音樂人何力為黃琦雯《聲音電影秀》寫下精彩樂評，發表在
《航空旅遊報》10月期刊。
1、我們的音樂
電影作為一門視覺和聽覺的現代藝術，容納戲劇、攝影、繪畫、音樂、舞蹈、文字、雕塑、建築等多種藝術的現代科技與藝術的綜合體，在現代生活中的地位早已無可匹敵。但，戈達爾有一部電影，明明是電影，片名卻叫做《我們的音樂》。因之，幾年前我寫過一篇文章，叫《向電影學習的音樂》。
另有英國導演賈曼拍了一部電影《藍》，整個片子從頭到尾銀幕上只有一片藍。《藍》最早通過BBC在電視機上播出，賈曼還曾建議沒有電視機的觀眾拿出一張克萊因藍的卡紙，對著卡紙聽電影的聲音。這樣的做法，實在是讓人心生敬佩，又五味雜陳。我們是否早已成為影像的奴隸？約翰·凱奇的鋼琴曲《4分33秒》帶來的也不僅僅是一種觀念，重要的是它讓你在現場開始聽到看到聞到鋼琴沒有被演奏時的“音樂”。
而黃琦雯的聲音電影秀，是一張黑膠唱片。從1934年的《漁光曲》中的《漁光曲》開始，到1963年的《早春二月》中的《送別》，她用29年間的中國電影歌曲建構了她的聲音電影秀。
唱片裡的歌曲，曾經都是配著畫面，成為百年中國電影經典。現在卻集體離開電影，離開曾經身處的電影裡的生活，像一隻又一隻小鳥離開電線杆，飛向天際，只留下了聲音。甚至連賈曼的電影中的“藍”都省略了。
當所有的畫面消失，只留下了作為光影的聲音——它既是一位音樂工作者對中國電影百年歌曲的致敬，也是對這些電影歌曲的一次拯救和解放。
而且，這些歌曲經過了黃琦雯的重新演繹，乃至重新改編（如：《教我如何不想她》《阿哥阿妹》《漁光曲》《在那遙遠的地方》）。
從電影發明初期的無聲電影開始，到黃琦雯的這張無畫的聲音電影秀，只有音頻，沒有視頻，音樂也變成了用聲音打造光影的藝術。
2、世界不是給眼睛看，而是給耳朵聽的
Acques Attali有一個觀點，世界不是給眼睛看，而是給耳朵聽的。因為社會在改變以前，變動已先銘刻於噪音之中。
黃琦雯的這張唱片，正是這樣一個案例。致敬中國電影110週年——聲音電影秀，也可以使我們考察音樂如何先於社會獲得變革。該張
聲音電影秀中極為出色的黎錦暉先生的《桃花江》一歌，自二十世紀三十年代風靡中國、唱徹東南亞。曾經被打成“黃色歌曲”，一度銷聲匿跡。而今黎錦暉被認為是華語流行音樂的開創者。《桃花江》流行二十多年以後的1950年5月，新中國人民政府頒佈了《中華人民共和國婚姻法》，戀愛自由，婚姻自主，《桃花江》歌詞中表達的主題願望也實現了。而今，更被音樂界公認為中國第一批流行歌曲之一。
3、聲音電影秀
如何用聲音來秀電影，這是一個聲音（歌唱）藝術家漫長的探索和開創之路。
這一點，源自作為歌者的黃琦雯對聲音的天生敏感和日復一日的學習和積累——她帶來的其實不只是一張關於電影的音樂，而是將她的領悟和經驗放在了一張唱片裡——用耳朵來看電影，看光影的交錯，看光影散發出來的香氣。毫無疑問，也只有在“聲音電影秀”開創性的聲音藝術裡，耳朵被賦予了視覺和嗅覺的功能。
在十幾首歌曲裡，電影隱身了，它就像彼時的一個幕後商人，邀請作詞家和作曲家創作，然後退居幕後，推出了這些音樂——影不只用來看，影也可聽。
反覆聆聽這些歌曲，黃琦雯的表現如一件會說話的絃樂隊的首席樂器，而並非一位樂隊主唱或者人聲樂器。
漢語本身就是帶有自身旋律腔調的語言，這使人聲樂器的演奏面臨如鋼琴、小提琴初入國門時的一種“民族化”“東方化”的困境，而黃琦雯的演奏（唱） 恰到好處的完成了這樣一件首席樂器的使命。
另一個原因是創作這些歌曲的先驅們如黎錦暉，陳歌辛等前輩都曾致力於中國音樂民族化之路，並與世界的融合。而像趙元任先生本身就是語言學家致力於民族化的音樂創作，探索腔詞關係以及中國和聲的出路，黃琦雯在向電影致敬和對前輩音樂家的感恩中獲得並抓住了機遇，並深懷一種音樂使命——經過她演繹的經典再次熠熠生輝，散發著經典的光芒。
古典音樂一直是有聲電影歷史上的首選音樂，也使人們在電影的浸潤中不知不覺有了對音樂、乃至樂器音色等的一些特定場景和習慣性的畫面感。國際首席愛樂樂團的演奏也使黃琦雯的聲線非常具有畫面感，氤氳混沌中躍起的是潛意識中若隱若現的畫面，每一個聆聽者都可以閉幕凝神變成一部又一部電影的主宰，自由構圖剪輯結構它的畫面和故事，任情緒自由的遊動，情感自由的表達。而在這樣的渲染中，光影的黯淡和絢爛的交錯，猶如音樂天然的立體結構的音響，完全的解構了平面的二維電影屏幕。3D電影不懈的努力，音樂其實輕而易舉的可以做到。
這也是“聲音電影秀”意想不到的意義和價值所在，更為可貴的是這不是當下時髦的“跨界”嘗試，而是反其道之行——退到音樂的原點，在讀圖時代更是對聽覺文化的捍衛。
3、聲音電影秀
如何用聲音來秀電影，這是一個聲音（歌唱）藝術家漫長的探索和開創之路。
這一點，源自作為歌者的黃琦雯對聲音的天生敏感和日復一日的學習和積累——她帶來的其實不只是一張關於電影的音樂，而是將她的領悟和經驗放在了一張唱片裡——用耳朵來看電影，看光影的交錯，看光影散發出來的香氣。毫無疑問，也只有在“聲音電影秀”開創性的聲音藝術裡，耳朵被賦予了視覺和嗅覺的功能。
在十幾首歌曲裡，電影隱身了，它就像彼時的一個幕後商人，邀請作詞家和作曲家創作，然後退居幕後，推出了這些音樂——影不只用來看，影也可聽。
反覆聆聽這些歌曲，黃琦雯的表現如一件會說話的絃樂隊的首席樂器，而並非一位樂隊主唱或者人聲樂器。
漢語本身就是帶有自身旋律腔調的語言，這使人聲樂器的演奏面臨如鋼琴、小提琴初入國門時的一種“民族化”“東方化”的困境，而黃琦雯的演奏（唱） 恰到好處的完成了這樣一件首席樂器的使命。
另一個原因是創作這些歌曲的先驅們如黎錦暉，陳歌辛等前輩都曾致力於中國音樂民族化之路，並與世界的融合。而像
趙元任先生本身就是語言學家致力於民族化的音樂創作，探索腔詞關係以及中國和聲的出路，黃琦雯在向電影致敬和對前輩音樂家的感恩中獲得並抓住了機遇，並深懷一種音樂使命——經過她演繹的經典再次熠熠生輝，散發著經典的光芒。古典音樂一直是有聲電影歷史上的首選音樂，也使人們在電影的浸潤中不知不覺有了對音樂、乃至樂器音色等的一些特定場景和習慣性的畫面感。國際首席愛樂樂團的演奏也使黃琦雯的聲線非常具有畫面感，氤氳混沌中躍起的是潛意識中若隱若現的畫面，每一個聆聽者都可以閉幕凝神變成一部又一部電影的主宰，自由構圖剪輯結構它的畫面和故事，任情緒自由的遊動，情感自由的表達。而在這樣的渲染中，光影的黯淡和絢爛的交錯，猶如音樂天然的立體結構的音響，完全的解構了平面的二維電影屏幕。3D電影不懈的努力，音樂其實輕而易舉的可以做到。
這也是“聲音電影秀”意想不到的意義和價值所在，更為可貴的是這不是當下時髦的“跨界”嘗試，而是反其道之行——退到音樂的原點，在讀圖時代更是對聽覺文化的捍衛。
5、電影沒有了影像，也會留下聲音（音樂）
幾年前，在《向電影學習的音樂》裡，我曾感慨只有在電影裡，甚至是在幾十年前拍攝的電影裡，才能聽到這個時代真正的音樂。那是一種向人類共有的，匱乏並且妄圖逃離遺棄的常識的學習，是前輩們的遺產經驗，也是審視自己當下工作的最佳參照，黃琦雯的唱片，便是明證。
電影音樂，如果從有聲電影的時代開始，那麼音樂的電影，就從聲音電影秀開始吧。這不僅是對影像的奴隸予以自由，也是對依附於電影的音樂的解放。
黃琦雯的這張聲音電影秀，既古老又新鮮，既傳統又時髦，沒有奪人耳目的喧囂，只有發自內心的光影之聲——它不是火，它是光，恍惚交錯，柔情似水。它不是消費時代以火爆全球為出發點的唱片製作，而是潤澤眾生的音樂之光。
曾聽到一個說法，說荷馬為什麼是盲人？丘比特為什麼盲人？因為洞察一切的是心靈，而不是眼睛。所以，我也非常喜歡一句非洲的諺語：穿透黑夜的不是眼睛，而是耳朵。
打開聲音電影秀，光，來了，影也在。
閉目凝神，聆聽光影，穿透黑暗，洞察內心。
《詩經》沒有留下旋律，留下了歌詞。
電影沒有了影像，也會留下聲音（音樂）。
何力介紹：
何力，著有唱片集《65億分之1的詩與歌》（2009 摩登天空），《70億分之1的詩與歌》（2013 星外星 ）等。另有大量文學創作，詩歌、音樂隨筆等散見於《人民文學》、《航空旅遊報》等刊物及媒體。
1970年，出生於新疆一個知識分子家庭，父親是翻譯，母親是醫生。畢業於陝西師範大學中文系，大學期間自組“愚公樂隊”開始詞曲創作和演唱。
2007年，受邀赴香港大學作兩星期的訪問，舉辦音樂會。皆因“何力的音樂和歌詞不單注重現代漢語詩歌的優雅因素，也滲入了新疆木卡姆的優秀傳統，在中國樂壇別樹一幟”。
2014年，為西部歌王阿卜杜拉製作唱片《沒有天空的都市》，擔任音樂製作人和編曲。同年，為電影《超萌英雄》作曲。
2016年，作為現代音樂家受邀參與拍攝國家藝術基金《絲綢之路上的藝術》紀錄片拍攝。
2018年，拍攝《二胡》、《都塔爾》、《手鼓》《維吾爾鼓吹樂》等紀錄片。參與中華文化促進會及鯨魚馬戲團李星宇《尋聲新疆西遊記》項目，任顧問，策劃，錄製。
2019年，作為學術專員受邀參與國家非遺傳承人搶救性記錄“12木卡姆”和“刀郎木卡姆”傳承人等項目的拍攝。
何力的作品既保持了濃厚的現代中國音樂特徵，又以開放的姿態融合並拓展世界各地優秀民間音樂文化傳統。何力說：“我有幸誕生在孕育了偉大的京劇、秦腔、花兒、木卡姆等偉大民間藝術家的土地上。它決定了我音樂的源頭，方向和標準。”
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