2月2日，有英國奧斯卡之稱的英國學院獎公佈。戰爭片《1917》 拿下最佳影片、最佳英國本土電影、最佳導演三項大獎，另外還拿到了包括最佳攝影、藝術指導、音效、視覺特效四項技術性大獎。
而在之前的金球獎上，它已經拿下了劇情類最佳影片和最佳導演兩項大獎。原以為《1917》會將本屆奧斯卡最佳影片和最佳導演收入囊中，卻不想《寄生蟲》強勢殺出，最終《1917》只收獲了最佳音響效果、最佳攝影、最佳視覺效果三項技術性大獎。
但這並不妨礙《1917》成為近幾年來最好的戰爭類型片。從震撼的視覺效果到詩意盎然的潛文本，它都值得留名影史。
視覺突破：一鏡到底的魅力
《1917》又是一部“輕”故事，“重”敘事的實驗性影片。
很多人評價它是自史蒂文·斯皮爾伯格的《拯救大兵瑞恩》之後，最好的戰爭類型片。《拯救大兵瑞恩》靠手持攝影以及開場幾分鐘裡，氣勢恢弘的諾曼底登陸戰一戰封神。同為戰爭史詩的《1917》在戰爭場面上並沒有做到“氣吞山河”之勢，而是以巧取勝，靠著神乎其乎的“一鏡到底”實現了敘事上突破。
規避視覺特效，而選擇實景拍攝一直是攝影師們追求的核心。所以，
“金牌攝影師”羅傑·狄金斯在薩姆·門德斯的《1917》中選擇了真實的爆炸和大火。多產的羅傑·狄金斯曾獲得四座英國電影學院獎和一座奧斯卡獎（《銀翼殺手2049》），自《1984》出道以來，他一直是電影攝影界頗具影響力的人物。為了帶給觀眾不一樣的戰場體驗，他在《1917》裡使用了“實時拍攝”的方法，讓電影的時間流逝速度與現實一樣，以製造出更為真實的臨場感。
為此，整個劇組得先建造比例模型，模擬攝像機移動的路線和時間，然後再根據彩排挖掘長達一公里的戰壕。這樣一來，光是前期準備就花費了長達4個月的時間。
影片大概有60%是用一個穩定式遙控雲臺拍攝，有些是在傳統的斯坦尼康上完成，甚至還動用了無人機。為了保持鏡頭的連貫性，減少剪輯的痕跡，有時鏡頭吊在威亞上移動，有時它從威亞上被拿下來，然後有人扛著它、或扛著它拍。
另外，作為一部幾乎純外景拍攝的電影，劇組每天都得就著天氣情況改變拍攝進程，儘量在多雲的天氣下開拍，晴天或其他天氣狀況下就只能變成走位彩排。
再加上拍攝過程中遇到的種種困難，導演及整個劇組最終能完成這部119分鐘“一鏡到底”電影，的確相當不易。
“一鏡到底”對於《1917》並非一場“科技炫技”，它的運用改變了電影長達百年的古典敘事法則和鏡頭表達技巧。
節奏感：張弛有度
《1917》的故事非常簡單，第一次世界大戰期間，兩個“不起眼”的英國小兵被上級安排了一個傳遞重要消息的任務。如果這句簡短的話能帶到，就能拯救1600多名英國士兵的生命。
而想要傳遞到這句話，兩位英國士兵需要穿過英德軍隊對峙的戰場，甚至從德方的戰壕隧道通過，進入到德國控制的城市，最後才能抵達英國部隊駐紮的地方。更可怕的是，他們不光要克服空間上的重重阻礙，連時間也是他們的敵人。因為從接受任務到完成傳話，他們只有短短的“兩天一夜”。
從影片開始到結束，觀眾的視角都被拼接的“偽”長鏡頭牢牢吸引。通過後期處理，幾乎很難察覺剪輯痕跡，一鏡到底的效果非常流暢，甚至有一些遊戲特效般的“失真”感覺。
這種“失真”感不是指鏡頭的建構本質，或者通常說的“看起來很假”，而是這種鏡頭表達方式，挑戰了傳統電影的敘事模式，讓人感到非常震驚和新奇。
而且《1917》的一鏡到底不光是空間上的位移，同時也體現在了時間的同構上，因為“實時拍攝”將敘事時間和觀眾感知的現實時間故意同步，於是鏡頭移動的速率、以及移動時造成的模糊效果，都會讓大部分觀眾感到不太一樣。
一鏡到底帶來的真實感、新奇感，正是《1917》希望給電影帶來的革新效果。視覺上的感知能被觀眾輕易感受到，但電影始終需要講故事，敘事技巧必須因為鏡頭語言的改變而進行調整。在《1917》中，
故事的衝突體現為敘事的節奏感。第一幕中，兩人穿越屍橫遍野的戰場，來到空蕩蕩的敵方壕溝，進入到死寂的隧道，節奏一直很平穩。
這種刻意的、持續的“壓低”就是為了猛然迸發的幾個燃點能夠威力十足。兩人剛進入隧道，老鼠就如影隨形，在兩人的對話裡，鏡頭中反覆出現，這些一開始就埋下了伏筆，在老鼠因為貪吃而突然引爆詭雷的一刻，瞬間把故事氛圍推向了燃點。
這種敘事上的“落差”技巧，通過環境和聲效有效地鋪陳開來。下一場戲中，前一幕還是士兵在破舊的農場小屋裡倒牛奶，緊接著下一幕就是被擊落的戰機，失控撞向了兩位士兵所在的農場。聲效上的由遠及近，一鏡到底下的視角範圍由小及大，提高了敘事的衝突感，張弛有度的敘事節奏讓“一鏡到底”不會因為失去了剪輯而顯得過於單調和貧乏。
信息量：血腥和詩意並存
《1917》因為“一鏡到底”而顯得分外逼真，但也因此犧牲了信息量，無法和《拯救大兵瑞恩》一樣，通過一個鏡頭去呈現更為龐大的戰場。
《1917》的信息量來自畫面不斷移動後的細節上，這些細節在第一遍看片時很容易被忽視，他們往往處於畫面的邊緣處，它們拼湊出了戰爭殘酷和血腥的一面，把觀眾從人間拉入到了地獄入口的邊緣。其實“一鏡到底”的《1917》最具魅力的地方在於，將美學與戰爭這兩個看似不相干的主題完美融合，在技術先行的基礎上，為當代觀眾提供了察看一戰故事的新角度。
甚至可以說，披著戰爭片外殼的《1917》，骨子裡是一部充斥著浪漫主義情懷和深度文本隱喻的但丁神曲。電影進行到約1小時6分鐘處，出現了一個明顯的剪輯點，幾秒時間長的完全黑屏。
當被擊暈的男主角士兵再度醒來，夜幕降臨，自然主義讓位於超現實主義。鏡頭以一個反直覺的視角，直接躍出窗外，開啟了下半場的“但丁史詩”。
渡過“冥河”的士兵在閃光與黑夜間穿梭，路過廢墟與陰影。
氣喘吁吁，眼淚模糊，一路奔跑，身後的死神正向他張牙舞爪。
這段令人屏氣凝神的逃跑之後，導演讓士兵與一位當地女性發生了對話。兩人的語言無法溝通，但一個陌生的嬰兒卻將兩人的關係拉近。士兵獻出了牛奶和食品，女人依依不捨的挽留，但黎明破曉，士兵必須完成任務，於是再次踏上了危險的征程。
《1917》的敘事中，空間的轉換非常明顯，是幕與幕之間的天然切割點。而意大利詩人但丁創作的長詩《神曲》也分為《地獄》、《煉獄》和《天堂》，長詩敘述了但丁在“人生的中途”所做的一個夢，假想他作為一名活人在冥府進行的一次恐怖遊歷。
一路上，但丁和所遇到的有名的靈魂交談，包括歷史上好的和壞的著名人物，作者將自己欽佩和厭惡的人物分門別類。《神曲》的文本結構和大段對話凸顯了詩與隱喻的親密關係，“詩為隱喻說”的偉大歷史價值在於，它以極其廣闊的畫面，通過對詩人幻遊過程中遇到的上百個各種類型的人物的描寫，反映出意大利從中世紀向近代過渡的轉折時期的現實生活和各個領域發生的社會、政治變革，透露了新時代的新思想，即人文主義的曙光。而《1917》通過“一鏡到底”，並非想還原“戰爭”，長鏡頭的作用，在於引導我們體驗戰爭的恐怖。
仔細品味《1917》的結構和敘事模式，完全可以把它看作技術神話下的現代版《神曲》。片尾，士兵好不容易把口信送到，但軍官卻說，“給人希望是恐怖的，今天停止攻擊，明天又會收到新的命令，戰爭結束的唯一方式是戰鬥到底。”
黑暗中，我看到令我瞠目的景象，兩隊人使盡全力滾著碩大的圓形重物，面對面相互衝刺撞擊。一方叫罵“你們為何不肯放棄？”另一方回擊“你們為何放手丟棄？”
重物撞擊的疼痛，令兩方發出驚人的哀嚎聲。但是，無論多麼痛苦與疲倦，彼此的攻擊卻無法停止。
而《1917》的長鏡頭裡，時隱時現的士兵屍體，血腥的戰爭痕跡又如《神曲》中所寫的那樣：
我走進一座寬闊的墳場，密集的墳丘讓地表起伏不平。棺材都敞開著，裡面有烈焰燃燒，傳來悲鳴之聲。走在林立的墓碑間，我想，也許有我認識的人或者曾經認識的人，正在受煎熬。
當然，《1917》在殘酷和血腥中也流淌著浪漫的詩意。比如“花”和“樹”的隱喻多次出現。
故事從兩位在樹下休憩的士兵開始，結尾是經歷磨難的士兵，獨自回到樹下。
物是人非，從人間到地獄，再重回人間的士兵，想必會無比珍惜此時此刻的安逸和寧靜。
不管是從敘事手法的新穎程度、技術奇蹟的實現，還是引發觀眾對這場百年之前的戰爭的關注與回顧來說，《1917》都加分太多。自《西線無戰事》獲得第3屆奧斯卡的最佳影片獎以來，戰爭片一共拿下過12次奧斯卡“最佳”。《1917》並非最好的戰爭片，但它利用技術，成功將戰爭和詩意融合，將浪漫主義的子彈裝入了戰爭史詩的類型槍械裡。
它的出現，至少讓戰爭片有了榮光返照的時刻。
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