解强强
气韵生动，形象鲜明，具有作者扎实的艺术功底和坚实的文化素养。
这样的作品，饱含了画家深刻的个性特点和丰富的人文气质。当然，这是从理论上而言，一件成功的作品，就应该具备这些基本的要素。
但是，也有的美术作品，其所谓的永恒之美，却不可排除利益的驱使，道德的低劣，也被捧抬为优秀之作：但凡这样的作品，免不了剽窃、临摹他人的构图，或是本身就极其粗俗，入不了法眼，却也纳入到"永恒之美"的范畴一一这样的优秀，无疑是一种无情的自我嘲讽，应该予以坚决的反对。
退休升活
美术中的永恒之美是指那些经过了岁月沉淀历史检验为历代的人们所肯定所赞美的美术艺术作品所具有的特质和特征。比如王羲之的《兰亭序》、顾恺之的《洛神赋图》、王希孟的《千里江山图》、古希腊雕塑《断臂的维纳斯》、米开朗基罗雕塑《大卫》、达芬奇油画《蒙娜丽莎》、拉斐尔油画《西斯廷圣母》、安格尔油画《泉》等等等等，都是美术作品中具有永恒之美的范例。
美术作品中所表现出的永恒之美，不只体现在美术作品的表现形式上，也不只体现在艺术家高超精湛的艺术技法和表现手法上，更体现在作品中包含着的或深刻或丰富的人文思想情感和文化的历史的要素，这种思想情感具有真善美的本质，是人类共通的而且能够超越时代的为不同国家不同民族不同时代的人们所接受所认可。
比如古希腊时期的雕塑作品《断臂的维纳斯》已经2000多年了，为一代又一代的人们所赞美。人们不认为断臂的维纳斯因为少了胳膊而成为缺憾，仍然认为维纳斯是美丽圣洁的女神，是完美女性的化身。这是因为从维纳斯身上流露出的是高尚优雅的气质气息，这种气质气息是一种永恒的美，它足以弥补维纳斯断臂所带来的缺憾。
再比如王羲之的《兰亭序》，已经1600年了，为历代的文人墨客和书法爱好者所推崇，称之为“天下第一行书”。《兰亭序》不仅在书法艺术上表现卓越，字字珠玑，而且其思想内容也是丰富的，彰显出晋代那个时期文人的情怀和情趣。《兰亭序》成为美术之书法作品永恒之美的典范。
灯影书画
美术作品中的永恒之美，是作品带给我们心理的愉悦感，是作品带给我们内心对美好事物的想往，是作品的形式、内容、色彩、形态所引发的心理趋同、心灵感应和慰藉。古希腊雕塑作品《断臂维纳斯》，经历了两千年的岁月沉淀，其匀称而略显丰满的体态，优美而典雅的身姿，仍然被世人看作是美的化身。虽然岁月造成了她手臂的残缺，但残缺的手臂丝毫没有影响我们对美的假想。中国敦煌莫高窟壁画，描绘的飞天女性形象，形态各异、体态优美、线条流畅，虽历经千年的风雨侵蚀，仍然焕发着无穷的艺术魅力。
美术作品的永恒之美，是艺术作品的生命，是超乎国界、人种所感知的美好心理感受，是永恒瞬间美的凝固。
海洋的艺术空间
美术中的永恒之美应该是在跨越漫长时光的欣赏中所显示出的巨大生命力。这个生命力的内因是作品的创作者的精神智慧；这个生命力的外因则包括两个缺一不可的要素：一个是漫漫的岁月，一个是不断的欣赏。
审美大师朱光潜先生在论到诗歌的生命中曾写过这样一段：“一首诗的生命不是作者一个人所能维持住，也要读者帮忙才行。读者的想象和情感是生生不息的，一首诗的生命也就是生生不息的”。对诗歌如此，对美术作品我想也是同样。
那些不朽的美术作品，无论是达.芬奇的《蒙娜丽莎》，还是断臂的《米洛斯的维纳斯》，还是米开朗基罗的《大卫像》，还是拉斐尔的《西斯廷圣母》，还是安格尔的《春之仙女》，还是文森特.梵.高的《星空夜》......, 当它们被创造它们的大师用精神智慧和高超的技巧赋予了艺术生命之后，它们能成为到今天还闪耀着璀璨的艺术之光的美术作品，靠的正是一代代人对它们的不断欣赏，这些欣赏不仅可以用以挖掘这些大师创造这些作品时的精神智慧，又可以不断赋予这些作品以新的意境、新的想象和新的情感。这正像是我们中国那些经久流传的古诗词，在每一个时代，又会生出不同的新意。
那些美术大师，推而广之到那些不朽的艺术大师，他们和普通艺术家的区别就在于，他们不仅仅是在艺术的天地中辛苦耕耘，他们更重要的使命是育种：将一颗有生命力的种子种植在自己的作品之中，并在欣赏的灌溉中不断成长，开花结果，又结出新的种子，......，而这粒最初的种子当中，就已经具有了永恒之美的艺术基因——创作者的精神智慧！
（2020年2月2日凌晨1：14，于首都国际机场E21候机厅）
西海拾翠
美术包括绘画、雕塑、工艺美术等。绘画属于美术范畴，绘画的永恒之美是塑造艺术感染力的审美理想。绘画是视觉空间的造型艺术，具有艺术性审美形象。
一、绘画艺术中表现女性人体为题材的绘画作品，具有艺术欣赏性的审美感受。女性人体本身就是美感的艺术象征，是绘画艺术的永恒之美，是表达画家对女性人体一往情深的审美情感。
二、古今中外在绘画艺术中，画家大多数都是以女人体作为模特，塑造女性人体美丽动人的艺术形象，表现出女性人体优美形态的审美理想。女性体是艺术家创作绘画作品中永恒的主题思想，体现画家喜欢的不可多得的审美需要，它是启迪人们思想情感审美教育。
三、以女人体为艺术形象可以达到艺术的最高境界，塑造出女性美貌动人的人体艺术审美感，触及人们视觉赞美的情感，表现出对人体艺术的深情厚谊。人们在欣赏人体艺术中的女性人体之美时，以审美的情感品味出女性美丽动人的艺术形象，所感悟出女性风韵犹存的艺术美感。
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黄智637
书画艺术是美术中的一种，就书法而言，有人认为书法艺术是抽象美，有人认为书法艺术是形象美，有人认为书法艺术美既抽象又具体，还有人认为书法艺术美之特征是表意，总之，各种见解都有相当的影响，那么，美术中的永恒之美是什么呢？
美术中的永恒之美
字面理解“永恒”，是永远恒久不变的意思，那么“永恒之美”顾名思义是永远恒久不变的美，具体的说，是适应任何时代审美的一种美，然而，在美术领域中，具有永恒之美的艺术作品，并不是很多，大多数艺术作品只适合所处时代的审美，举个例子，抽象派画作，就没办法具有“永恒之美”，
唯有传世之作，才具备“永恒之美”，这话很容易理解，一件艺术作品，被每个时代的艺术家临摹模仿研习，那就称得上是“永恒之美”，比如，“书圣”王羲之的书法作品《兰亭序》，“欧洲文艺复兴三杰”达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔的油画作品，连续好几个世纪的艺术家都在临摹描绘研习，当代画家陈丹青都还在临摹达芬奇、米开朗基罗的作品……，
那么，艺术家是怎样让自己的艺术作品成为“永恒之美”象征的呢？这就和艺术家所处时代有关了，唯有生活在一个极自由、极解放、最富于智慧、最浓于热情，又最富有艺术精神的时代的艺术家，才能创作出“永恒之美”的艺术作品，除此之外，绝不可能，
当然了，更主要是和艺术家自身因素有关，比如，艺术家的师承、家学、名家影响，以及艺术家的个性、气质、胆识、艺术素养、审美情趣、立意，以至人品都有关系，值得注意的是，唯有传统技法之下的传统作品，才具备“永恒之美”，任何抽象艺术作品，都和“永恒美”无关。
诗夜城主
你好，很开心回答你的问题
美术中的永恒之美，个人拙见，对于绘画作品中，旷世奇才达芬奇的作品，《蒙娜丽莎》，画中的蒙娜丽莎，经过达芬奇高超的超薄晕涂法，经过画家对神态巧妙精湛的捕捉，留下若隐若现，似有似无的微笑，留下永恒的微笑
蒙娜丽莎那神秘的微笑，创作出了理想美，完美化的典型，瞬间即逝的微笑表情，定格成为一种永恒的象征。
西方美术史上，20世纪的现代雕塑家，亨利摩尔的雕塑作品，呈现了一种永恒的美丽。
亨利摩尔的雕塑语言，古朴，简洁，宁静，既代表现代雕塑的造型语言，又不失传统古希腊雕塑典雅，和谐的美感
亨利摩尔的雕塑，如同西方现代艺术时期的绘画，突破传统客观写实的再现美，而是采用象征的现代手法，表现对象内在生命力，结实，沉静
亨利摩尔，善于在实体中挖出空洞，创造负空间，如同中国画中虚实相生的意境，反映雕塑家对宇宙自然生命力的永恒的思考，对生命奥秘的探究和思索
亨利摩尔的雕塑，形式语言简洁，但呈现深沉的内涵，呈现永恒宁静的宇宙和生命力，他的雕塑，适合放置白云，草地，远山，呈现人与自然的气魄和永恒的生命力。
美术作品中的永恒之美，个人粗浅的理解是，作品中，静穆，单纯，和谐，凝结成的雕塑般庄重的定格永恒的美感
如同米勒画笔下三个拾麦穗的妇女，雕塑般厚重的形体感，塑造了永恒定格的美感
永恒的美感，是中西方美术史上，经久不衰，千古流传，跨越千年的经典画作，经典雕塑作品，留下经久不衰，永不褪色的魅力
如古希腊雕塑，其庄重，崇高哦，圣洁典雅的美感，留下经久不衰永恒的魅力
文艺复兴时代的传统写实古典油画，奠定了西方美术史上，所有油画流派风格的传统地基，直到当今，文艺复兴时期，古典油画的技法，构图，色彩，造型都值得我们学习研究，留下永恒的魅力。
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我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信
艺术狂人2
美术中的永恒之美，是通过艺术家的创作，把瞬息即失的美永恒地保存在艺术载体之中，进而让一闪而过的美成为千古不磨的不朽之美。
艺术是创造美的，艺术家的创作是源于生活，高于生活的。因而艺术美比之于生活中的美更集中，更典型，更生动，更高雅。所以艺术美是一个美的宝库，既丰富多彩，又华贵典雅，是人类所创造的瑰宝。
艺术美让美的源泉的生活美变成永恒。
比如西方油画所创作的美人形象，正是把美女的青春之美保存到永恒。
美女的美貌，青春期达到顶峰。这一时期用画笔画出，也就是对其青春之美的美化与保存。青春会瞬息即失，而青春之美通过油画载体保存下来，就让一时之美保存到永远。
西方人是非常向往保留青春之美的，特别是美女，对诗人画家十分崇拜向往。目的就是通过文学艺术把自己的青春之美保存在文学艺术作品中。
前苏联有个著名青年诗人莱蒙托夫，他夜晚到夜店用餐，遇到了美妙迷人的美女，整个夜店能沸腾起来，美女用尖叫声喊诗人的名字，表示对诗人的崇拜，以致于引起诗人的注意并用诗歌去咏赞她们，以使她们的名字美貌永存人间，变得不朽。
西方的美女更喜欢油画家以其美貌作对象，画出永恒的美，万古流芳。有的无名美女因画家，文学家，诗人的作品，而让其美象洛神，蒙娜丽莎，美惠三女神，八十七神仙一样变成永恒。
(认同请关注，诚谢)。
GoodLuck6868
天寿先生言:“艺术乃精神食粮。
实际上，艺术中的美术不仅仅从精神上满足人类精神需要，也从物质上保障人类生活生产需要。
自人类社会产生以来，美术便与之相伴。原始彩陶、岩画，(贝壳打孔串成的)项练、帛画、纸质画、壁画、(人物，山水，花鸟)，外来的水彩、水粉、油画，图案、工业设计、建筑设计、室内设计、服装设计、环境设计、陶瓷设计、园林设计，塑雕等等美术门类，一直陪伴我们。
它们在变化着，从单一到复杂，由粗糙到精緻，适应着人类需要。
美的变化让美术精緻细腻，适应着多元的人类活动。
人们也通过联想，主动参与美术创作。美的联想让人们参与美术创作，以便充分运用美术作品。
由于美术在，让我们的生活，五彩缤纷，丰富多彩。不同的年代，不同的地域，不同的人群对美术的要求不一，因而美的样式，内容呈現出多样性。
永恒的因素只有两项:美的变化和美的联想——它们是永远不变的。
涂之人995
威廉·阿道夫·布格罗(William Adolphe Bouguereau)， 1825年出生于法国比斯开湾小城拉罗歇尔。 布格罗的父亲是小商人，先做葡萄酒生意，后做橄榄油生意。布格罗对于接手家里的生意兴趣缺缺，他的叔叔同时也是天主教神父的尤金于是开始教导他古典主义和圣经的题材，并且安排布格罗到波尔多的艺术学校半工半读两年，学习绘画。这段期间布格罗还帮果酱罐子公司设计商标来存钱。
不久布格罗的父亲终于被说服，让布格罗在1846年用卖出33幅画像的900法郎加上亲戚的筹款，到巴黎的法朗索瓦·爱德华·皮柯特画室学习，两个月后作为100名学生中的第99名进入法国美术学院。除了艺术上的学习外，布格罗同时也学习生物解剖、考古、和历史服装等课程。
在皮柯特的教导下，布格罗继续学习学院派的画风。当时学院派将历史和神话题材作为评量艺术的最高标准，擅长这些领域的布格罗在1850年得法国国家艺术奖学金罗马大奖。获奖的奖励之一，便是与其他获奖者一起前往意大利游学，并居住在著名的美第奇别墅，布格罗游历了意大利的许多城市，模拟古代及文艺复兴时期艺术家的作品。
1856年，布格罗与玛丽-奈莉·玛爵伯恩结婚，两人后来生下五名小孩。到了1850年代末，布格罗已经与当时的艺术界买卖商有密切的关系，尤其是画商保罗·丢朗-吕厄（Paul Durand-Ruel，后来成了印象派的重要支持者之一），丢朗-吕厄帮他在沙龙上卖出了大量的绘画。
巴黎沙龙每年都会吸引超过30万人参观，对于当时画家的知名度宣传是极为重要的场合。布格罗的名声在1860年开始传到英国，同时他利用增加的收入在巴黎的蒙帕纳斯买下了一间房子和画室。
1877年，布格罗的妻子因难产而死，1896年与一名他教导出的女画家伊丽莎白·珍·加德纳结婚。由于他的第二个夫人也是他的学生，所以当时受夫人的影响，极力帮助女性画家举办画展。尽管在画风上布格罗是标准的传统主义者，然而他在世时却利用他的影响力使许多法国的艺术机构开始开放给女性学生就读，包括了法兰西学术院在内。
布格罗曾在巴黎国家高等美术学院及朱利安美术学院任教, 学生众多。他经常告诉他的学生们，人们必须寻求美和真，必须使作品达到极致。只存在一种画，就是能把毫无瑕疵的美和完善呈现到人们眼前的画，如同委罗内塞和提香的作品一样。
布格罗是19世纪末著名的法国学院派画家，他的绘画常用神话作为灵感，以19世纪的现实主义绘画技巧来诠释古典主义的题材，并且经常以女性的躯体作为描绘对象。他一生坚持唯美主义的学院派风格，他的作品很受当时人的欣赏，现代对他的作品也大有人赞美。
布格罗在美术界虽然是逆历史潮流的人物，但他的作品确实给人一种美的享受，有时为了追求完美，他也不惜篡改现实。所以他的作品经常取材于古代的神话，以超出现实的美展现出来。
在布格罗的画作里，女性的形象非常恬美，有妇女，仙女和农村姑娘等人物。其环境多为乡间丛林，宁逸静瑟。
布格罗在世时于法国和美国都享有高度的名声，并且在一生中获得众多的荣誉，同时他的作品在当时也都以超高价卖出。
作为那个时代沙龙画家中的佼佼者，布格罗成为后来崛起的印象派等前卫艺术的首要攻击对象，并且在20世纪由于现代主义的崛起而被遗忘。
到了1980年代，对于人物画和19世纪画风的兴趣重新崛起，布格罗的绘画才又开始被重视，并且被认为是学院派艺术最重要的画家之一。在他一生中，布格罗总共画了822幅当下已知的画，除此之外还有其他许多作品的下落不明。
