在很多90后刚刚出生的时候，时装和时装秀如梦如戏，在一个特别疯狂的年代，戏剧感极强的时装成为时代最好的注脚。巴黎高级定制的秀场，因为有约翰·加利亚诺（John Galliano）、有让·保罗·高缇耶（Jean Paul Gaultier），一切都犹如魔幻大戏。不计成本制作出来的华服，将T型台变成一个具有故事性的舞台。模特化身演员，讲述一个又一个久远又深刻的故事。这些秀场鼓舞着整个时装界，无数的人因为这样的戏剧性爱上时装，也因为这样天马行空的创意而思考时装。
在秀场的方寸之间，我们跟随设计师游历世界，去了2004年Christian Dior春夏高级定制的埃及，还去了品牌2007春夏高级定制“蝴蝶夫人”的日本。也跟高缇耶一起在1993年的秋冬探讨了犹太文化，而2003年秋冬克里斯汀·拉克鲁瓦（Christian Lacroix）又带我们去看了看爱德华时代的混乱。伴随着时光流转，戏剧感强的设计渐渐隐退，那些年为我们带来疯狂的设计师们也因为各种各样的原因，远离了大众视线。
Louis Vuitton 2020秋冬大秀现场，看台上有 200 个人物造型，皆由 Stanley Kubrick 的戏服设计师 Milena Canonero 打造。
极简主义时代的正式到来，让我们看到时装最大限度的实用性，拓展了极简主义生活方式下的视觉美学。我们喜欢那些线条利落的时装，但隐隐约约、在内心深处依然想念那些疯狂又热闹的强烈冲击。
2020年秋冬秀场，Gucci探讨了“无可重复的仪式”；Louis Vuitton跟戏服设计师米兰拉·坎农诺（Milena Canonero）合作，用200名唱诗班歌者作为秀场背景。这些戏剧性的元素让我们感到兴奋，是不是预示着我们想念的热烈又要回来了？你准备好了一起迎接更加疯狂的戏剧感时装吧。
无谓潮流，戏剧永存
实用性强或者功能主义至上的时装，在很长一段时间让我们看到理性，或者关于理性的重要。生活也随着这种审美趋势，而更加趋向理智、节制和有条理。可现实常常不是那么一成不变的线条，我们在混乱中才能寻找到事物内在的秩序，在一团乱麻中才能找到闪光点。时装设计可能也是这样，太过于理性，就缺少了点生命的热度。
从舞台艺术中摄取灵感，对于时装设计师来说并不陌生，在 “More is More”的年代，大家恨不得把这世间的百态搬上T台。去年12月，Dolce & Gabbana在米兰著名的斯卡拉大剧院（La Scala），以歌剧和大剧院作为灵感，发布了一整个系列。而设计师约翰·加利亚诺在学生时代曾在英国国家大剧院打零工，帮演员们换衣服。他说这份工作帮助他构建了对于戏剧、舞台和戏服的基本认识。于是戏剧性，一直贯穿在他所有的设计中，所以很难说他灵感来源于戏剧，因为他的设计本来就是一出戏。
詹尼·范思哲（Gianni Versace）曾说过：“对我来说，剧场就是释放。”而拉克鲁瓦则说：“我从来不考虑时尚，我考虑戏剧性，时尚只是一个意外。”
去年12月，Dolce & Gabbana在米兰著名的斯卡拉大剧院（La Scala）发布Alta Moda女装系列。
很多时候，戏服设计师都被认为是一项没有什么创意的工作，因为在大多数情况下，他们创作的空间相对较小。一般的戏服都受到时代、地域、文化的限制，只需要在所有限制之下做到适合相应的人物就好。
而时装设计师，大概最受不了这样的限制，他们需要创作出最新最夺眼球的作品。他们需要在潮流之中找到最对味的那个点，他们需要考虑商品和概念的结合。所以，虽然都是跟衣服打交道的工作，两种工作却有着截然不同的内在逻辑和工作方法。在现代分工越发细致的行业里面，他们谨慎地保持着彼此的界限，几乎不轻易打破。
可如果这个结界被打破，常常会出现各种意想不到的效果。有时装设计师参与的戏服设计，是不是能够更加贴合时代？或者将戏服本身也转化成为一种表演内容。
戏剧艺术有时候非常迷人，在方寸之间，似乎就能穿越时空，讲述完一生的悲欢离合。现代西方舞台戏剧艺术起源于古希腊，古希腊人在舞台上演绎神话故事，他们用自己的巧思安排这些故事的框架结构，引人入胜。而歌剧，流淌在几乎每一个意大利人的血液之中，当女高音的花腔响彻大厅，似乎她内心一生的所有情绪和情感都在这旋律之中了。
在如此迷人的场域结构中，时装设计师们又有怎样精巧的表现？从20世纪初到现在，设计师们一直都钟爱着戏剧，不管潮流如何，似乎都从未离开。
川久保玲
2019年
歌剧：Orlando《奥兰多》
《奥兰多》被认为是英国女性主义作家弗吉尼亚·伍尔芙（Virginia Woolf）所有作品中最容易阅读的，也被认为是所有女孩在成长过程中的固定读本。作家通过给奥兰多这位历史上最为复杂的人物写“传记”，来探讨传记写作的边界。
演员身着川久保玲设计的戏服亮相。
奥兰多是英国一位年轻贵族，其生命前三十年为男性，后三十年以后变成了女性。以双性同体的身份，活了400年。性别，是伍尔芙一生都在探讨的主题，《奥兰多》更是其中佼佼者。在维也纳上演的全新《奥兰多》歌剧，由女性作曲家Olga Neuwirth创作，这也是维也纳歌剧院第一次上演女性作曲家的作品。女性主义专场歌剧，戏服设计师也请来了日本设计师川久保玲，她将为传奇伟大的奥兰多设计衣服。
歌剧《奥兰多》剧照
川久保玲，所有时装爱好者都不陌生的名字，在日本震惊巴黎的1980年代，她是唯一一位女性。也大概只有她，将自己的个性和才华毫无保留地保持到了今天。她的品牌渐渐商业化，可她永远有一块高冷的自留地给自己发挥。其实让川久保龄着迷的可能不是歌剧本身，而是英国作家弗吉尼亚·伍尔芙。
歌剧《奥兰多》戏服
从2020年Comme des Garçons Homme Plus的春夏系列，到2020年Comme des Garçons女装春夏系列，再到这次为维也纳国家歌剧院的《奥兰多》设计戏服，弗吉尼亚·伍尔芙的名字都贯彻始终。以至于，她将自己的设计直接搬上戏剧舞台，成为传统歌剧的一部分。在维也纳古老的歌剧院里，演员们穿着她设计的解构主义的现代戏服，演一个发生在上个世界20年代的故事。一个关于性别，关于成长和爱情的故事。
歌剧《奥兰多》戏服
这是时隔多年之后，川久保玲再一次将自己的设计搬上戏剧舞台，虽然可以看到很多2020年春夏系列的痕迹。可依然不能否认这次合作的意义，
一位东方服装设计师，一种西方艺术形式。更不要说演绎的是这样一部作品，对于不管作曲家还是设计师，还是已经百年的弗吉尼亚·伍尔芙来说，这都是一次完美的相遇。更是一场女性主义“战争”的胜利，一次精神上的划时代交流。
歌剧《奥兰多》剧照
Karl Lagerfeld for Chanel
2018年
芭蕾舞剧：Boléro《波莱罗》
《波莱罗》（Boléro）是法国作曲家莫里斯·拉威尔最后的一部舞曲作品，创作于1928年。这部作品是拉威尔受舞蹈家伊达·鲁宾斯坦委托而作。民间舞蹈风格的旋律是这部作品的基础。《波莱罗》原为西班牙舞曲名，但拉威尔所作的这部舞曲，只是借用了《波莱罗》的标题，实际上是一首自由的舞曲。故事很简单，讲述在一个西班牙小酒馆里，一位翩翩起舞的少女吸引了大家的注意，她用自己欢乐奔放的舞蹈，感染了在场的所有人。大家情不自禁跟着少女一起舞蹈，最后在一片欢乐之中故事结束了。
已故时装大师Karl Lagerfeld与身着他所设计的戏服的芭蕾舞演员们。
这大概是卡尔·拉格斐（Karl Lagerfeld）最后一次跨界戏剧舞台，在他漫长的职业生涯中，作为工作狂曾多次跟剧场和剧团合作。谁都没有想到，为这个轻快动人的少女设计芭蕾舞戏服，却成为卡尔·拉格斐的舞台绝唱。他说，拉威尔创作的《波莱罗》一直都是他最喜欢的古典乐之一。16岁的卡尔·拉格斐第一次买古典音乐唱片，就是拉威尔的《波莱罗》。在这次的戏服设计中，能够感受到Chanel冷静又热情的一面，穿在巴黎歌剧院芭蕾舞团女演员身上，再合适不过。
Christian Lacroix
2017年
芭蕾舞剧：A Midsummer Night's Dream《仲夏夜之梦》
门德尔松作曲的《仲夏夜之梦》芭蕾舞剧，故事剧本根据莎士比亚的喜剧《仲夏夜之梦》改编，被誉为新古典主义芭蕾舞剧的开山鼻祖。不管是作为戏剧的《仲夏夜之门》还是芭蕾舞剧的，任何一种艺术形式，在世界范围内都非常受欢迎。有趣的是，这部莎士比亚创作于16世纪的戏剧作品，在主题的探讨上甚至涉及女性主义的话题。其中伊丽莎白对于父权的挑战，成为后世津津乐道的情节之一。
芭蕾舞剧《仲夏夜之梦》剧照
拉克鲁瓦在没有以时装设计师身份工作的这几年，投身到了舞台艺术当中，如他自己所期望的一样。他非常钟爱德国哲学家尼采的一句话，大概的意思是，一个人应该拥有对于自己的混乱，用以献给会跳舞的星星。这大概是拉克鲁瓦喜欢舞台、喜欢戏剧最根本的原因。
工作中的拉克鲁瓦
《仲夏夜之梦》是他较为近期的作品，由巴黎歌剧院芭蕾舞团在巴黎的巴士底歌剧院上演。戏服的设计保持了Christian Lacroix一向的风格，华丽唯美，真的像是一场仲夏夜的美梦。
芭蕾舞剧《仲夏夜之梦》服装细节
Valentino Garavani
2016年
歌剧：La traviata《迷途归人》
瓦伦蒂诺·加拉瓦尼（Valentino Garavani）已经在2008年退休，不再做Valentino的创意总监。但在2016年，他为了这部《迷途归人》重出江湖。小仲马的著名小说《茶花女》在1853年被改编成歌剧，《迷途归人》。《茶花女》，在众多大部头的世界名著中，是最为凄美动人的存在。
所有人看这部作品，都会惋惜女主角的美人迟暮，也感叹她一生求而不得的无奈。也骂男主角渣男，不懂得女人捧上的一颗真心。那是时代的悲剧，是一个再也无法复制的故事。这部歌剧在2016年由《迷失东京》的女导演索菲亚·科波拉（Sofia Coppola）制作，在罗马歌剧院上演。
Valentino Garavani先生和时任Valentino创意总监之一的Maria Grazia在对一件戏服进行修改。
瓦伦蒂诺本人负责整部剧的戏服设计，当然包括女主角Violetta，一位生活在纸醉金迷里的名媛交际花。按照角色本来的生活方式，她的衣服就应该华丽至极。瓦伦蒂诺擅长华丽的时装，擅长这样的戏剧性，其中也有一条品牌钟爱的的红色长裙。
有时候设计师跟角色之间，冥冥之中似乎就有一种联系，让他们在不同的时空相遇，然后成就彼此。
瓦伦蒂诺设计手稿
Jean Paul Gaultier
2014年
现代芭蕾舞剧：Snow White《白雪公主》
世界上大概没有小女孩没有听过《白雪公主》的故事，一个皮肤像雪一样白净的公主，因为继母的嫉妒心，而吃下毒苹果，只能等待王子来吻醒自己。这个故事放在当下的时代语境中，已经非常过时。
现代芭蕾舞剧《白雪公主》剧照
现在的女孩，早已不会软弱到只能躺下等王子来救自己。我们对于这样一个经典的故事，开始有了更多新的解读。比如我们好奇作为继母的心情，她为什么会嫉妒成狂，她到底经历过什么。
现代芭蕾舞剧《白雪公主》剧照
高缇耶作为上个世界末最疯狂的设计师之一，其一路以来叛逆坏小子的形象跟《白雪公主》这么玛丽苏的故事，似乎极其不搭调。但高缇耶在采访中表示，这次由纽约现代舞编舞家安杰林·普雷祖卡新编的《白雪公主》，在最初联系他的时候，他就已经有了画面感。他也说，跟设计自己的系列不一样，在创作新一季时装的时候，设计师自己一个人既是编曲也是导演还是剧本。但在设计戏服的时候，就要遵循一个团队的概念。
现代芭蕾舞剧《白雪公主》剧照
Prada
2010年
歌剧：Attila《阿提拉》
《阿提拉》是意大利著名作曲家威尔第的歌剧作品。历史上阿提拉是一位匈人帝国的领袖和皇帝，他在公元425年率兵入侵意大利。而整部歌剧的故事并不是关于阿提拉多么骁勇善战，而是关于意大利公主欧达贝拉，如何在成为阿提拉俘虏之后，依然不卑不亢，为夫报仇的故事。
歌剧《阿提拉》剧照
这次由纽约歌剧院上演的《阿提拉》，更加深刻地讨论了这部歌剧里探讨的问题：种族和信仰、政治和个人、自由和民主。这大概也是吸引缪西娅·普拉达（Miuccia Prada）的原因，这毕竟是设计师第一次跟舞台戏剧的亲密接触。
歌剧《阿提拉》剧照
缪西娅设计的戏服让这部古老的歌剧变得更加有活力，并与我们所处的时代更加紧密相连。她的设计包括一件阿提拉所穿着的仿旧皮革长外套，上面涂着生锈的棕色和黑色调，让人想起品牌2009年秋冬系列。部落羽毛单车头盔以及落满尘土的麻袋状面料的戏服，让人不仅联想到角色周围的废墟的颜色，也看到了一点Miu Miu在2009年春夏的设计。作为意大利人的缪西娅，对于这个故事的感情和理解，应该要比别人更加深刻。
歌剧《阿提拉》剧照
Viktor & Rolf
2009年
歌剧：Der Freischütz《自由射手》
《自由射手》是德国作曲家韦伯的代表作，全剧共三幕，于1821年6月21日在柏林皇家歌剧院作首演。在德国民间传说里面，“Der Freischütz”指的是百发百中的射手，因为他拥有神奇的魔弹。这是一个关于正义的故事，射手马克为了让自己在比赛当中获胜，就跟魔鬼做了交易，以此满足自己的虚荣心。最后在庄园主的逼问之下，主角才承认了这一事实。但大家最后都觉得要给马克一个改过自新的机会，而马克也发誓再也不会背弃正义。
歌剧《自由射手》剧照
来自荷兰的设计师组合Viktor & Rolf，在年轻一辈的设计师中，戏剧张力十足。品牌2013年开始在巴黎发布高级定制系列，曾经在2014年春夏系列中，全场都让荷兰国家芭蕾舞团的芭蕾舞演员作为模特出场。为《自由射手》设计戏服，也是他们第二次走进剧场。这次的设计贯穿了设计师的风格，庞大的花朵一味围绕着演员。试穿时候，歌剧演员都忍不住抱怨，穿这个上台演出非常具有挑战性。
歌剧《自由射手》剧照
Yves Saint Laurent
1965年
芭蕾舞剧：Notre-Dame de Paris《巴黎圣母院》
《巴黎圣母院》感动了几代人，大家为这个钟楼怪人惋惜，为他哭泣，为他所遭遇的一切鸣不平。雨果的这部作品，为这座本来就属世界文明的圣母院，平添了一份温柔的叹息。法国著名编导罗兰·珀蒂（Roland Petit）将这部动人的小说搬上巴黎歌剧院的舞台，一演就是五十多年。
芭蕾舞剧《巴黎圣母院》剧照
连伊夫·圣罗兰（Yves Saint Laurent）自己都说，从来没想过自己的设计会在歌剧院舞台上停留这么长的时间。这可能也是时装设计师跟戏服设计师之间的区别，时装早晚都会过时，过时之后的经典设计，常常只能在戒备森严的博物馆里看见。可如果是戏服，一部戏可能将世世代代地演下去，同时这些戏服也将被传承。五十年前的设计，在21世纪依然活跃于舞台之上，直到2014年这部舞剧才正式封箱。在时间的长河中，也算告慰了这位伟大设计师的在天之灵。
被演员们簇拥的Yves Saint Laurent
如今圣罗兰设计的《巴黎圣母院》戏服已经成为经典，但在当时，是非常创新和现代的，每一个细节都充满了想象力。在采访中，圣罗兰说，他希望这些衣服的颜色，都能像圣母院墙上的花玻璃一样。他希望反映编导“永远年轻”的、时间停滞的概念，他从很多中世纪的人物中获取灵感，来为这部当时看来并不传统的芭蕾舞剧设计衣服。
Yves Saint Laurent的设计手稿
Coco Chanel
1924年
芭蕾舞剧：Le Train Bleu《蓝色列车》
早在1924年，年轻的可可·香奈尔（Coco Chanel）就为巴黎的俄罗斯芭蕾舞团设计过戏服，该舞剧即《蓝色列车》。在那个年代，巴黎先锋的文艺圈子，似乎大家都有来往。俄罗斯芭蕾舞团，本来就是一个现象级的存在。他们跟俄罗斯并没有任何关系，只是觉得这个名字充满了异域风情，所以叫俄罗斯芭蕾舞团。他们在巴黎演出一些颠覆性的作品，这在当时非常先锋前卫。而《蓝色列车》正是俄罗斯芭蕾舞团的代表作，这部芭蕾舞剧几乎汇聚了当时最先锋的艺术家们：布景来自毕加索，服装来自香奈尔。
芭蕾舞剧《蓝色列车》剧照
这部舞剧弥漫着上个世界20年代法国享乐主义的生活气息，香奈尔在当时也深谙这种生活方式，针织面料的衣服不仅仅让芭蕾舞演员方便活动，更是体现了当时法国自由主义的精神。无论男女，自由地在海岸旁边嬉戏，为“咆哮的二十年代”添砖加瓦。
Gabrielle Chanel女士所绘的设计手稿
在毕加索绘制的巨幅幕布前，演员们穿着蓝白条纹的优雅的香奈尔时装翩翩起舞，散发着关于未来的神秘气息。可惜《蓝色列车》这部芭蕾舞剧，已经迷失在时光之中，而我们只能凭借自己的想象力，来回味那样一个疯狂的年代。
演员们穿着优雅的香奈尔时装翩翩起舞。
撰文／卢笛 编辑／叶超 William Yeh
设计／Lushengyu 新媒体设计/Coka
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