当下世界，人们一睁眼就能收获到四面八方传来的视觉信息。但在这么多的视觉信息接收中，我们是否思考过一个问题：导致我们产生视觉的关键因素是什么？我相信有一部分学视觉艺术的小伙伴是回答不上来的。简单来讲，我们视觉的产生有三个关键性的因素。第一个就是眼睛，我们要有一个善于发现问题的眼睛；第二个就是对象（物体），要有一个观察的视觉对象；第三个就是光，如果没有光，我们的眼睛在不借助任何视觉仪器的情况下是看不到物体的。
所以，眼睛——对象——光，成为视觉产生的三个关键性的因素。而光，自然而然也成为影响我们视觉经验很重要的一个因素。
我相信对于所有学习与视觉艺术专业相关的小伙伴来说，如何理解和使用光一直是一个至关重要的话题。虽然，光以各种各样的形式存在于我们的现实生活当中。然而，我们对于光的认识却是少之又少。所以，今天我会分别聊一下绘画、摄影、设计中基础用光的知识，希望我的分享能够对你有所帮助。
绘画
光在西方绘画中具有重要的地位与作用。有了光便有了明暗，有了体积，有了空间，有了色彩，即有了视觉效果。
在西方绘画史中，有几位很善于用光的艺术家。他们对于光的理解和运用影响了之后一大批艺术家。下面，我就和大家聊一聊这几位艺术家的艺术特色及其用光的特点，希望大家可以从他们的作品中学到如何通过光来丰富和加强画面的视觉效果。
卡拉瓦乔是意大利16世纪末至17世纪初杰出的现实主义画家。他的艺术生涯是在意大利文艺复兴盛期的诸大师相继逝世后开始的。
在文艺复兴时期，达芬奇认为作画的最佳时期最好选择在阴天的黄昏时，因为这个时候光感较弱，明暗对比不强，更能使画面变得柔和优雅。所以，他认为画家最应忌讳明暗之间的截然分界，这样会打乱画面构图的和谐感。世界名画《蒙拉丽莎》就是这种调调。
《蒙拉丽莎》
但是卡拉瓦乔却打破了这一观点。他认为光影关系的对比不但不会影响画面的和谐，反而能增强物体的立体感和空间感。
他善于在绘画作品中运用明暗对比的画法，一般是把画面中的物体放置在昏暗的阴影之中，将光线集中打在画面突出的部分，与主题无关的部分隐没在阴影里。就像聚光灯一样照射在黑暗的舞台上，强调了画面的光照效果，造成一种简洁的画面结构，形成一种舞台戏剧效果。
《召唤使徒马太》
《朝拜圣母》
此外，这种光影明暗对比的表现手法使被表现的对象显得结实厚重，人物更具雕塑感。这一光线的处理技巧成为卡拉瓦乔绘画风格的标志。并对后世产生了深远的影响。
《基督下葬》
《圣彼得被钉十字架》
17世纪伟大的荷兰艺术家伦勃朗对光线的运用也是独具特色的，他继承了卡拉瓦乔的用光技法，并将光影的处理发挥到了极致。伦勃朗的作品明暗对比同样强烈，但比卡拉瓦乔的光用的更加简洁、集中，明暗层次更丰富，暗部显得更加透气。
《杜尔博士的解剖学课》
《亚里士多德与荷马半身像》
与卡拉瓦乔相比，伦勃朗不仅仅只停留在利用强烈的光影塑造形体，突出形象，追求再现逼真的客观自然。而是在此基础上表现人的精神和内心世界。
《身着军装的老人》
《手拿粉色康奶昔的女子》
伦勃朗对光的运用是非常主动的，他在遵循光影规律的基础上，完全根据自己的表达意图，按照主观表现的需要作出处理，使之呈现出所需的视觉图像。伦勃朗用光的方式灵活多变：或将光照在主体突出部分；或恰恰避开主体，让主体柔和的隐现在暗部当中；或大范围亮面铺开；或婉转地依形于物体的轮廓。这些技法表现了各种不同的对象，抒发了各种不同的思想感情。
《被解下十字架的基督》
《在画室里的艺术家》
《 耶利米哀悼耶路撒冷的毁灭》
《预言者安娜》
伦勃朗在肖像画中的光影表现技法也独具特色。在几百年之后，成为了人像摄影师的“必修课”，即伦勃朗布景法。这种布光的基本光效是：在人物正脸的部分形成一个三角形的光斑，而光斑分别被眉骨和鼻梁的投影，以及颧骨的阴影所包围。不过，这种布光方式比较适合鼻梁和颧骨较高的人，并非所有人都适合。
与伦勃朗同属于17世纪荷兰绘画黄金时代的另一位艺术家，“荷兰小画派”的代表人物维米尔。和伦勃朗一样，维米尔也是用光的大师。他的用光技巧受到了伦勃朗的很大影响，但是他并不是用光的明暗对比画法去强调画面的主体部分，加强画面的戏剧效果。而是减弱它的对比强度，用散漫的光线表现微妙的光影变化和空间感，从而形成自己独特的艺术风格。
他的作品大多描绘的是静谧、优雅的日常生活小景。例如《倒牛奶的女仆》这幅绘画作品，从左边的窗户透进来的自然光线，给人一种流动空气感。女仆身前是昏暗的阴影，而身后的白墙是明朗的光，人物受光面的背景较深，背光面的背景反而很亮，正好把人物形象和外轮廓衬托出来，这种明暗对比很显然比卡拉瓦乔和伦勃朗的手法要柔和，但它仍然能突出主体人物的层次感和空间感，营造一种抒情的格调。
《倒牛奶的女仆》
维米尔的作品大多描绘的是静谧、优雅的日常生活小景。这些生活画面给人一种温馨、舒适、恬静以及清新的感觉。
到了19世纪中叶，流行于法国的印象主义将光和色表达发挥到了极致。印象主义的画家们客观地描绘了视觉现实中的瞬息片刻，表现出纯粹的光影关系。
以画家莫奈为例，他对光和色的专注远远超越了物体的形态。在他的创作中，运用室内光的作品并不多，大部分都是室外光的人物和风景。他对光的理解彻底打破了传统的酱油色调，开始认识到在不同光源下物体将会呈现不同的色彩关系，利用冷暖色、互补色、对比色展示出光线的变化，从而抓住瞬间的印象。
下面这几件作品，呈现了同一物体在不同时间、不同光线、不同天气下的光与色的变化。
鲁昂大教堂
《鲁昂大教堂》系列
《鲁昂大教堂》系列
《草垛》系列
摄影
自从摄影艺术出现以后，绘画与摄影就开始了一段相互影响又相互较量的发展历程。虽然二者都属于视觉艺术，都是通过平面来营造视觉上的空间立体感。但使用媒介的不同造成了二者一定程度上的差异。摄影是科技的产物，对技术设备的依赖性非常高，而绘画则是利用颜料、画笔、画布等媒介进行创作，两者的造型手段是不同。
虽然说二者都是通过点、线、面、光、影、色等造型手段来营造空间立体视觉形象。但从本质上来说，摄影的光是真正意义上的光，而绘画的光则是用颜料的色彩所展现的光的幻象。如果说绘画是对光的间接运用，摄影则是对光的直接运用。
在摄影艺术中运用好光的前提条件是了解光的性质、理解光的创造性、发挥光的表现性。
各种光源所发出的光线都有一定强度，不同强度的光表现出的视觉感也不同。强光可增加被拍摄主体的明暗对比，以强调物体表面的形态、肌理和色彩；弱光则减弱被拍摄明暗对比，使物体表面看起来更为平滑细致。如果能够掌握运用适当强度的光，就可以更好地突出被拍摄物体的特性。
光的方向可以很好的体现画面的层次感、立体感和空间感。根据光源与拍摄主体和相机的相对位置关系，可以将光线分为顺光、逆光、侧光、顶光、脚光、散射光等等。
顺光
逆光
侧光
顶光
脚光
散射光
不同的光线其色调也不相同，色调在表现色彩主题情调、意境渲染、情感传达上是不可缺少的，它能够迅速使人受到感染，从而产生联想，给人以不同的视觉感受和情调意境。
看到这里，我们似乎能够感受到绘画与摄影之间的某种联系。卡拉瓦乔的画面中体现的就是光的强度，伦勃朗和维米尔的画面突显的是光的方向，而莫奈玩的就是光的色调。
设计类
由于设计的类型太广，在这里我就不一一介绍。不过我认为绘画和摄影应该是学设计的学生应该掌握和了解的基础课程，有了这些基础，你就可以在设计中更好的运用光去塑造形体，制造空间，营造出不同的视觉趣味。
最后，我为小伙伴们推荐一本书，书名叫《视觉艺术用光:在艺术与设计中理解与运用光线》 ，这是是一本帮助理解光和运用光的基础教材。如果你做的是画画、摄影、设计、3D 等行业，这本书一定会可以帮助你恶补基础的理论知识，或许能让你有所受益。
最后感谢今天让你学会用“光”的作品集导师：Andy阳：
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