奧斯卡金像獎起源於1929年，是由美國電影藝術與科學學院主辦的電影類獎項。
在電影界種類繁多的獎項之中，奧斯卡不是最專業的，但絕對是在大眾領域關注度最高，對普通觀影者來說選片影響力最大的獎項。
第92屆奧斯卡獎於2020年2月10日頒佈，共設置24個常規獎項和2個榮譽獎項，韓國電影《寄生蟲》摘得最佳影片桂冠。
獎項一經頒佈，即刻引發熱議。
“迷影咖啡”電影愛好者小組線上交流的部分觀點
我覺得上面兩折對於本屆奧斯卡獲獎電影的觀點比較有意思，仔細斟酌就能發現兩者的共通之處，那就是它們都不是單獨在看待作品本身，“《寄生蟲》國際化”的觀點縱向聯繫了電影的歷史，《婚姻故事》的觀點則橫向對比了歷史上的電影。
以銅為鏡，可以正衣冠；以古為鏡，可以知興替。
喜歡看電影，評論電影，但無法深刻分析，觀點都是浮於表面？不妨通過閱讀電影的歷史，加深自己對於電影的理解。
有的朋友就說了：“道理都懂，但是那些歷史書真的看不進去！”
的確，《世界電影史》《認識電影》《電影理論與批評》等電影史和電影理論的經典書籍，要麼超級厚，要麼超級理論，對於非專業讀者不夠友好，很多人對這些書籍的第一印象是“每個字都認識，但句子和段落就是看不懂”。
沒錯，經典理論書籍門檻高，我一直在尋找合適的簡化版或者趣味版，直到遇到英國漫畫家、作家愛德華·羅斯所繪製的《漫畫電影史》。
《漫畫電影史》封面
《漫畫電影史》由後浪出版公司出版，是科普電影歷史的漫畫，經典電影的場景以漫畫的形式呈現，佐以豐富的註釋，“影痴”愛德華·羅斯化身為漫畫中的引導者，帶領我們穿越時空，感受電影的非凡魅力。
電影的起點
1896年，盧米埃爾兄弟向社會公映了他們自己攝製的一批紀實短片，包括《火車到站》、《水澆園丁》、《工廠大門》在內，有12部。
電影作為一種獨立的藝術形式被確立，當時的攝影機被認為是導演的眼睛，通常是通過紀實正面拍攝的手法來記錄。
《漫畫電影史》中的《火車進站》畫格
電影《火車進站》（1896）片段
1902年，喬治·梅里愛從儒勒·凡爾納的小說《從地球到月球》和H·G·威爾斯的小說《最早登上月球的人》中得到靈感，利用攝影機“矇蔽”人眼的潛能，拍攝出電影史上第一部太空幻想電影《月球旅行記》。
當時使用的技術在現在看來顯得粗糙，但理念非常先進，其實到今天，很多科幻電影依然是即時性與幻想性的結合。
《漫畫電影史》中的《月球旅行記》畫格
電影《月球旅行記》（1902）片段
根據電影製作技術，大致可以將電影的歷史分為三個階段：
1895年-1928年是無聲電影時代，經典默片層出不窮；
1928年-1990年是有聲電影時代，優秀影片百花齊放；
1990年至今是數字化電影時代，全球性電影藝術井噴式發展。
繪畫、音樂、文學、雕塑等等藝術形式無不在時間的長河中滌盪，經歷了數千年積累才發展成今天的模樣，而電影從無到有，以傳統藝術形式為根基，在短短的200多年間，就迅速發展壯大，成為主流藝術形式之一。
同時，電影也是受眾最廣的藝術。
電影之所以受到人們的喜愛，不僅僅因為它本身的娛樂效果，更因為優秀的影片能幫助我們更多地認識我們自己、認識我們的文化以及認識我們所處的世界。
拍攝手法
在以盧米埃爾兄弟為代表的早期電影之中，電影鏡頭都是遵循人眼的視物規律來拍攝，但沒多久，觀眾就對這樣的紀實性短片失去了興趣。
然後，新的拍攝手法就出現了。
1.特寫
1903年，在喬治·阿爾培特·史密斯導演的一則53秒的短片《病貓》中，首次使用了“特寫”的拍攝手法，鏡頭由拍攝孩子抱著貓的情景，一下子切換到小貓身上，湯勺喂藥的動作和小貓舔舐的細節都清晰可見。
特寫的誕生突破了人的感官，電影不再侷限於人的視覺極限，使角色而非場景成為被拍攝的主體。
電影《病貓》（1903）片段
2.推移鏡頭和大場面
1914年，意大利導演喬奧凡尼·帕斯特隆納在電影《卡比利亞》中使用移動攝影鏡頭取代固定鏡頭，將攝影機架設在推車上，沿直線或斜線往前推進，這種推移式取景可以流暢地完成大全景到中景的轉換，被稱為“卡比利亞推移鏡頭”，據說當時還申請了專利。
電影歷史學家喬治•薩杜爾曾評論該片：在技術上的創新以及場景的壯麗上，打破了當時一般電影的格局。
1916年，被稱為“美國電影之父”的著名導演D.W.格里菲斯從《卡比利亞》的大場面中受到啟發，推出長達三個半小時的史詩電影《黨同伐異》，場面宏大，花費巨資還原古巴比倫場景作為佈景，同時使用超過3000名群眾演員，為了完美拍攝巨大場景，甚至使用了熱氣球“航拍”和塔樓升降拍攝。
格里菲斯的大膽與創新極大地推進了電影新興技術的推廣和發展。
《漫畫電影史》中的《黨同伐異》畫格
電影《黨同伐異》（1916）高空拍攝片段
3.光影
光和影在電影中往往是烘托氣氛的重要元素。
1920年，羅伯特·維內拍攝的黑色電影《卡里加里博士的小屋》，是20世紀20年代繁榮的德國小成本表現主義電影中的代表，這類電影非常擅長使用光影和油漆激發情緒。
陰影被直接塗抹在佈景和地板上，呈現扭曲、不平衡的場景，單一的光源，半明半暗灰色陰影的井深鏡頭，在令人致鬱的氣氛中喚醒卡里加里博士瘋狂的世界。
《漫畫電影史》中的《卡里加里博士的小屋》畫格
電影《卡里加里博士的小屋》（1920）片段
4.聲音
1927年，無聲電影逐漸衰落，聲音開始在電影中出現。
聲音使得電影氣氛不再“高不可攀”，聲音的表現也使觀眾更能投入劇情，聲音成為影像之外的重要元素。
有時候，電影中的一些最令人難忘的角色，甚至是以聲音的形式存在。
1968年，在斯坦利·庫布里克的科幻電影《2001太空漫遊》中，一組航天員乘坐飛船前往木星，隨船人工智能電腦“哈爾9000”發生了故障，當宇航員要求打開艙門時，哈爾用既像是活生生的、但同時又有著古怪的單調感與人工感的聲音拒絕了宇航員的請求。
哈爾的故障令宇航員們面臨危險，主角為自救必須斷開人工智能的電源。
當哈爾被關機時，它的聲音也向著一種早期狀態退化，不斷調節、變慢，就像瀕死的人類。
在2019年創造票房奇蹟的科幻電影《流浪地球》中，對領航員空間站的人工智能MOSS的刻畫也採用了相同的手法，在大火中發生核心數據錯誤，即將“死去”的MOSS用機械音說出了最後的臺詞：“讓人類永遠保持理智，確實是一種奢求……”
《漫畫電影史》中的《2001太空漫遊》畫格
意識形態
意識形態可以理解為對事物的理解和認知，是觀念、觀點、概念、思想、價值觀等要素的總和。
意識形態源於社會，並非天生，主要受思維能力、環境、教育、價值取向等因素影響。
不同的意識形態，對同一種事物的理解、認知也會不同。
電影在娛樂之下包含的意識形態，通過描繪社會、家庭、性別等等一切事物，對塑造觀眾的世界觀、道德觀發揮著巨大的作用。
英雄、神話、歷史、愛情等類型的電影最容易植入意識形態。
好萊塢電影的演員和導演大多都是男性，這導致了很多電影往往被男人的動作和目光所挾制，一系列電影慣用技法迫使觀眾以老套的白人、男性、異性戀的視角來看待這個世界。
這些電影頻繁地將凝視的權利賦予男性主人公，這使得現實與虛擬世界一併加強了男性權利。
《漫畫電影史》中的相關畫格
查爾斯·卓別林，默片時代傑出的電影藝術家、喜劇大師，一生有80部喜劇電影作品問世，卓別林的表演有明顯的雙重性，在接地氣的同時又表現得很尖銳。
1936年放映的代表作《摩登時代》，造型、動作、表演，都體現著卓別林式諷刺，在工廠神經質般地重複著同樣的工作，表演方式相當幽默，讓人感到很複雜，又搞笑又可憐。
《摩登時代》拍攝於美國大蕭條時期，影片中含有大量工業化背景下意識形態的隱喻。
《漫畫電影史》中的《摩登時代》畫格
電影《摩登時代》（1936）片段
作為政治話語與商業電影的結合，在1986年上映的空軍題材影片《壯志凌雲》中包含了國家在培養優秀、有責任感的英雄的意識形態，尤其這個英雄還長得特別帥，富有力量感，具有自我個性。
上映之後，《壯志凌雲》不僅僅票房大獲成功，而且美國空軍徵兵數量激增500%，電影對美軍的批判也逐漸從電影院消失，因而這部影片也被譽為“史上最好的徵兵廣告”。
電影的力量不可否定，儘管很多時候並不會直接導致某些行為，但確確實實在潛移默化中對觀看者產生著影響。
不過，電影的力量不只是教導我們去遵從，而是讓我們擴展思維去探索不同的世界觀，並挑戰我們常常認為是理所當然的社會規範。
《漫畫電影史》中的《壯志凌雲》畫格
電影《壯志凌雲》（1986）劇照
愛德華·羅斯的《漫畫電影史》雖然是漫畫版本，但電影史的重點要素一應俱全，內容也多是考究的電影理論，普通愛好者可以從輕鬆的漫畫中獲取知識，參照電影的歷史，嘗試有理、有據、有觀點地欣賞電影作品。
同時，這本書對電影的研究也非常全面，引用的各種理論著作、參考內容與典故都標明瞭出處，尾註20多頁可見其嚴謹，即使是閱片無數的骨灰級影迷，相信也能從中有所收穫。
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