢干。

杨林川关于性爱主题的作品，用色单调，背景黯淡，用笔粗野，多为反映异性、同性之恋，画面中更是以暴露人体敏感部位、大胆地展现各种性爱姿势，让参观者无不感觉到惊讶和画风之大胆。

对此，杨林川则表示，作为一个艺术家，自己只是在记录和表现社会中本就有的事。但外界也有评论认为，杨的行为不过是极尽炒作之能事。

由于在国内遭到了种种非议，杨林川还有意暂时在国内暂停“性”主题的展览，而带着这些作品到美国去展出。

杨林川大胆的画风，与美国当代画家约翰柯林有着异曲同工之妙，他们两人年纪相当，画风类似，有兴趣的朋友可以深入去了解一下。

名师巨典

这幅画从直观角度来看，无论是在它诞生的20世纪初还是在当代都是一幅很有视觉冲击力的作品。

再从它的影响来看，它的问世直接打开了法国立体主义的大门，想必也是影响深远。

最后再回到主题～大胆上来讲。一幅这样大胆的作品的问世必定将引起一阵轩然大波。《亚维农少女》的诞生便是如此，在法国当时，有人说：“这简直对法国美术来说是一大灾难。”还有人说：“太丑了。”就连毕加索的朋友都无法理解，并评价说：“好破烂的画。”

但事实证明《亚维农少女》是一幅对世界美术影响深远的画，更是一幅“画风大胆”，特立独行的画。

谢谢，希望能被您采用！

长沙七六屿画室

油画艺术属于视觉艺术，强调视觉效果，又是以“色彩线条”为载体，很明显油画的视觉效果和色彩有着直接的关系，若要说“画风”最大胆的油画应属印象派画作，因为印象派画作都是厚重的色彩，简直把画作的“主题、构图”都掩盖了，画风够大胆了吧，

稍微仔细了解一下西方油画，除了“流派”多种，而且题材也多种，比如，宗教、人物、风景、动物，在这些题材中，画风最大胆的应属于宗教人物题材的油画，比如，

又由于西方油画一开始是注重“写实”的，这很容易让人想起“写实主义”风格的画作，毕竟写实主义是完全的在表现真实，“艺术来源于生活”，写实主义就是在还原生活，相对于虚无缥缈的宗教神话人物，现实生活中的人物会显的更有真实感，人们喜欢通过艺术来了解自己的生活，而且还可以大胆的了解，

不可否认，“画风”最大胆的一幅画作莫过于法国写实主义代表人物库尔贝笔下的《世界的起源》，他用完全真实的写实手法描绘了女性生殖器，至始至终没有任何修饰，要知道库尔贝在技巧方面是好学聪颖的集大成者，他吸取了委拉斯开兹和苏巴朗的特长，又将伦勃朗和弗朗茨哈尔斯对色彩和光影的处理巧妙运用在自己的画作中，

大卫的构图和空间又给他带来了灵感，库尔贝远远高于其他写实主义画家的原因还在于他作画不用草描，所画即所见，不会在绘成之后在画面上添补想象出来的细节，《世界的起源》便是这样的一种风格画作，由于其画风尺度过于大胆了，就不便上传了。

诗夜城主

我心目中“画风”最大胆的一幅油画要属梵高的《星空》——

↑ 梵高《星空》

• 梵高（1853-1890）是后印象主义的代表艺术家，他在作品中用主观情感扭曲客观物体，用鲜艳的色彩和富有感情的笔触来刻画生活中看似平实的题材，对二十世纪的艺术，尤其是表现主义，产生了不可磨灭的影响。
  

• 文森特·威廉·梵·高出生在荷兰一个新教牧师家庭，27岁才成为一名职业画家，一生卖出的作品极少，大多数时候靠弟弟的接济生活。37岁英年早逝，在短短10年的创作生涯中，留下了大量价值极高的作品。

• 梵高是表现主义的先驱，以自己的情感去扭曲现实，将个人感受融入所描绘的事物中。梵高的死因和他的故事，为他的艺术作品蒙上了神秘色彩。梵高一直受家族基因中遗传精神病的影响，这种病影响了他的精神状态，导致他看到的世界与常人不同，呈现奇特的效果。

• 梵高受到米勒等法国写实主义画家的影响，在《吃土豆的人》和《拾稻穗的人》等作品中描绘了压抑而悲惨的底层人民的生活疾苦。这跟梵高的贫苦出身有很大关联，他在开始绘画创作之前当过学徒，也曾做过很长时间的牧师，所以有充足的机会接触到社会的底层生活。

• 梵高的创作题材十分接地气，底层人民的疾苦和田野的自然风光是他画作中的常见主题。对于梵高来说，只有这些看似卑微的场景和自然风景，才是最能接近自己精神家园的创作题材。
  

• 梵高在用色方面是典型的“ 颜料不调主义 ”，他可以直接将颜色从颜料管里挤出来涂抹在画面上，色彩饱和度极高。和灰度极高的古典画法相比，梵高在画面中用纯净亮丽的色彩展现了浓烈的情感，形成了自己独特的风格。
  
• 梵高的笔触非常粗犷，大胆而有力。梵高使用粗笔触，让笔触作为一个个体，可以从画面中跳脱出来，去展现他深刻的情感，所以梵高的画作从任何距离来欣赏，都可以感受到巨大的心灵冲击。
  
• 梵高粗细不同、深浅不一、厚度不均的笔触本身就带有强烈的情感，对后世的绘画带来很大启发。这种在不同的心情下用笔触代表截然不同的情感，是一种非常高级的创作方式，也是从梵高开始，后世的艺术家逐渐真正意识到笔触的重要性。

尹铭的前院

马奈作品

在我印象中，“画风”最大胆的油画，马奈的这幅《草地上的午餐》，应当是其中之一。这幅画一经展出，便引起当时西方社会与艺术界的哗然，针对《草地上的午餐》展开的批评与讨论，不绝于耳。

这里，默默就带大家回到马奈那个时代，从具体的时代背景切入，浅谈《草地上的午餐》这幅画，

分为两方面：

1.马奈另辟蹊径，一改西方裸女画的规则

2.马奈推陈出新，探索全新的绘画技法

首先说画面尺寸，《草地上的午餐》将近2.7米宽、2米高，尺寸这样大的画幅，在当时都是用来画历史画或者宗教画的，这类神圣、庄严题材。马奈却用来画以裸女为主角的风俗画，这给当时的人们，带来了极大的、观念上的冲击。

接着说技法，从文艺复兴开始到马奈那个时代，画家们总是以自己极高的功力，将画面处理的，让人看不出笔触的痕迹，而人们也乐于欣赏这类“毫无瑕疵”绘画，这也是当时社会的审美主流。

而《草地上的午餐》，无论是画面中前面的树、后面的风景，马奈都是以粗犷、大刀阔斧的笔触来描绘刻画的，马奈留下的笔触、痕迹非常明显，在当时的人们看来，《草地上的午餐》是莫奈技巧不够、没有处理好，不符合当时的流行的审美观。

马奈作品

最后来说光线，之前的艺术家作画，都是在一个有故固定光源的室内进行的，画画时打个光，这样一来，物体的明面和暗面十分明显清晰，这样画出的画，就会显得非常立体。

而《草地上的午餐》中的人物，都是处于室外自然阳光下的。阳光下看到的东西，不会像室内光那样有非常清晰的明暗面，除了自然的太阳光，还有水面的反光、草地的散射光，树叶的遮挡泄漏的很多不规则的光，所以这幅画给人感觉，两边都是光，画中的人物，看起来也就不是特别有立体感。

马奈作品

马奈的《草地上的午餐》一经展出，便遭到了社会上的诸多反对和嘲讽，很多人都评价马奈，说他不懂色彩、画得太潦草随意、简直有伤社会风俗……

但如果我们回到马奈的时代，结合当时的时代背景，便会发现：

马奈对于光线的处理，对于色彩的运用，马奈追求的是更加纯粹的光影效果，他颠覆传统的绘画技法，对于裸体和人性，有着自己独特的思考，和坦荡直白的表达，这为人们开启了、一个全新的艺术观察的角度。

马奈的绘画理念，极大启发了印象派的莫奈、塞尚等，以及这之后的立体主义的毕加索，还有其它诸多的现代画家。

有位美国著名的艺术批评家，称马奈为：当之无愧的“现代主义之父”。

马奈的这幅极为大胆的《草地上的午餐》，是对传承已久、僵成固化的古典学院派，重重的一击，让人们看到了，绘画更多的表现方式和可能性。

我是默默，爱艺术，持续分享有趣有料的精彩作品~

默默看艺术

“画风”最大胆的油画是法国著名油画家库尔贝惊世骇俗的世界名画——《世界的起源》。这幅画的主题表现的是一个女性硕大的乳房和生殖器，上看不到胸部以上的“庐山面目”，下看不到漆盖以下的双腿，乍一看，确实有些惊世骇俗。但你和画的题目联系起来加以思考，你就会发现画家脱俗思维的良苦用心！他代表了巴黎公社无产阶级革命家所具有的绘画革命精神和大无畏的被辱骂的勇气，表现了无产阶级世界观和唯物主义思想，歌颂了女性在人类世界上的重要地位和伟大之所在，更是画家库尔贝主观意识对客观事物的的哲理表现。这幅画现藏于巴黎奥赛美术馆。

青云轩书画

什么叫“画风”最大胆的油画？这个问法有些不妥。毕竟，艺术是生命的艺术，是一个随着时间、空间不断变幻逐渐演变的艺术。所有的艺术，都是从无到有的，在一个逐渐演变的过程中形成的。每一次一个艺术形式的形成与被认可，都是对后来艺术家的大冲击，大惊艳，也是对创造者的大惊喜、大成就。

雷诺阿·手拿雏菊的年轻女孩

为此，每一次艺术的成就过程，都是一个大胆尝试后的产物，都是艺术家天马行空思维的结晶，其中的偶然成分与必然成分，都是天意的定数。但在现在的信息时代，我们只要知道艺术家的名字，就可以从网络上搜索到他的事迹，因此，面对信息的大爆炸，不同的画家个体及艺术家的艺术形式多种多样，让人目不暇给，眼花缭乱，从而便会迷惑于哪一幅作品，才是你心目中“画风”最大胆的油画。

马奈·草地上的午餐

如果放在漫长艺术史的时空中，每一次艺术形式的突破，新技法的形成，色彩的大胆创新，审美的时代拓变，都是一次对画家自我或后来者心理影响的“画风”最大胆画风的演变过程，都是一时一隅艺术史的高峰。但在数千年艺术史的长河中，凭着个人的喜恶，真正可以选择的最大胆的油画，可能寥寥无几。于是，欣赏者便自然会从中寻找一个或多个题主所提到的问题。并结合自己的时代，对心中所陈列的画作，给出自己的审美认知。

当然，作为美术评论家，我的喜好众多，对几乎所有大师的作品，都有所认知，因之，要我选出自己的唯一，那是不能的。而且，传统与造化，心源与自然，都是随着时间的流动而变化的，随着社会生态及政治生态的蝉变而变化的。这个时代认为大胆的画风，在那个时代或许没有出现，那个时代认为大胆的画风，或许在这个时代已是昨日黄花。所以，不要选择，只要凭着心灵的蓦然惊艳，就是一种欣赏的境界。

布格罗作品

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要说画风很大胆的，我首推印象派时期的两位油画大师，一个是马奈（1832年——1883年），一个是雷诺阿（1841年——1919年），这两人都是印象派的中流砥柱，尤其马奈，更是印象派的奠基人之一，在世界美术史上是开宗立派的大师。

马奈·穿皮草的女子

19世纪中期以后，西方油画进入了一个反思时期，许多画家的创作陷入了困境，严么继续从古典主义风格里发掘新的画法，如大卫、安格尔、布格罗等人，他们的画法被称作“新古典主义”。但是，这种画法被西方遵循了400余年，想从里边探索出新的画法实在是太难了。因此，绝大数画家反其道而行，准备打破古典主义长期垄断的局面。

雷诺阿·手拿雏菊的年轻女孩

马奈是第一个站出来向古典主义风格说不的人。他在1860年左右看到日本浮世绘，以及非洲的一些民间绘画后，被震撼了。因为，浮世绘虽然没有“焦点透视法”，也没有光影对比关系和立体的造型感，是一种二维的平面画法，但看起来却具有凝练、雅致、朴实，高度概括性的艺术风格，从画面里面好像能看到表达不尽的意境。

马奈·草地上的午餐

马奈根据浮世绘的风格大胆对油画创新，很快创作出了几幅油画，如《草地上的午餐》、《奥林匹亚》、《吹风扇的女人》、《吹笛少年》等作品，并且兴冲冲地拿着它们去参加沙龙展出。当其他学院派画家看到马奈的油画后，对他冷嘲热讽，说马奈丢人现眼，不懂画理，是属于野路子的低级画法。

马奈·吹笛少年

马奈没有反驳，不让参展就不让呗，他拿起画离开了，他坚信，西方绘画很快就要迎来一场空前绝后的革命，他的画法绝对是引领潮流的。事实上，马奈的想法没有错，他就是影响西方油画走向现代性的关键人物。

同马奈同时期稍晚几年雷诺阿，同样是一个特立独行的画家。如果说马奈对西方油画从结构和造型上做出了重大改进，那么，雷诺阿就是从色彩和笔触上对油画做出变革的关键人物。

雷诺阿·风景

雷诺阿依靠稍微夸张的手法，在画画时，对物象的原本色彩和色调进行了加重处理，让红的更红，橙的更亮，同时，他不再用细致的笔触去层层描绘和渲染，而是用较快的笔触一笔带过，塑造出介于“似与不似”之间的物象轮廓，呈现出如同中国写意国画那样酣畅淋漓的感觉，又一次把油画朝着现代性推进了一步。

他们之后，油画发展到后印象派塞尚、梵高手里，正式进入了现代主义的创作理念。如果没有马奈、雷诺阿等人的前期铺垫，西方油画步入现代性显然要晚一些。

鸿鹄迎罡

个人偏向还是觉得梵高星月夜。

令人咋舌的还是特殊的画法能始终让人体会不一样的视觉传达。也许真的只有精神达到一定高度的透彻才能用如此非同一般的手法去表达常态的景。

如漩涡般的线条，笔触不乏激情，加上极冷极暖相冲的色彩，其实非常能体会那种挣扎与对抗的情绪，是对自己也是对整个世界吧。

纯属个人理解。

關鍵字: 文化 古建 画域