©Commercial Avenue, Cairo, lllinois
May 10, 1974
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Stephen Shore
b.1947 美國紐約
前言
Stephen Shore的「Uncommon Places」無疑是一部經典之作。值得注意的是，儘管這一系列作品不停地被重新印刷與展出，包含2004年的再版版本與2014年的擴充版本，但Shore所拍攝的作品仍沒有被完整地整理出來。
在過去的五年裡，Stephen Shore重新掃描了1973至1981年間所拍攝的數百張底片，這些作品大多數從未公開發表過。美國出版社Aperture邀請了15位不同藝術領域的知名人士共同編輯挑選，完成「Stephen Shore: Selected Works, 1973–1981」1這一書。他們各自從Stephen Shore的「Uncommon Places」檔案中挑選了近10張作品，並針對這些作品提出獨特的、揭示性評論。解釋了為什麼這部分作品仍然令人震驚，以及作品是如何影響新一代攝影作品與媒介。同時，對Shore獨特的美國視野提出了新的見解。
最後一期介紹觀念藝術家Ed Ruscha2、多學科藝術家Taryn Simon3、攝影師Thomas Struth4、畫廊藝術總監Hans Ulrich Obrist5、小說家Lynne Tillman6，他們針對所挑選的作品提出的見解與觀點。
第一篇
影像 | Stephen Shore 未曾公開發表的作品 I
第二篇
影像 | 公路旅行時，Stephen Shore就是那個在熟悉的泡沫中探索的人 Ⅱ
文／Stephen Shore
這本書裡的照片是我很久以前拍的，所以我時常記不起它們的實際製作過程。我所擁有的記憶也因為缺乏確定性而存在細微的差別，我確實在回憶當時的情景，而不是把那段記憶和我幾十年來對這些圖像本身的熟悉程度混為一談。我能猜到自己在想什麼，因為我知道我自己所感興趣的視覺要素。但是，在某種程度上，我發現自己是以觀察者的客觀態度在看待這些畫面。
©John, Thirty-First Avenue, Queens, New York
October 28, 1974
©Backyard off U.S. 98, Apalachicola, Florida
February 4, 1976
我注意到這一系列作品的特點：我很少使用垂直框架。在使用大畫幅相機拍攝作品之前，我的項目叫 “American Surfaces”。它是用35mm鏡頭所拍攝的。我用這些圖像探索的一個視覺問題是:“看見”是什麼樣子的?我會在一天中的任意時刻在腦海中記下我的視野範圍。我試著讓這種感知引導我構建圖像的方式。由於我們的視野是水平的，那些照片也是如此。
©Brooklin, Maine
July 23, 1974
©Eddie’s Wagon Wheel, Bridge Street, Struthers, Ohio
October 27, 1977
1973年春天，我開始使用4×5相機，在同年晚些時候，我又開始使用8×10相機。這些工具提供的更高分辨率允許不同類型的視覺效果。小細節被清晰地呈現出來，並具有更重要的意義。我並沒有框取世界的一部分然後說“看這個”，而是發現自己依賴於這種不斷提高的分辨率，並在這個框架內創造了一個世界——一個有待探索的世界。
©Ginger Shore, Mammoth Lakes, California
August 9, 1979
既然這種方法不需要水平框架，我的問題仍然是，為什麼我如此少地使用垂直框架，以及為什麼我選擇在這些特定的情況下這樣做?這是一個視覺問題，而圖像就是答案。
文／Ed Ruscha
©Second Street and Matheson Street, Kenora, Ontario
August 15, 1974
在這個範圍廣泛的攝影主題集合中，並沒有試圖選擇展示美國公民或多樣性的圖像，而是選擇那些能為自己發聲的圖像。在看一張照片時，你能聽見針掉下來的聲音；或大聲的吼叫聲；又或是像平常一樣哼著歌的聲音。
©Fort Worth, Texas
June 2, 1976
©Sixth Street, Orlando, Florida
November 7, 1977
©Hiawatha National Forest, Michigan
July 8, 1973
©Kelly’s Barber Shop, Key Largo, Florida
November 11, 1977
©Ginger Shore, Aspen, Colorado
June 20, 1978
我似乎更喜歡那些被相機遺忘的場景，甚至忘記相機就在那裡。
文／Taryn Simon
©Oasis Flowers, 260 Main Street, Weed, California
July 22, 1973
我太晚去挑選Stephen的照片了。編輯寫信給我說:“不幸地，在你所選擇的10張圖像中，只有4張沒有被選中(在某些情況下，已經被選中多次)。”所以我把剩下的320張圖片輸入到一個隨機算法中，從中選出10張。Stephen的圖像充分體現了時間、經濟、孤獨，以及美國。從一個關注邊緣化事物的作品本身挑選別人挑剩的圖片也是可以講的通的。
©Endicott Hotel, Concord, New Hampshire
July 16, 1974
©Paradise Museum, Paradise, Michigan
July 8, 1973
©U.S.27, Childs, Florida
November 15, 1977
©Aspen, Colorado
June 21, 1978
©Self-portrait, North Market Street and Meeting Street, Charleston, South Carolina
August 13, 1975
選圖／Thomas Struth
©Ridge Road, Lackawanna, New York
October 26, 1977
©Taylor Street and West Fifth Street, Fort Worth, Texas
June 13, 1976
©Lee Emlry, Ridge Road, Lackawanna, New York
October 25, 1977
©4 Teresa Place, South Buffalo, New York
October 26, 1977
©Second Avenue, Tucson, Arizona
December 19, 1976
文／Hans Ulrich Obrist
©Room 311, Heart of Palm Beach Motel, Palm Beach, Florida
November 8, 1977
©Kelly’s Barber Shop, Key Largo, Florida
November 11, 1977
©Dixie Highway, Lake Worth, Florida
November 9, 1977
©El Santuario de Chimayó, New Mexico
July 9, 1975
文／Lynne Tillman
Blue Shores
I
這些照片表面上是不同的：一家藍色的、關著門的二手服裝店；一輛藍色的汽車停在街上，背景是一家銀行；二十張藍色的阿第倫達克椅散落在一個寬敞的地方，綠色的草坪；以及一間外表為藍白條紋的餐廳。
©Commercial Avenue, Cairo, lllinois
May 10, 1974
看著這間二手服裝店，我可以想象出一個故事：
一位24歲的男人站在這家店的門口。他走了幾公里來到這個小城，因為他需要一週的食物和一雙新的耐克鞋。也許他想與人相遇，儘管這座城市看起來空蕩蕩的，怪異的。他不想交朋友，但這會發生，他不想事情發生，因為對的事情將會出現。命運。他靠的是運氣。
一間被遺棄的服裝店孤零零地坐落在一條小巷裡。這有點讓人難過。他在那裡站了很長時間。藍色的店面把所有的東西都藏了起來。裡面沒有生命。有趣的,他想。藍色是一種悲傷的顏色。一隻小貓從牆上的一個洞裡鑽了出來，或者是從什麼地方鑽了出來。他把貓抱了起來。貓發出喵喵喵的叫音。我要叫它Blue，他想，然後將它放在自己的肩上。他敲了敲商店的門，又敲了敲窗戶，等待著裡面發出動靜。也許有人還住在那裡，這是她的小貓。
這不是照片所代表的，不過，我可以將敘事固定在表面上，就像裝飾品一樣。除了構圖之外，照片裡沒有故事。
©Citizens Bank, Main Avenue, Weston, West Virginia
April 30, 1974
在一輛20世紀70年代的藍色轎車裡，一個男人坐在乘客的位置上，他的頭清晰可見，他的右臂伸出一扇開著的窗戶，手肘搭在車門上。這個人可能在等一個朋友，或者司機就在他的旁邊，在紅燈前停了下來。會發生銀行搶劫案嗎?
男人+等候的汽車+銀行=一個故事
這輛藍色的車稜角分明，線條流暢，車身很長，車身兩側的金屬細節設計暗示著前方。前方，宏偉而多石的河岸聳立在背後，相較之下汽車顯得十分矮小，上面是淡藍色的天空。
一間巨大的銀行，一個巨大的形狀，一種中性的顏色，對比藍色的汽車:他們的比例非常不同，它們在框架內的位置放大了銀行的主導地位。眼睛在汽車和銀行之間移動，也許是為了適應它們在視覺上的不同。空曠的街道創造了一個開放的空間，而暗色的電線杆與黑色的電線，互相交叉，構成了更多的形狀與平面。這不是一張汽車和銀行的照片，而是一張有汽車和銀行的照片。
©Lookout Hotel, Ogunquit, Maine
July 16, 1974
在鬱鬱蔥蔥的草坪上，藍色的阿第倫達克椅很受歡迎，也許很快就會有客人來。每一把椅子像是一座普通的日常雕塑，代表著一個缺席的人的存在。這張照片給人的感覺尤為靜止，它們似乎在等待著發揮自身的功能。藍色散射在綠色的背景上，創造出自己的顏色。Shore的照片是一幅寧靜的畫面，藍色倚於綠色之上。
牛排餐廳的正面帶著藍色、淡藍色和白色條紋圖案，下面則是藍色和白色矩形。長方形的窗戶後面一片黑暗。窗戶只能勉強反射出餐廳外的空間。這座建築像一個箱子，入口黑暗，給人一種不詳的預感。在其令人眼花繚亂的的外觀上，懸掛著一片風雨交加的藍灰色天空。一條暗紅色的對角線穿過白色招牌，剛好從入口上方延伸出來，讓人眼前一亮。啤酒也是紅色的。我不知道Shore還有哪張類似的照片。藍色的作用與藍色在所有這些照片中的位置一併進入了我的腦海中。在視覺上，它們彼此關聯。儘管Shore對藍色的策略各不相同——藍色的平面、條紋;線；正方形；矩形，顏色深淺，藍色物體的大小與形狀——一種與其他顏色相關聯的顏色，藍色自己形成了一種構圖。
II
20世紀60年代，Shore成年後，他和其他“嚴肅”的攝影師一起，拍攝了黑白照片。在20世紀70年代之前，彩色攝影被認為是路人攝影，是為業餘愛好者和家庭快照準備的。藝術攝影是黑白的。黑白照片是攝影的起源，也是攝影的必要性，隨著時間的推移，黑白照片佔據了優勢。而生活是多彩的，熟悉的，充滿期待的。人們被顏色所包圍。顏色是人們看到的東西，即使他們沒有注意到:街道標誌的顏色;樹，花，臉，眼睛，頭髮。乾枯的草坪呈綠色或褐色;灰綠色的海洋，波浪翻騰，呈白色。白色的雪覆蓋著山脈或落在城市街道上，改變著一個城市，直到汽車毀了這個場景，在白色的土堆上留下骯髒的煙霧，或是狗在上面撒黃色的尿。如果彩色進入這個領域，攝影就會更趨向於現實，而不再被認為是藝術。奇怪的是，人們害怕色彩的存在，害怕它會否定媒介的藝術性。
在攝影短暫的歷史中，攝影師們一直在努力使他們的媒體被視為一種藝術，而不僅僅是對鏡頭前出現的東西進行無視覺記錄。斯蒂芬·肖爾(Stephen Shore)和威廉·埃格斯頓(William Eggleston)以打破了彩色攝影不屬於藝術這一觀點而聞名。當他們開始拍攝色彩時，他們證明了一個關注生活，關注所謂的普通場景，如一個早餐盤子或一個劇院大帳篷的彩色攝影師，可以轉變為現實。通過堅持其在框架內的價值，彩色能夠使熟悉變得陌生，或是讓色彩被注意、識別。這取決於攝影師找到構圖，並重新組織人們如何去識別他們通常看到的，但沒有看清的，不同的東西。去評價它的不同。
在Blue Shores中，明顯或清晰的內容提供了可以看到的物體與可識別的東西，但是將物體塑造成圖像的是它們的構圖、框架與藍色。Shore的主題主要是決定圖片的形式元素，使影像成為一張照片。這就是我以非專業的方式決定何時將作品視為藝術品。
也許我可以用Wallace Stevens的詩“彈藍色吉他的人”(The Man with The Blue Guitar)中的一段話來更好地解釋這一點，儘管這不是一種解釋，而是一種聯想:
那人俯身，調校吉他琴絃。日子青鬱。他們說：“你抱著藍色吉他；彈奏的事物並不真實。”那人笑道；“藍色吉他上事物改變了本來的面目。”他們又說：“你彈奏的曲調必須既高於我們，又是我們自己，藍色吉他上的曲調必須是事物本來的面目。”
The man bent over his guitar,
A shearsman of sorts. The day was green.
They said, “You have a blue guitar,
You do not play things as they are.”
The man replied, “Things as they are
Are changed upon the blue guitar.”
And they said then, “But play, you must,
A tune beyond us, yet ourselves,
A tune upon the blue guitar
Of things exactly as they are.”
這首詩讓我想起了這些照片，它是什麼顏色，它是如何表達的，也是無法形容的或是與任何關於它的表達方式不同的。正如Derek Jarman的電“Blue”一樣，這首詩也表達了一些關於藍色的東西。也許對我來說，最好的說法是，一張照片永遠不能完全或充分地展示它是什麼。
©Schooner Restaurant, First Avenue East, Kalispell, Montana
August 22, 1974
注：
1.
2.Ed Ruscha，是一位美國觀念藝術家，20世紀60年代波普藝術運動的關鍵人物。18歲時，他離開了奧克拉荷馬州的家，搬到了這裡洛杉磯，1960年從加州藝術學院畢業，為這座城市轉型及藝術世界之都做出了貢獻。他的作品成為許多個展和回顧展的主題，包括2016年由舊金山美術博物館舉辦並於舊金山笛洋美術館（de Young Museum）展出的“Ed Ruscha”與“the Great American West”的兩檔展覽。
3.Taryn Simon是一位多學科藝術家，從事攝影、雕塑、視頻和表演。SIMON已經出版了七本書，包括《Paperwork and the Will of Capita》(2016)、A Living Man Declared Dead and Other Chapters/-xvll(2011)，以及An American Index of the Hidden and Unfamiliar(2007)，該書獲得了2008年ICP Infinity Award 。其作品曾於Ullens Center for Contemporary Art, Beijing(2013); Museum of Modern Art, New York(2012) and Tate Modern, London(2011)展出。
4.Thomas Struth是一名德國攝影師，曾在杜塞爾多夫學院學習，最初與Gerhard Richter一起學習繪畫，後來與貝歇夫婦一起學習攝影。他的作品在世界各地廣泛展出，包括the Metropolitan Museum of Art, New York: State Hermitage Museum, St Petersburg, Russia; Museo Nacional del Prado, Madrid National Museum of Modern Art, Tokyo; and Stedelijk Museum, Amsterdam等。其主要作品回顧展，Thomas Struth: Photographs 1978-2010，於2010年在Kunsthaus Zurich開幕，隨後在整個歐洲進行巡迴展。2016年，他獲得了英國Royal Photographic Society頒發的百年紀念獎章，並被選為美國American Academy of Arts and Letters的成員。
5.Hans Ulrich Obrist是倫敦Serpentine畫廊的藝術總監。此前，他是巴黎現代藝術博物館館長。自從1991年他的第一個節目“"World Soup"(廚房秀)以來，他已經策劃了300多個節目。其最近出版的作品包括Lives of the Architects (2016), Conversations in Colombia(2015),The Age of Earthquakes(2015, with Douglas Coupland and Shumon Basar), and Ways of Curating (2014)
6.Lynne Tillman 生於1947，是一位小說家和批評家。她目前是奧爾巴尼大學英語系教授，並在視覺藝術學院的藝術評述和寫作MFA課程教學。Tillman發表了6部長篇小說、5部短片小說，兩篇散文集。
- 關於Stephen Shore -
1947年出生於美國紐約，Stephen Shore是廣為人知的彩色攝影大師，其當代的色彩表現方式至今已經影響了超過一代的攝影師。24歲時便於紐約大都會藝術博物館舉辦個展。其作品曾於紐約Light Gallery、紐約MOMA、柏林C/O、莫斯科Multimedia Atr Museum等藝術中心展出。
* * *
©Stephen Shore
編譯：MIN
Muge Art Space
開幕展覽
展覽：入舟
藝術家：塔可
開幕酒會：2019年5月18日，14:30
展期：2019年5月18日 - 2019年6月30日
地點：成都市青羊區蜀華街55號
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