第一章 關於單體元素的繪製
其實我個人對單體元素的繪製練習教學一直是很小心的，生怕會把學生們帶入一個誤區。因為很多學生會誤認為只要將各個單體繪製練習好了，再自由組合起來就能形成一幅非常完美的畫面了。其實這種想法肯定是不對的，在我以往的教學經驗中，當我及時糾正這種錯誤時，甚至還是有很多初學的同學表示很不解，為什麼不對，哪怕我反覆的說，但他們還是會固執的繼續重複犯這種錯誤。好在這本書裡有很多範畫，您可以反覆的看一看，再想想為何每幅範畫都會有個視覺中心，都會有主次關係和虛實對比，空間關係。試想下，如果一幅畫面裡什麼東西都畫的很具體很清楚，那主次該如何確立關係，虛實該如何對比，空間該如何形成呢，即使你的天賦再高，塑造能力再強，那些刻畫的再精緻具體的個體硬拼湊在一起也只是支離破碎的碎片組合而已了，畫面並不會是你想象的那樣好看，甚至可能還會彆扭。
這個時候可能有些機警的學生又會發問了，那你畫的那些大尺寸的精細彩鋼和黑白鋼筆畫作品該如何解釋？這問的挺好，那我就發幾幅我的長期的作品參考一下：
也請仔細看看這些鋼筆畫作品，你應該會發現，相比較之前的鋼筆畫習作裡的主次對比裡的"主"，我畫的相對具體，而"次"，我幾乎一筆帶過或非常省略。可這精細鋼筆畫裡的主次關係，管"主"好，"次"也好，我都畫的很“具體”。再詳細點解釋就是把"主"的效果反覆強調畫出來其“主”的特徵，同時，為了讓虛的效果同樣更加逼真，也要反覆強調畫出來其“虛”的特徵，而這裡不只是精心強調“主”，也同樣要精心強調“次”，雖然表現其特點不同，但相同的都是精心，這跟省略和一筆帶過又是兩碼事了,也就是說，有時候可能虛的地方比“實”更難畫更花時間，這跟短期習作的表現方式的確區別很大的。
即便如此，單體繪製的練習還是很有必要的，這能讓你熟悉常見的描繪對象的基本體徵和表現技法，但要時刻告誡自己的是，這種練習可不是最終目的，也達不到最終目的，但對學習鋼筆畫來說，是一個有效的輔助方式。因為前面也講過了，鋼筆畫的表現技法跟很多畫種的表現形式區別是很大的，不是你有素描基礎就一定能畫好鋼筆畫的，對已習慣傳統學習素描色彩技法的人來說，剛接觸鋼筆畫可能還會出現很多的不適應，以前作畫步驟都是從整體到局部展開來畫，可鋼筆畫基本上只能從局部到局部，再具體點說就是如果畫一個頭像鋼筆畫，是先畫眉毛，眼睛，再畫鼻子，嘴巴.....這樣慢慢展開畫的，這需要鋼筆畫者對畫面的整體把控能力要求是很高的。
所以單個元素的練習還是很有必要的，單個練習就要簡單很多，同時它能讓你很好的認識鋼筆這一工具的表現力，至於素描關係也好，色彩關係也好，在我的彩鋼和黑白鋼裡理論基本都是一樣的，但在使用工具和表現技法上區別是非常大的，畫面效果區別也很大，很多人總是把黑白鋼筆畫當成素描，其實不是的，我們常見的素描是用鉛筆或炭精條畫的，畫面有“髒”的感覺，但黑白鋼筆畫給人感覺永遠是很“乾淨”，用一句話形容就是：如果用手去摸鉛筆炭筆素描畫面時，你會嫌畫面髒了手，可如果同樣用手去摸鋼筆畫面時，你會嫌手髒了畫面。線條也是鉛筆炭筆所不能有的，鋼筆畫的魅力是任何畫種所不能替代的，它確實有它獨立存在的理由，它有屬於自己獨立的繪畫語言。
接下來我會以 建築（公共建築，民居類），雜草樹木，古橋，山石這四個單元分別做單體元素繪製的示範，這四個種類中。
我個人會覺得建築類和古橋類要好畫些，相對來說更適合初學者練習，因為特徵很明顯。關鍵是要注意到透視和結構，其次是山石，最難的應該是雜草樹木了，當然不管難易，畫面最重要的是要有個好的整體效果。至於什麼叫所謂整體的好效果，那就沒有絕對的標準和尺度了，每個人都是一個個體，都有各自個性和審美，所以想怎麼表現，因人而異都無大礙，但前提是必須要有紮實的繪畫技法作為基礎，才能夠讓畫面給人以美的享受，無論是悅人，還是悅己，都可以。而我同樣作為一個個體，本身也有自己的個性和喜好，所以我的習作也好作品也好，都屬於我個人審美的口味，你可以借鑑和學習，但最好不要盲目效仿，一味抄襲，失去了自我的東西，反而沒意思了，當然這是後話，對於初學者來說，剛開始的臨摹和仿效對於練習技法來講還是首要的，當技法練習到一定程度後，放開自我尋找屬於自己的元素，那樣你的繪畫天地將無限寬廣，身在其中其樂無窮。當然有些同學基礎還是不錯的，所以總是會想到求新求變求個性的事情，想讓自己的作品有較高的辨識度，甚至為此苦惱，索性直接來問我該怎麼變，怎麼創新。天啊，我該怎麼回答你，如果我真的能告訴得了你答案，那答案還叫答案嗎。當然我又不能什麼都不說，非要說，我想說每一個美術老師的教學模式和觀點都會有些不一樣的，美術老師其實與數理化之類的理工科老師不同，理工科老師給學生們的答案一定是標準一致的，只是會在教學過程和方法中有所不同，可美術老師不會這樣，不同的美術老師別說答案不一定一致了，甚至觀念上都會彼此相悖。但他們可能都是對的，我們人類的文明像一對翅膀一樣是朝兩個方向齊頭並進發展的，一個是科學，一個是藝術。
科學講究邏輯和理性，有統一的規律和標準的答案。但藝術是感性的，感性的東西往往沒有框架和規律的束縛，而且是多元化的，它可能沒有絕對的標準答案，所以美術老師們各自的觀點不同甚至相悖就不難解釋了，其實關鍵我覺得還是在學生們自身的內心感受了，你自己更趨向哪個方向，哪種表現模式，尊重自己的內心就好，所以我沒法給你標準答案，也沒有標準答案，我就跟大家分享下我個人的經驗吧，我個人的經驗就是我從來沒有這樣去想過，只是很開心的去畫畫，遇到問題就看解決問題的書籍。
當然書籍也不是絕對正確的，自己要學會思考，甚至懷疑，懷疑不是否定，不是詆譭，而是學會有主見的學習，而不是盲目灌輸。還有就是看畫的好的人的範畫，偶爾臨摹自己偏愛的作品。臨摹，應該是一個必不可少的學習環節，不應該忽略，不能總想的就是創作，臨摹和寫生相互交替。
慢慢積累些經驗和感悟，幾乎從來沒有刻意去想要什麼創新啊個性之類的東西，直到現在都覺得有這種
所謂的想法可能是沒有必要的，本身也很負累。當你絞盡腦汁去想的時候，應該是想不出來的，我就索性不想，我想就算想出來，可能也會很牽強附會吧。
所謂的風格也好，個性也好，應該是自然形成的，你只要用心去畫，去思考了，去學習了，在不斷繪畫的過程中你自然會形成屬於自己的東西，可能這些東西的獲得，只是某一個瞬間就形成了，而這個瞬間，一定是你長年累月的努力作為鋪墊的。所以我的建議還是不要刻意的管那些，好好畫好自己的畫，該來的都會來的。
