柳侍墨

诚然，好的摄影，绘画，书法，和雕刻作品是美的， 那么，应该如何理解摄影，绘画，书法，雕刻作品中的“审美”呢？我们应该如何从中发现美呢？

我们就拿摄影，绘画，书法，雕刻来说说吧！ 看看如何理解这些作品中的审美。

第一，摄影

对于这个摄影作品来说，我们理解的审美就是构图的巧妙，画面的和谐感。我们可以从摄影里看到一个大千世界，摄影的题材包罗万物，风格多样，有些人喜欢风格简单的，有些人则喜欢内容丰富的。我们能够理解的就是摄影师所传达出来的意境和画家的意向。

第二，绘画

这是一幅印象派的绘画作品，很明显我们从中能理解的审美就是感受色彩的变化带来画面的跳动感。绘画是人们经常能够接触到的，绘画可以说是能直接表现我们真实生活的一个方式，它表达人们的情思，同时也反映着人们的审美。

铁匠的头发

《摄影人体开山祖、艺品审美看头条》悟空先生问怎么理解摄影，绘画，书法，雕刻艺木的审美？各种艺术都是艺术美学范畴，建立正确良好的审美观，是从我们小学的艺术美育开始的。各种艺术的主要价值和意义就在于发现美，挖掘美，创作出美好的精品，展示给人民大众，给人以美的享受，绘画、摄影、雕塑、书法等大都如此。

审美观是人们在欣赏艺术品中的一种感觉和体会，这也与同时代社会大众的审美和吸收能力有关。如许多中外大师的艺术品在创作初期，总是不被人们认可。但这也不能说明审美迟顿，除了艺术家的思维超前，还有个社会舆论的宽容度和审美的问题。如《向日葵》刚画出来无人问津，今天才价值连城。

（一）前辈郎静山的故事

先从摄影谈起：艺术审美必须有个庞大的审美群体，你在好的艺术没有人欣赏，只能珍珠埋在泥土中，这叫明珠暗投！如1920年`时德国人冯，偑，哈默，在澳门等地选了大量的烟花女子，第一次在中国拍照了100个裸女，影册名叫《百美影》，当时富人和上流社会抢光了作品，摄影家郎静山看到了艺术新潮，也照了不少裸件摄影，见图8，开创了中国人体摄影的先诃，如1925年他拍了《静默有幽思》，，还有主题相片《铉外之音》等，流传至今的，他为好友刘海粟美专裸体课拍的历史照片，也是郎先生三十年代作品，但当时中国受众只是少数，这还有个审美标准，在一个刚推翻封建帝制的国家，不把你说成有伤风化送进局子，就已经很不错了。还谈什么艺术上的美和丑。

（二）中国书画审美的大众化

中国书画的审美和攸久的文化息息相关，中国的山水国画书法，大都是画中有诗文以载道，白香山的一首如诉如泣的《琵琶行》，千百年来无数书画家挥毫泼墨，唐诗宋词流芳百世，每个书画家都能口吟手书，在黄绢素纸上写成尚品，我统计了一下，书法大家启功先生光是写唐风宋韵元诗清词等，就有八千多幅，他老人家师承二王：先学赵董后欧阳，晚爱诚悬竞体芳，国人对启先生勤奋自成“启体”都有共同的审美感，而对另一种书画的“现代派”大都嗤之以鼻，这就是对当代书画审美与审丑的大势所趋。现在中国书画艺术审美已完全大众化。

（三）西画的普及与审美的进

由于近百年的艺术教育，西方油画带着苏联美术的荣光进入中国，大量的西方大师精典在国内普及，只是人体油画的欣赏有些杂声，想一想十年前我们看到各种男士奇异发型，有些大惊小怪，而看今天五颜六色光怪陆离发型衣饰已习已为常，审美风俗也是因时而变的，看乔尔乔内的代表作《沉睡的维纳斯》，见图|等，他是威尼斯画派成熟时期的代表人物，架上画的先行者，乔尔乔内的绘画造型优美洗练，继承了他老师提香的传统，有绚丽的色彩，柔和的明暗关系，人物和风景自然交融，他开创了风景人物绘画的新格局，当然，还有许多大师佳作都会展示无穷的美，在这些大师的精品熏陶下，人们的审美水平也会曰渐提高。

长江39563631

混乱的美学

对于广泛的唯美趣味的判断，是无外乎在隐喻之外的稍加特殊的一种观念，仿佛自然之物不可侵犯一般。它不带有需要由经验与思维达成从而使你感受到美感的一种状态。

因此，为了摆脱这种无限可能的真实，除了描写与临摹外，构想的原则便义无反顾的成为了理想形式的最亲近的现实的体质。除却一种遐想的柔和的梦境般浮夸的风格之外，一种清晰的作为主题的基调仍成为了崇尚的显性的示例。例如；在蒙娜丽莎所承受着受众者们叠加起的面纱的时候，瓦雷里式“白鸽荡漾”似乎就同她神秘面纱后的景物中所周旋着。然而，这并不意味着诗人所预见的象征性是作为一种背景所映衬的，而是呈现出它已远去的，模糊的前瞻性。

诗人的内在无法被完全体现出来，即使他频繁的斟酌于更符合描写物的对象的词汇。好的诗人总是去刻意隐瞒这般刻画的历程，从而用抽象的缥缈的意象使其看起来像是信手拈来。这对于绘画及空间艺术来讲，缺乏一种凝视的自然之美，而拓展了精神空间的满足体验，使印象妥协词汇。即便是悬而有物的切实的雕塑艺术，也能从静态中捕捉到这种无处不在的诗意，无论是多逼真的模型，还是抽象的由遗弃的物体所罗列出的装置感十足的形式主义都无法直接忽视它，而间接的运用它所占据的空间来说，他所作为旁观者角度的来看待的作品的特色即是它的词汇，是作者所不能兼顾的艺术品的材质的核心。

在里尔克的诗《豹》中，我们能直观的察觉到个人体验 ( 即诗意 ) 的统一性于排斥性。

《豹》

它的目光被那走不完的铁栏杆

缠得这么疲倦，什么也不能收留。

它好像只有千条的铁栏杆，

千条的铁栏后便没有宇宙。

强韧的脚步迈着柔软的步容，

步容在这极小的圈中旋转，

仿佛力之舞围绕着一个中心，

在中心一个伟大的意志 昏眩。

只有眼帘无声地撩起。

于是有一幅图像浸入，

通过四肢紧张的静寂，

在心中化为乌有。​

作为阐述里尔克风格的标准，（豹）作为使人不自觉的能产生自觉性的作品，它充斥着一种令世人无可避免的空间感受，除此之外它凝聚了一种核心，这种核心即人的适应性，以及人所能概括的真实物化的世界的写照。于此相对应的是，它充斥的能简化为传达的印象被感觉彻底推翻，直觉成为了代替内心的第一准则。形式已变得不再重要，这种思潮在原始的壁画中就形成了模糊的系统的东西，至今被先锋艺术品所借鉴着。无论包括建筑的现代化，还是绘画的抽象，以及伦理的冲击性，都不可避免的被那种原始的方式触动，以彰显作为意志的核心。

具体的，明了的，饱和的，美学中充斥着最重要的温和的程度都不再作用于真实的，普遍的，赋予的，被渲染的形式。而在看待角度的问题上，另眼相待的被观察者的艺术提升到了一个能被完全解析的年代。他们用全新的瞩目的方式使好奇者趋之若鹜，如同卡夫卡的《饥饿艺术家》一样，满足人们对绝望意识的执着。对于饥饿的崇拜，我们姑且称它为一种变态的（即非常太）美学。它在某种程度上迫使经验丰富于直觉，从而在接替的视觉的选择上，使孱弱对称于一种印象中的饱和，等同于死亡在生命中的有效的补充。这种作为补充的真实在经验的加成上取决于意识的偏颇性质。很明显的例子就是，人对遐想的信仰的崇拜，并借以仰慕之名所修建的雕塑，以及行为艺术的梦魇般互为的性质。

饥饿作为预兆的表现，在模拟现实的方面有其独到的价值，它一方面不代表艺术作品的出现，也不在艺术品的氛围中彰显作为作者的品质。然而，艺术品就那样完好无损的呈现出来，除了一种倾向的独特得创造关系外，我们感知到的是一种丰沛的精神状态的溢出整个作者预期的画面。在印象派绘画的出现在世人眼前的时候，诸多意向被世人评判为对于现实世界的羸弱的无知更新，他们的对于该配有对真实世界的反映被模糊的笔触所情绪化的表达被消遣着。然而，印象派之所以流行开来，正是源于作用于饥饿的属性被其在统一结构画面的完整性所替代，他们总结了塞尚作为对现实世界的主观理解，对表达对现实事物的所积累的凝聚感上，做出了有效的分解，使它们的立足于一种宏观的效应当中，并对于情绪的综合铺满整个画面。即不用分配在有效的局限当中的细节问题，又放任了作为笔触的游刃性，从而迫使了作品对于饥饿体现的特征。

长眠于此者长于此逃离

我们常说艺术来源生活，高于生活，在生活中充满着艺术，随处可见，比如：吃饭、种田、旅游、休息等。

艺术也是丰富多彩的。比如：在书法中，王羲之的平和，如春暖花开，风和日丽；米芾的飘逸，如春风拂柳，婀娜多姿；颜真卿的粗犷，如彪形大汉，威猛魁悟；赵松雪的柔眉，如窈窕淑女，丰韵挺拔；弘一的空灵，如禅房入座，清新幽静等。

对于审美受到每个人的知识、阅历、文化、地域的不同，肯定也是不一样的。

就拿“绘画”来说吧，比如东西方绘画的审美就肯定存在差异的。

中国画讲究线条、笔法、意境，似与不似之间，就为最好的画。

而西方文化的主要特点就是写实，讲究写实、逼真。

一个是东方文化。

一个是西方文化。

东方文化，一般以中国的文化为代表。

东方文化讲究的底蕴就是讲究传统，

特别是对国画来说，尤其如此。

墨韵书香1314

请原谅我的愚钝。一幅好的书法，譬如说名传千古的《兰亭集序》，即便是一个不识字的人，他（她）都会开口称赞说好。虽然说只要有一千个读者，就会有一千个哈姆雷特。但是哪怕是十万个读者，却只会有一个王羲之，一幅《兰亭集序》！（我手机里没有《兰亭集序的图片，所以发不出来。）
而一幅好的摄影作品，像这张在海滩上的罗刹美女，人们只是会感觉到她的美，而不会想到其他。

孤独的人209381559

一幅好的绘画作品，能给人感官上一种赏心悦目，心灵上得到洗涤的作用，如何用欣赏的目光去领悟其中的内在美，每个人都有它的不同答案，所谓仁者见仁智者见智，虽然认知上有所不同，但大体上却趋一致，比如法国的布格罗，俄罗斯的谢尔盖.马什尼科夫等画家，其人体绘画作品深入人心，颇富经典，象马什尼科夫的《听着音乐睡着了的女孩》更是自然而真实的艺术佳作，浑然天成，其内在美不经意间流露无遗，给人一种唯美的享受。

海棠sy

首先艺术本身是一门技术，和其它行业一样，都需要天分和长期磨练。由于艺术会给人带来赏心悦目的满足，从而获得人们喜欢。

而审美是个人经验和喜好的结合，极少部份从艺者把她誓为毕生追求，普通人是难以真正理解的。

普通人即正常人和偏激的人只要逻辑正常，无论是男人，女人，城里人，乡下人，老年人，中年人和年轻人，都有各自不同的审美眼光。

世界各地文化氛围造就了审美的巨大差别，有的甚至和政治也能扯上关系。

所以审美是纯个人的，地域文化带来的，我认为这很重要。

做为追求而言应该了解各个作品的文化背景。做为从业而言应符合当地文化氛围。

大师从来不做艺术的引领者，而是在磨练自己。

守望者4916

摄影、绘画、书法、雕塑是艺术作品中的主体部分，在长期的社会生活实践中所获得的社会、文化知识以及所接受的伦理道德观念。它是艺术主体心理结构中最有时代性、民族性和阶级性等社会性内容部分，渗透艺术主体的美感活动中，表现为艺术主体活动的倾向性。是造成艺术主体对欣赏者的审美感受，是对人们的艺术作品审美趣味的培养。

黄智637

西方油画作品，多是以宗教神话和人体为主题的，这就适合一些思想腐朽不堪的人的审美。它们的审美就是给小黄画披上“皇帝的新装”，自欺欺人且一本正经说这就是艺术的高尚。

相对来说，摄影、绘画和雕刻更是俗无底线，相对书法来说，顶多就是写的水平如何了，写的是小楷还是小篆，还是流云行水般的狂草等。 比如郭沫若的字，康生笑话他用脚指头写字都比他写的好。

崇儒

如何理解摄影、绘画、书法、雕刻作品中的“审美”？艺术文化作品的题材不一样，所以审美方式自然也会不一样，

对于摄影、绘画作品的审美，是“由浅入深”审美的一个过程，通俗理解就是先看作品画面的第一感觉，然后再去深入品味作品所表达的意义，形象到神韵的审美，

书法、雕刻作品就和摄影、绘画作品的审美不一样了，书法和雕刻是先简单的去理解书法的内容，雕刻的人物背景，然后再整体性的去体会书法和雕刻的创作手法中所含有的意境，对于书法、雕刻作品的审美是“从内到外”的审美过程，

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