不帶走一片花瓣
這要從文藝復興之所以發生的環境說起，歐洲經過1千多年的黑暗愚昧的宗教統治，人類文明停滯不前，人們的思想被禁錮，除了信奉上帝，再沒有別的精神信仰，黑死病的肆虐使當時的歐洲人口銳減了三分之一，人們終於醒悟過來，原來他們信奉了上千年的上帝並不能把他們從死亡的邊緣拯救過來，他們的虔誠除了讓教會的權力越來越大更好的奴役他們外沒什麼好處，這時人們才把目光轉向別處，在古希臘，古羅馬的藝術裡找到真諦，就這樣一場轟轟烈烈的打著恢復古希臘，古羅馬文明，實際上是解放自己天性的文化運動以羅馬為中心開始了，人們要求解放自己的天性，但一千多年來的宗教禁錮一時還清除不了，那時候教會還規定不能畫裸體，怎麼辦呢？當時的畫家就只有從神話和宗教中尋找創作靈感，神話和宗教裡的神卻是可以畫成裸體的，這樣，文藝復興時期的畫家就來了個“曲線救國” 他們可以把神話裡的人畫的美輪美奐，不再總是一個面孔，這方面波提切利的維納斯就是優秀代表，無論是《維納斯的誕生》還是《春》他的維納斯都不是正常人的身材比例，他筆下的維納斯不但比正常人高大，優美，還賦予了她淡淡的人的迷茫。而達芬奇卻恰恰相反，他研究人體科學，他的人物講究黃金比例，科學，嚴謹，他筆下的人物雖然大都來自神話和宗教，但更近來現實生活中的人。到了中後期，享樂和奢華的風氣在那些新興的資產階級瀰漫，為了滿足他們的欣賞需要藝術家們只能把神更加世俗化，象提香，喬爾喬內，他們把維納斯畫成世俗女人的模樣，她的周圍不再是仙境，而是他們身邊的慣常風景，在那時還不寬鬆的創作環境下，那些文藝復興時期的藝術大師只能從神話和宗教故事裡尋找創作靈感，雖如此也給繪畫領域帶來一場大大的變革。
子非魚00111
答｜艾慄斯
復興時期的畫作以神話和宗教為題材並不奇怪，因為當時的歐洲大陸尚未擺脫歐洲宗教的強勢控制。但一樣的東西可以有不一樣的畫法，“曲線救國”也可以到達人文的彼岸。
最典型的例子莫過於意大利的美第奇家族。
作為銀行業起家的美第奇人，如果按照歐洲教會的定義那就是罪孽深重的“放貸人”，聖經裡早有宣判：“放貸者死後將進入地獄的第七層，在那裡被油鍋炸得噴噴香，生前數錢的雙手死後要一直在空氣中揮舞一刻不得閒。”
所以花錢贖罪，為死後的世界開路就是必要的了。
一開始，他們老老實實花大筆的錢買“贖罪券”，或者為教會捐贈和建造修道院或是教堂。漸漸的，美第奇家族開始成為建築、雕刻以及繪畫師的大金主，教會的活幹完了，就幫美第奇家做點新活吧！
藝術家們有了慷慨的資助者，就可以放開手腳大膽嘗試了。於是一座座修道院在佛羅倫薩拔地而起，一幅幅聖經裡的故事被描刻成教堂壁頂的繪畫。馬薩喬發明了透視法；歐洲建築之巔的花之聖母大教堂都是美第奇支持的結晶。
這個過程中美第奇家族是付錢的甲方，作為資助人當然要求夾帶私貨，在他們花錢預定的關於宗教主題的創作裡，美第奇家族的人有時候也會出鏡，但沒有被畫在令他們恐懼的第七層，而是成為了聖經故事裡的“賢者”角色。
另一方面，同樣是宗教題材的創作，過去都是恐嚇壓抑的原罪與贖罪，侷限在宗教主題下，以低微、懺悔的姿態人類仰視著高高的神，現在按照資助人的喜好有了意氣風發的新畫法。
比如說波提切利的《春》，就是一副生機勃勃興高采烈的繁衍讚頌圖，這個畫最後掛在了美第奇家族的臥室而非教堂裡；米開朗琪羅為美第奇家族創造了不朽的《晝》、《夜》、《晨》、《暮》四座雕像的墓碑，其實是對人，而非神的讚美和謳歌；至於受到美第奇家族贊助的達芬奇、伽裡略等對文藝復興的意義就不用說。
所以人類自我意識覺醒的高歌是從宗教泥潭裡唱響的，這是一個逐漸發端與剝離的過程，這個過程中的創作讓人類重視其自身力量與偉大，也因此正式奏響文藝復興的篇章。
亞歐研究寮
在世界各民族神話中，希臘神話是保存得最完整、內容最豐富多彩的。它的根本特點，就是洋溢著濃鬱的人情味和人性光輝的美，肯定人的力量，著眼於現實生活。它不似希伯來人的神，表現為抽象的道德概念；也不是像遠古地中海地區其他民族的神，表現為獸形妖靈，是人們頂禮膜拜的偶像。所以，它更像「人話」，它的神與人同形同性，有男有女，充滿人的七情六慾，有著與人共有的弱點。神與凡人的不同，只在於他們更有力量、更智慧，能夠永生。
希臘神話不把來世與現世相對立，不否定和壓抑人的感情慾望。它歌頌人類對光明和幸福的追求，對自然與藝術之美表現，顯示了和諧、優雅、健康的審美趣味和樂觀主義精神，這些都是文藝復興時期繪畫所推崇與贊美的。例如，Sandro Botticelli （波堤切利（1445-1510）的《維納斯與戰神》（作於1483-1486年間，存於倫敦，國家畫廊），畫的左邊維納斯凝神專注戰神，點出了柏拉圖觀-愛戰勝戰爭的想法。維納斯扮演著大自然和人母的角色，畫中的她穿著樸實無華的潔白長袍，長袍鑲金邊，與她濃密的金發相輝映。而戰神則是正懶散地睡覺，莽撞的農牧神，一個玩弄著丟在一邊的甲冑，一個朝著酣睡的戰神耳旁用力吹螺，波堤切利用想像力呈現了歷史最早的女權運動者-維納斯似乎主宰和安撫了戰神，用輕鬆詼諧之筆畫出了所謂的「天神」休憩的又無力的狀態。這是波堤切利最優美的作品之一。作品色澤純潔鮮明，人物形態完美，這幅作品也是唯一沒有為意大利收藏的作品。
填格
題主的問題非常專業，為什麼文藝復興明明以人為思想，而那個時期的畫卻作總是和神話、宗教有關？這個問題也不難回答，我們回顧一下那個時期的歷史發展過程就能明白！
文藝復興時期畫作▼
首先，當時的歐洲情形是怎樣的？
在11世紀以後，人們經歷了希臘、羅馬的文化繁盛時期和後來的“黑暗時期”之後，經濟開始復甦，人們的生活越來越好，誕生了一大批新的資產階級和大批的人才，甚至誕生了大航海時代，隨著各種文化的衝突、碰撞，人們對於自由的嚮往越來越高。隨之而產生了新的資本主義文化，其中就包括繪畫、文學、音樂、雕塑等等！
文藝復興時期畫作《維納斯的誕生》▼
其次，為何叫文藝復興？
數個世紀以來，歐洲一直籠罩在以天主教為主的宗教壓迫之下，不論是精神的壓迫還是肉體的壓迫。然而隨著文化的發展，人們對於自由的嚮往越來越強烈，由此和宗教舊思想產生了激烈的衝突，開始在各種文化上進行創新和解放！所以說，“文藝復興”更準確的應該叫“文藝解放”，主要是精神、思想的解放！
達·芬奇《最後的晚餐》▼
因為當時人們的信仰主要來自宗教，傳統形式不可癲破，以前文藝表現都是以“神”為主，而文藝復興主要是以“人”為主，最主要的表現就是“神的形象逐漸趨於人性化”，比如說聖母，舊的宗教藝術基本上都是頭上帶著光圈，神情肅穆，也可以說毫無表情，但是文藝復興時期的畫作中，聖母更像是一個普通女性，沒有光圈，表情也開始變得豐富自然！
拉斐爾《西斯廷聖母》▼
但是作為長久以來的傳統，新的藝術還是以宗教、神話故事為主要題材，只是新的形式弱化了“神性”提高了“人性”！
萬物皆明
首先需要說明的是文藝復興這個時期是歐洲社會從中世紀向近代社會過渡的一個階段，而眾所周知歐洲中世紀的社會文化多表現為宗教和神話主題，這就不可避免地使文藝復興創作的作品帶上時代的烙印，總體上文藝復興時期的人文主義者對宗教和神話表現出理性和信仰相交織的矛盾，這一切都與文藝復興所處的過渡性時代特徵密切相關。
我們來了解一下文藝復興時期的時代背景，當時歐洲新興的市民階層為維護髮展自己的政治經濟利益，在藝術，文學，詩歌，音樂等領域為人的世俗生活創造條件，並以此對抗中世紀的禁慾主義和矇昧主義，由此在意識形態領域反對封建文化與宗教信仰的壟斷，達到擺脫宗教信仰對人的精神的束縛和思想愚弄。因此文藝復興藝術家們藉助古希臘羅馬文化藝術（包括宗教神話）對古典文化進行資本主義詮釋，形成了核心——人文主義和理性精神。
文藝復興時期的畫作最具代表性的有三類，從最開始的佛羅倫薩畫派作品：喬託的《逃亡埃及》《猶大之吻》，波提切裡的《維納斯的誕生》到達芬奇的《巖間聖母》《最後的晚餐》，拉斐爾的《西斯廷聖母》《雅典學院》，米開朗琪羅的《創世紀》《最後的審判》；中期的威尼斯畫派作品：喬爾喬內《沉睡的維納斯》，提香《酒神與阿里阿德涅》《酒神祭》《哀悼基督》；第三個是尼德蘭畫派：凡·艾克兄弟的《根特祭壇畫》，勃魯蓋爾的《盲人指路》《絞刑架下的舞蹈》等作品。這三類作品中的大多數都是與宗教和神相關聯，是藉助宗教和神等為人們所熟知的題材宣傳人文主義精神。
文藝復興中的人們認為在藝術作品中“人是不能以裸體出現在畫中的，只有神可以”，但是人文主義學者們為了表現以人為中心的人文主義精神，其在創作中就需要突出人體之美，因此古希臘羅馬中的各種宗教神話中的神體就充當人體出現在創作品之中，以拉斐爾最擅長的聖母像為例，拉斐爾在表現人體的美感，表現人性的光輝時是藉助聖母這一宗教題材將人體皮膚的光澤，色彩銜接以及皮膚的質感體現得淋漓盡致，拉斐爾的《草地上的聖母》以圓潤流暢的線條把聖母、耶穌和聖約翰的優美形象和諧地組合起來，創造出充滿人間氣息的、親切的"神的世界"。這一世界遠離了中世紀的精神，它那純潔、明朗、單純、自然的情韻更接近希臘的精神。此畫表現出聖母瑪利亞的世俗之愛的精神。筆鋒細膩，技巧完美，表現聖母的親切、和藹，赤子的純潔可愛，對於母性的依戀，給人一種感受煦暖陽光普照的親情，同時也生動傳神地傳達了作者對生活的渴望。
綜上所述，由於文藝復興時期反對的是傳統宗教，人文主義者們蔑視教會,敵視僧侶,抨擊教皇,並不意味著他們就此要拋棄上帝,他們反對基督教,只是反對教會的壓迫,擺脫教會對他們施行的種種束縛人的自由意志的教義教規,而不是向上帝開火。他們對基督教仍然懷著無比的虔誠,仍然具有著深厚的宗教情結；他們仍然需要上帝,並堅信上帝至上,他們深信,教會可以反對,神職人員可以詛咒,教義教規可以修改,但上帝的尊嚴是絕對不能冒犯的，並且與此同時他們提出各種主張改進原有的宗教體系，要求建立一種符合自己所需要的以人為中心的理性宗教。而作為文藝復興中的一個方面——藝術作品，自然也就是藉著宗教與神的外衣來宣傳人文主義的內核。
（耶路撒不冷）
白痴歷史學家
為什麼文藝復興時期的畫作總是以神話和宗教為題材？
大家都知道，基督教是一神教，只承認基督耶穌這一個神，認為耶穌永遠不會犯錯，是永遠正確的。可是，正義是需要一個對立面的，也就是“極善”必有“極惡”，萬事萬物非黑即白，這就是二元論。
而文藝復興中提出的是一元論思想，這實際上是多神教的迴歸。
首先要說明的是，什麼是一元論？比如電影《雷神》、《諸神之戰》等講的都是多神教的故事，裡面的人物可不只是非黑即白。在多神教裡面，每個神和人類一樣，有“善”的一面，也有“惡”的一面，是一個活生生的神。這就是一元論。
如果，神是一元的，那麼，人必然也是一元的。也就是說，人是善和惡的集合體。人類也就不能把所有的“惡”都推給魔鬼，自己也要承擔一部分嘛。
那麼人們就需要自律，就需要懲惡揚善。
這就是文藝復興體現在宗教上的復興。也是為什麼文藝復興時期的畫作總是以神話和宗教為題材的原因。
萬博彙讀書
其實初中歷史書上剛好有學習關於文藝復興時期的內容。文藝復興是歐洲掀起的一場以人文主義思想作為指導，復興古希臘、古羅馬文化，以反對中世紀宗教侄桔的進步革命運動。由於當時宗教勢力還十分強大，教皇掌握著極大的權力，藝術家不得不借助宗教的合法外衣來進行藝術創作，從中表達他們對人生的肯定，對美好生活的追求和對禁慾主義的反抗。文藝復興巨匠達·芬奇一生創作的油畫作品除了《蒙娜·麗莎》等少數幾幅肖像畫外，幾乎都以宗教為題材。他在《巖間聖母》、《哺乳聖母》、《拈花聖母》、《聖母子和聖安娜》等畫中創造了一個個富有人情味的女性典型形象，完全區別於中世紀的那種冷冰冰的沒有人性的令人生畏的聖像。他在聖馬利亞修道院裡畫的大幅壁畫《最後的晚餐》，突破了前人敘述化地描繪《聖經》中這一事件的做法，而是通過對耶穌和12門徒深入細緻地刻畫以及戲劇性的安排，暗喻了當時意大利社會的光明與黑暗的鬥爭。與達·芬奇齊名的拉斐爾只活了37歲，他在短暫的一生中畫了近300幅畫。其中大部分是聖母像。他本著自己的審美理想描繪了聖母的年輕、秀美和母性的慈愛。他說:“我為了創造一個完美的女子形象，不得不觀察許多美麗的婦女，然後選出那最美的一個作為我的模特兒。”他在那幅著名的《西斯廷聖母》中，還毫不客氣地畫出了教皇西斯圖老奸巨猾的虛偽面目。在文藝復興三傑中，米開朗基羅是最富有革新精神的，雖然他也不能擺脫教皇的支配，但是他常常利用宗教藝術品來反對教皇。在羅馬西斯廷教堂裡，他用4年多時間畫了一幅近800 平方米的彎頂畫《創世紀》，用健美的裸體人物來描述《聖經》中關於上帝造人的傳說。後來，又用了整整5年時間畫了一幅167平方米的祭壇壁畫(最後的審判)。畫中有400多個各種姿勢的裸體人物，以表示他反對教會的禁慾主義。教皇看了不甚滿意，對他說:“這畫倒是適合放在旅館裡，不適合放在教堂裡。”要求米開朗基羅給裸體人物穿上衣服。但是米開朗基羅拒絕修改，他回答教皇說:“請陛下去照料人的靈魂，讓我來照料人的肉體吧!”為這事情。祭壇畫封閉了2年未能開放。後來教皇命人找來一位末流畫家，給這幅畫中的裸體人物身上添畫布條，修改成現在所見到的這個樣子。米開朗基羅還在這幅畫中把教皇和為教皇效忠的官員們作為惡人而畫入地獄，以致克雷門八世要把這幅壁畫全部毀掉，只是由於美術學院畫家們的極力諫阻，才把壁畫保留了下來。正因為文藝復興時期的藝術家們在創作時，把宗教內容僅僅是作為表達自己思想的一個媒介體而不是目的，突破了宗教藝術說教的模式，他們著眼於現實生活，歌頌世俗的人生和人的自然美，所以作品常常顯得生動感人，名作不斷湧現。這就是文藝復興時期許多美術名作多以宗教為題材的真正原因。這有幾個不同的因素導致的
第一 ，文藝復興的本質以及特點。
文藝復興也就是當時的藝術家古典的復興運動當中藝術家不僅僅對於古典完全的複製，他們更勵志於尋求生命與生活的意義。在15世紀，對於物體的透視畫法以及真正的油畫剛剛被髮明發現使用，且當時生物學的發展，天文學的新發現，各方面都體現出了一個文藝復興時期的宗旨【對於真實的追求】。所以在當時藝術家不僅僅只是為了宗教因素而去作宗教繪畫，而是想方設法使其對於現世有所益處。可以這麼說。
第二，歷史因素。
15世紀之前，歐洲經歷了黑死病，經歷了十字軍東征以及各種各樣的災難，而且到了中世紀中後期天主教會其內部腐化非常之嚴重，在這樣的情況下，民眾對於天主教還是那麼虔誠，還是那麼單純地敬仰嗎？想必不會的。所以在之後文藝復興當中，雖然許多藝術家還是天主教徒，但是他們不再使用以前單純讚頌的方式來作宗教畫，而是有所隱喻發人深省的方式，而將現實與宗教故事結合是個相當有效率的方式。分享幾張文藝復興時期比較有名的作品。
其實這些在歷史書上都有回答的 大家回去翻翻吧。
樊夏88318862
文藝復興是歐洲歷史上極為重要的一次思想文化運動，可以說沒有文藝復興，歐洲文明也不會是現在這個樣子。文藝復興最早起源於14世紀的意大利的佛羅倫薩，而後蔓延到西方其他國家。
其核心觀點是以人為本，人性得到解放，近代精神至此開始覺醒和發展。
那麼問題來了，
以人為本為核心的文藝復興，為什麼總是以神話和宗教為繪畫題材呢？
這主要與西方文明的文化傳承有關:
任何文明的產生與發展，都離不開當時具體的社會環境。經過中世紀近千年的統治，到文藝復興時期，人們對神的崇拜從來沒有停止過，宗教的力量依然根深蒂固。
不能公然反對，那可以選擇走迂迴路線。於是文藝復興時期的藝術家們，便藉著神話宗教題材，以畫神的名義來畫人，藉以表達自己的想法和理念
最明顯的例子，如文藝復興三傑等畫家
達芬奇的《最後的晚餐》，雖然畫的是宗教故事，但畫裡面的耶穌及十二門徒，完全脫離了以往宗教化的人物限制，畫中各個人物內心的劇烈活動、每個人各自的性情，都被刻畫的極為具體生動，這是之前所未達到過的。
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- 再如米開朗基羅的《創世紀》，在畫這幅畫時，米開朗基羅改變原來故事劇情，把上帝一口氣吹向亞當賦予亞當智慧的情節，變成了上帝把手伸向亞當，米開朗基羅精巧的構思，尤其是畫面中、兩隻手的黃金比例分割點，格外引觀者注目。
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- 再比如波提切利的《春》，這副描繪希臘神話的故事情節，畫中神話人物除了中世紀的神秘色彩之外，還有一種現實人間的生活氣息，有著濃濃的人文主義傾向，波提切利把兩種截然不同的因素獨特結合在一起，形成極為特殊的魅力。
綜合看來，雖然神話和宗教題材是文藝復興時期畫家們的主菜，但藝術家們卻有著自己更為深入之探索，對人自身的思考，和對外部世界的發現。
他們藉著畫神的名義畫人，把神逐漸從神壇拉下，接到人間，神不再是高高在上，而是有了普通人的情感。
文藝復興時期畫家們的這一創舉，可以說是史無前例的，更對後世的藝術發展影響至深。
以上是默默淺見，意在拋磚引玉。
對於文藝復興，朋友們又有什麼不一樣的見解呢？
（默默：以不一樣的新鮮角度、持續分享各類藝術作品，歡迎朋友的關注和點贊！）
默默輕娛樂
神話探討的是人與自然的關係，以隱晦的寓言的方式留存了上古先民的智慧和歷史。
這個心理需求貫穿了整個人類的歷史，並不僅僅在文藝復興時代。
文藝復興是歐洲掀起的一場以人文主義思想為指導，復興古希臘、古羅馬文化，以反對中世紀宗教的侄桔進步革命運動。由於宗教勢力非常強大，教皇掌握著極大地權利，藝術家不得不以宗教的合法外衣進行藝術創作。在畫中我們可以看到他們對於人生的美好生活的追求，反抗禁慾。
在（最後的晚餐中），突破前人敘述的聖經中，通過對耶穌和12門徒細緻地刻畫以及戲劇性的安排，隱喻了當時意大利社會的光明和黑暗的鬥爭。
文藝復興巨匠達芬奇除了（蒙娜麗莎）等少幾份肖像畫之外，幾乎都以宗教為題材，從他的畫中我們看到了眾多人情味的女性形象，區別於中世紀的冷冰冰的沒有人性的聖象
這位巨匠，一生中只活了37歲，短暫的一生中花了將近300副畫作，大部分是聖母像。畫作中描繪的聖母充滿著母性的光輝。
在（西斯廷聖母）中，毫不客氣的描繪了教皇老奸巨猾的虛偽面目。
文藝復興三傑中，米開朗基羅是最富有革新精神，同樣的，也是利用宗教藝術品來反對教皇。
眾所周知的，在羅馬西斯廷教堂裡，用四年多時間畫了800平方米的彎頂畫（創世紀），畫中的400多個各種姿勢的裸體人物，表示他反對教會的禁慾主義。
教皇看了不爽，就叫人來修改，給每一個裸體人都穿上了衣服。就成了我們現在看到的這樣。
正因為文藝復興時期的藝術家們在創作時，把宗教內容僅僅是作為表達自己思想的媒介而不是目的，突破了宗教藝術的傳統模式，他們著眼於現實，歌頌了人生和人的自然美，作品也顯得生動感人，造就了這麼多名作的誕生。
HAVE A GOOD DAY -MUSSY
Mussy時尚傳媒
為什麼文藝復興時期的畫作總是以神話和宗教為題材？很簡單的理解，因為藝術創作貫用“比擬”的手法，所謂的“借物喻人”起到襯托的作用效果，在一件畫作上幾乎不可能存在過多的文字（甚至不會有文字）來說明這幅畫所表達的主題思想，通俗的說，就是用畫說明主題思想，藝術總是充滿神秘之美，所以要表達人的思想及內心世界的情感，反而不會直接以“人”為題材，
舉例說明；比如要在畫中表達一個人非常輕鬆愉快的心情，可以畫上，一片藍天，綠茵，清清的溪水，溪水上有座彎彎的小橋等等，當然了畫中可以不出現一個人，這是藝術的意境之美，
