一生一世我爱你誓爱生世
我是怀旧老奇，很高兴能回答你这个问题。虽然我不是什么词作家，作曲家，我个人是这么理解的。纯音乐能表达一定的情感，而歌词存在的歌曲意义就好像，把这种情感更直观。举个例子，设定一个场景，把听众带入这场景，更有利于让听众体会到歌曲本身的情感，两者是相辅相成的
纯音乐虽然能表达一定的感情，而且有巨大的想象空间，能承载更多的场景，故事和心情！但缺点是表达得不够具体！不够直接！而歌词的存在恰恰弥补了这些！
纯音乐和我们平常听到的歌曲都是能够表达情绪的，当然两种音乐表达的层面不一样。
纯音乐大家听的时候可能从节奏上，旋律和声上能够听出来，这首歌好悲伤啊，或者开心啊，雄壮啊，比如我们常听的小提琴协奏曲（梁祝），二胡独奏（二泉映月），民乐合奏（黄河大合唱），等等，能够听出的情绪都非常明显。
怀旧老奇
歌词作为一种音乐文学，是一种被谱成曲的具有可唱性的文字。现代一般是配合音乐，便于哼唱的语句。从文学理论方面说，歌词是属于艺术语言。入乐的歌词在感情抒发、形象塑造上和诗没有任何区别，但在结构上、节奏上要受音乐的制约，在韵律上要照顾演唱的方便，在遣词炼字上要考虑听觉艺术的特点，因为它要入乐歌唱。歌词是要合乐的，合乐成为歌曲。歌词一般是配合曲子旋律一同出现的，它是歌曲的本意所在。歌词的功能主要有审美功能、宣传教育功能、公益功能和娱乐功能这四种。
作曲儿大哲
简单来说，声乐具有最能打动人的两个素材，一个音乐的旋律，一个人的嗓音。歌词拓展了音乐的表现空间和表现手段，使音乐和文学联系起来，让音乐不再那么模糊，多义，而是真正诉说一定的感情。
音乐总体分为两大类，一类器乐，一类声乐。器乐即题主所说的纯音乐，只有音乐，无歌词。声乐即题主所说的有歌词的音乐，加入人声，并有乐队伴奏。
早在文艺复兴时期，西方出现声乐，但那时声乐只有歌唱，并没有音乐伴奏，且多是宗教歌曲。
到巴洛克时期，带有伴奏的声乐发展起来，也就是歌剧，清唱剧，康塔塔发展了。这要归功于J.S.巴赫，是他撑起了整个巴洛克音乐，随着他的去世，巴洛克时代结束，古典主义到来。
古典主义音乐时代最大的贡献，便是大大丰富了器乐的体裁，使器乐上升到和声乐同等的地位，交响曲，奏鸣曲，协奏曲就是这时候的成果。这时候的器乐，注重贵族的优雅，克制，精美，宏大。“交响曲之父”海顿成就了交响曲，贝多芬的第三（英雄），五（命运），六（田园），九（合唱）交响曲更是前无古人，后无来者。而这一时期的声乐，也有海顿的清唱剧《创世纪》《四季》，和莫扎特的歌剧《唐璜》《魔王》的成就。
到了十九世纪，轰轰烈烈的浪漫音乐主义时代到来。这一时期可谓群星璀璨，有舒伯特，舒曼，门德尔松，柏辽兹，肖邦，威尔第，勃拉姆斯，李斯特，马勒，劳伦斯特劳斯，威尔第，瓦格纳等。浪漫主义倾向将音乐不再只是音乐，而让音乐和诗歌，绘画，文学，甚至哲学发生关系。而作为声乐的艺术歌曲（知识阶级的歌曲，与大众歌曲不同）成为一类重要体裁，艺术歌曲最能体现舒伯特的音乐的特点，他的艺术歌曲《鳟鱼》《夜玫瑰》《唐璜》，声乐套曲《冬之旅》《磨坊姑娘的爱情与生活》。
到了二十世纪，后现代主义的崛起，反结构，反中心，让艺术和生活的间隔缩短。大型声乐题材出现了音乐剧，艺术歌曲大众化成为通俗歌曲（这个没有考究，答主自己顺推的）。音乐剧具有现代感都市感，吸收了通俗音乐的爵士乐迪斯科等。而通俗歌曲也不再像美声那样，需要专门的训练才能达到，而是降低了难度，成了人人都能唱的大众歌曲。
莫清音乐
好的音乐是一幅立体的山水画或油画.......尤其是在一部影视剧里能够表达主人翁内心世界及持定的场景，当然应该是优秀的作曲家的作品。比如说，"辛德勒的名单″里那段著名的小提琴音乐，后来成为了音乐会上诸多名演奏家的保留曲目，"与狼共舞″里那段管弦乐音乐也成为了音乐会上交响乐队的保留曲目。这些仅仅是无标题音乐的优秀代表作，有标题的音乐我们国内老百姓就更熟悉了: 单乐章的管弦乐合奏:红旗颂，四个乐章的钢琴协奏曲:黄河，小提琴协奏曲: 梁祝等等。有标题的音乐主题一目了然，根据标题便能理解音乐所表达的意思。而无标题的音乐则需通过欣赏者自己对音乐的理解，在脑海中描绘出不同的画面.......至于歌曲就比较简单了，因为它有歌词。
古典音乐人彭國飛
纯音乐和我们平常听到的歌曲都是能够表达情绪的，当然两种音乐表达的层面不一样。
像纯音乐大家听的时候可能从节奏上，旋律和声上能够听出来，这首歌好悲伤啊，或者开心啊，雄壮啊，比如我们常听的二泉映月，咱们得钢铁洪流进行曲，能够听出的情绪都非常明显。
那么歌词在音乐作品中的意义是什么呢？在普通的歌曲中歌词占有的比重还是挺大的，一个好的音乐作品往往是好曲和好词并存，编曲的作用是对正品曲情绪的一个铺垫和推动，那么歌词的作用就是具体的表达，从歌词中可以听出歌曲想要表达的故事、情绪、态度、心情，能让人们对于这首歌曲了解的更清楚。
弹琴小驴淡儿
歌词是音乐的灵魂。纯音乐是通过音乐本身去感染人。而歌词是通过述说并通过音乐的载体去表达一个人的心声。
纯音乐的情感是空灵的，恰似无声胜有声。就像春天的花朵一样，它不会讲话，我们却能够感受到它的美。而歌词在音乐中意义在于能够用词语与词语的组合将人需要的情感和思想更直接地表达出来。
人类创造的关于音乐的艺术形式，并不能割裂地来看。不是纯音乐与有歌词的音乐来区分，这样的区分本身就是一个误区。真正喜爱音乐的人，都能够从中感受到音乐带来的力量，无论有词没有词。
人类最早的时候，没有诞生语言和文字之前，不就是用声音来表达的吗？歌声是表达人的情绪的，而不是意义与否。就像周杰伦的歌曲，那么多人喜爱，不知道有多少人理解了他的歌词以及音乐的表达。虽然有些歌词表达那么隐晦晦涩难懂。
为什么古今中外凡是好的音乐，不分国界和民族都能够打动到人的心灵，无关语言本身，音乐自由音乐的表达方式，词语只是为音乐插上了飞翔的翅膀。
天目眼
你好，我是心灵的自留地，很高兴回答这个问题。
纯音乐无疑是可以给人以情感表达的，但是由于每个人在听音乐时候的心情和处境是完全不一样的，所以不同的人对同一段音乐会有不一样的感受，不同文化层次的人也会有不同的感想。
歌词无疑可以解决这种不统一，让音乐得到升华，让不同的人得到同样的感悟。
毕竟，歌曲还是词曲作者的一种表达，单纯的音乐无法很好地传递作者的情感，纯音乐可以让你有所感受，歌词则可以让这种感受充分地表达出来。
一千个人眼里有一千个哈姆雷特，同理，一千个人心中对于同一首音乐会有一千种理解，歌词则可以很好地将所有人的注意力都集中到音乐所要表达的内容上。
心灵的自留地
这个问题我觉得问的挺有意思的。您的纠结就在于好听的音乐只要有优美的旋律就够了，并不需要画蛇添足再添加歌词，您觉得歌词是多余的。
我想说的是歌词不是画蛇添足，而是锦上添花。
没错，像《班得瑞》这种类型的轻音乐的确让人听了心旷神怡，又能解压放松，又能让人心情愉悦，这种来自内心深处一尘不染的纯音乐好像的确不再需要歌词了，毕竟她的旋律已经很美妙了。
但是像《青花瓷》这种类型的歌，他不配歌词光听旋律其实也很好听，不过加了歌词以后锦上添花就更好听了，朗朗上口。
我们每个人在听音乐的时候（不管轻音乐还是通俗音乐）是不是都喜欢跟着一起哼？没有歌词的不利于传唱，而有歌词的传唱度很高。你想想这是为什么呢？你不妨试着全程用“嗯”一个字哼《青花瓷》这首歌，一遍下来会是什么感觉，对于别人来说，从头到尾听你用“嗯”把这么好听的歌哼下来，别人的耳朵到底是享受？还是遭罪呢？但是配上恰当的歌词以后，双剑合璧，旋律意境就更美了，而且便于传唱，这就是歌词的作用。
希望我的回答能让你拨云见雾，豁然开朗。
沐潼留声
音乐与歌词之间，是一种非常奇妙的关系，不同的人有不同的理解。它在每个人的记忆中所起的作用各不相同。
音乐的感官刺激当然重要。但比感官刺激更重要的是背后的精神传达。而要想明白音乐所传达出来的精神，最好的方式是歌词。
人世间曲作家与词作家之间的天作之合，才有了纯音乐所不及的情感表达。这就是纯音乐听者不多，而有唱词的音乐却愈发受到大众喜爱的重要原因。
词作为语言上的表达，既可以将抽象的感触具像化，又可以将一个作品的音乐性与文学性完美地结合在一起，这样的作品才能够打动更多的人。
一首歌，光是这旋律，就足以动人心魄，再加上高超的文学表达，这个作品就不只有单纯音乐上的价值，而是一种文化的输出。它超越民族、超越国界，是中国文化的代表作品。这使得一首歌的词与曲在文化上享有同等影响力，这正是歌词在音乐作品中的非同寻常的意义。
我在魔都修自己
很高兴来回答这个问题。
其实要从两个角度来分析，那就是纯音乐和歌曲。
纯音乐
一方面，无论是古典音乐还是现代音乐，一定是作者在特定环境、特定时间，特定情绪下谱写出能够充分表达作者当时情感的作品，这是毫不怀疑的。
另一方面，不同的演奏者或不同的指挥或不同的欣赏者，在演奏或欣赏这首音乐时，都附带有自己对音乐的理解或情感，所以音乐相同但表达的情感效果却不一定相同。
歌曲
有的歌曲是根据词来谱曲，有的是根据曲填词，有的则是词曲同一作者一气哈成。
无论纯音乐还是歌曲中的音乐部分，无疑都能表达特定的情感。但就歌曲本身而言，词与曲的搭配则在很大程度上对词表达的情感给予最大程度的放大。尤其先有歌词而后谱曲的歌曲，音乐是为了更好的阐述歌词所表达的情感，比如好多“红歌”，这类歌曲一旦抽掉词，她所表达的情感就大打折扣。
同样的道理，对那些先有曲而后填词的歌曲，词的意义就不大，抽掉歌词几乎不影响音乐的情感表达，比如填词的少数民族原生态歌曲，民间小调改编的歌曲，或一部分民歌等等。
总之，纯音乐或歌曲中的音乐部分，表达情感有广泛性、差异性。音乐所配的词所表达的情感有局限性、加强性。
