作为策划过许多中外优秀摄影师展览的策展人，我时常面临观众的疑问：怎样去看展览？看什么？
我觉得知道展览怎么看，也就会明白展览看什么了，两者相辅相成。好展览当然需要用心去做，这体现在硬件，比如展馆的经费和设施等等，同时也需要有软件，比如策展人的思路、参展摄影师的水准和声望、展品的品质、媒体的推广等等。但这些只是展览的一半，另一半是观众，只有当观众充分体验到了展览的种种益处，才算圆满成功。
日本的现代分界：浜谷浩、山本悍右作品展，洛杉矶保罗·盖蒂博物馆，2013年
一个自己的世界：工作室里的摄影实践，纽约现代艺术博物馆，2014年
我是做展览的工作者，但在工作之外也是观众。作为观众，我个人经验是不能偷懒，这样才能有收获。绝大多数展览，在开幕前一阶段就会告知有关信息，如果有兴趣，充分利用信息渠道，便可了解参展摄影师的情况。有些摄影师的创作比较活跃多样，不同时期会有差异，其中原因可稍作分析。另外，可以注意一下摄影师的脉络，比如其师承关系等等。策展人的情况也需要了解，优秀的、成熟的策展人，应该有其选择标准和美学主张，这也是有迹可寻的。如果有更多的需求，那就得通晓摄影史，领会摄影师涉及到的各种背景，具有丰富多样的经验积累与知识储备，包括阅读、旅行和交流，总之，做功课涉及的范围越广，收获也越大。
盖瑞·维诺格兰德回顾展，纽约大都会艺术博物馆，2014年
梅普尔索普和罗丹，巴黎罗丹博物馆，2014年
我为自己制定了一个好的摄影展览的标准：它的每一部分都在兴致勃勃地离题若干里，在参观的每一个时间点上，观众都能停下、赏析、遐想；它就像生活本身，也许在总体上呈现意义与命运，但生活之所以值得过是因为具体的每一天都有悬念，有差异，有丰富的可能性在等待着我们。好的影展如同古老的城市，有曲折嘈杂的街巷，密布小店小铺、小咖啡馆、小餐厅和小广场，让人还整以暇，流连忘返。而在现实中有许多展览，把影像变成现代化大道，像专横的导游，拒绝停留，忙于讲述，认准了路线，然后就带着我们气喘吁吁地赶路，总算到了终点宣布散伙，我们好像什么都经历过了，但什么都没看清。
Marcel Gautherot，巴西：传统与创造，巴黎欧洲摄影博物馆，2016年
垮掉的一代，巴黎蓬皮杜国家艺术文化中心，2016年
这就派生出另一个好的展览标准：节制。好展览知道自身的局限，展线、时间、观众人数总是有限的，因此不必刻意追求数量、规模这种表面文章。2014年我在纽约的惠特尼美国艺术博物馆观看的《爱德华·霍珀与摄影》，就是很好的例子。该展讨论了霍珀的绘画对现代摄影产生的深远影响，即通过巧妙地处理光线和几何图形来创建人物的心情，并提升日常主题摄影的水平。参展的摄影师有威廉·艾格斯顿、斯蒂芬·肖尔、格雷戈里·克鲁森、菲利普―洛卡·迪科西亚、陶德·希多和斯蒂文·芬奇等人。这个展览并非简单拿照片和绘画相类比，而是从这些作者的语言上找到更多一致的走向，探究其中究竟有怎样的涵义。
《爱德华·霍珀与摄影》的展览面积并不大，只集中在顶楼的一个展厅里面，每个摄影师只有一到两幅照片，大多数尺寸很小。霍珀作品的影响力不仅仅局限于摄影，而且至今仍在持续着，如此重要的主题，以惠特尼美国艺术博物馆的各方面实力，足够征集到数量庞大的展品，支撑得起宏大叙事。但他们没有这样做。展览的诚意和用心，在于启发，所谓的全面、规模，大多只是平庸慌张的掩饰，或野心膨胀使然。“启发”才是好展览的最高境界。观众受到启发，才能不断了解，不断思考，不断举一反三，不断触类旁通，展览的效果和影响才不受展线、时间、人数、地域的限制。
有些观众总以为参观展览，就会看到作者最出色的作品。这是一个认识上的误区。优秀成熟的策展人，他首先要有大局观，要有胆略做减法，最有名的作品，确实光彩照人，但也恰恰如此，很可能会影响到展览整体的、必要的均衡感和节奏感。所以，就如同编辑画册图录，这些代表作不一定如观众所愿呈现出来。展览是个引子，真有兴趣的观众，他们自然会有各种各样的渠道去扩张它的边界。这也是我作为一个策展人在实践中得出的经验之谈。
好展览提供的，就是疏阔大言的时机，让观众得以超越自身意识和知觉可及的狭窄范畴，自主前往广大、未知、始料不及的世界。
至此概括而言，摄影展览怎么去看，看些什么？我已经说的够清晰了。展览是别人呈现给你的，或认为你该知道的，而你要心明眼亮。展览不是下结论，展览不是作报告，展览不能只看眼前的展品，展览也不是仅仅帮助确定些什么。带着学习的心态去看展览，带着意犹未尽的念想离开，展览才会延伸。不要抱有太大、太重的期待，惊喜就很可能不期而至。
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