人之所以跳舞是為了尋求自由的精神，舞蹈不僅僅是肢體的運動，更是為了尋找內在的生命而運動，就像自然界中的海浪一樣起伏不定、不斷生成的精神運動。
真正的時尚也是這樣！尋求一種內在精神與外在形式相融合的個性表達。時尚與舞蹈之間一直存在著令人難以置信的歷史性的對話關係，它們的關係從19世紀30年代至40年代浪漫的芭蕾舞時代就展開了帷幕。一位來自奧地利芭蕾舞者Fanny Elssler（芬妮·艾斯勒）穿著罕見的西班牙風格的服裝伴隨了那個時代的時尚；迪奧1947年的“新風貌New Look"就是受了那時浪漫的芭蕾舞裙的啟發。
芭蕾舞在世界各地越來越受歡迎後，它的服裝開始轉變成更具藝術感、時髦感、舒適感。美國著名的舞蹈家伊莎多拉·鄧肯就是規範穿衣的逆反者之一，她拒絕穿當時舞蹈界公認的緊身胸衣，崇尚反傳統的垂褶長袍裙。正因為她的逆反傾向，舞蹈服的標準才得以寬鬆，還催生出現代舞蹈的時尚。另一邊，在那束縛緊身胸衣的年代中，偉大的時裝設計師保羅·波烈汲取了俄派芭蕾 (Ballets Russes)的舞蹈服，為時尚界開闢出一種由sultana裙、哈倫褲與頭巾組合的新審美觀。
偉大的音樂蘊含著生命的起伏運動，而這種運動又和自然相協調。真正的舞蹈關乎著女性原始力量和自然節奏的迴歸。舞蹈這種藝術，是領略身體和運動的美。女性的身體並非是被觀賞的對象，而是一種女性思想與靈魂的載體。——伊莎多拉·鄧肯
19世紀初，歐洲文化中，出現了一種以社交為主的舞蹈派對。這種新型的舞蹈獻給了華爾茲，作為歐美資產階級活動而發展，在那時的社會、心理與物質上，華爾茲舞的形式迎合了摩登的生活方式。兩人舞蹈的活動增強了參加者對穿著協調的樂趣，舞會的時尚促成了社交禮儀中一個極其重要的穿衣規範。
世紀之交的阿根廷誕生了一種探戈的現代舞，在歐洲與非洲移民中蓬勃發展。早期的舞蹈沒有過多身體的接觸，探戈的新鮮感吸引了當時人們的興趣。它感性的節奏和熱情的身體接觸，形成鮮明的性內涵，以致在初期時被列入非正常活動，限於妓女和皮條客之間。當探戈被合法化後，很快在巴黎上流社會接受。這種“性”形式的新舞蹈同樣也需要適宜的時尚，它基於晚間的時尚，著裝需求更為緊身，還點綴上閃耀的亮片與鑽石，來體現它的奢靡。21世紀初，影片《紅磨坊》裡的場景提升了探戈的時尚。
晚禮服的時代或許得感謝20世紀20年代被譽為“黑珍珠的美國舞蹈家約瑟芬·貝克（Josephine Baker）。她以極為赤裸的著裝出場於巴黎的某場表演，在遭受諸多的非議中一鳴驚人。雖然臭名昭著，但作家海明威的眼裡——不管是在過去、現在、還是將來，她都將是最漂亮的女人；畫家畢加索也醉倒在她迷人的魅力。接下來的十年間，通過作家與藝術家們的詮釋，聞名於世的性感表演漸漸被認可。她精心打造得舞臺裝也受到了熱烈的歡迎，成為時尚前沿的泉眼；她所塑造的新文化撬開了時尚的枷鎖，她的舞蹈成就了新時代的晚禮服。
好萊塢銀屏上的舞蹈風格開始流向現實生活，它的文化與魅力概念推動了美式的舞蹈文化，進而也影響到了時尚需求。一種被稱為“查爾斯頓”的搖擺舞，身著輕柔的長流蘇裙，成為人們在咆哮二十年代中生活方式的一部分。1928年影片《我們跳舞的姑娘們》與1929年《摩登女郎》都代表了裝飾性藝術風格的處女秀，感染了之後的時尚構造。痛苦的經濟大蕭條中，以娛樂為宗旨的舞蹈“馬拉松”成為當時社交俱樂部最受歡迎的舞蹈。時裝公司為這些活動做了廣告，同時推廣了相應的時尚商品。
《我們跳舞的姑娘們》
《摩登女郎》
“搖擺時代”中，“查爾斯頓”舞蹈衍生出另一種搖擺舞——林迪舞（Lindy Hop)，它也是後來從幾百種搖擺舞中得以倖存的主要風格之一。興起於1926年紐約黑人區的某個舞廳，1930年代導向上流社會的派對。林迪舞的時尚也隨之流行起來，對於女裝，通常是帶泡泡袖的收腰式棉質襯衫，搭配A型裙，下身裙有時還設有可脫卸的揹帶；男裝方面，主要是以馬夾與相匹配的高腰褲組搭。
1940年代，電影院播放得好萊塢影片，大多以工人階級的價值為主，而富裕的上流人士則更願意享受百老匯現場表演的音樂劇。自50年代電視機的普遍，電影院的觀眾人數急劇下降。好萊塢考慮到拮据的經濟狀況，開始向百老匯借取著名的音樂劇進行改編，現場音樂劇的妝容與服飾也隨之被搬到了影視裡。影視劇本的轉向感染了觀眾們日常生活的時尚，許多百貨商店在影片發佈的同時出售著劇中的舞蹈戲服。比如，1961年改編自“羅密歐與朱麗葉”的《西區故事》中男主的戲服。
在美國20世紀50年代中期，許多倍受家庭寵愛的青少年因為不願意走父母為自己安排好的道路，結成了一股強大的力量，用自己的聲音與激昂的舞動將逆反的心聲演澤出一種簡單、有力、直白的搖滾音樂風。這種遠離兩人之舞的自由形式推行了格子襯衫和牛仔褲的風格。這種風格吸引了許多服裝設計師，他們紛紛從搖滾音樂裡汲取不同的創作靈感，設計出與搖滾風融合的時尚服飾。
直到60年代末70年代初，一種特定的舞蹈形式宣告終結，另一種隨性扭動身體的形式衍生出迪斯科文化。這種舞蹈的出現對時尚界也產生了功不可沒的貢獻。典型的例子-如1977年《週末夜狂熱》裡男主“約翰·特拉沃爾塔 ”白色的著裝，這風格成了許多時裝設計師們不朽的靈感。
《週末夜狂熱》
20世紀80年代初，美國紐約街頭盛行了一種來自黑人文化的嘻哈風潮。這種鬆垮肥大的運動風，通過街頭舞者的文化傳播，以驚人的速度佔據了運動休閒風的領域。嘻哈風在它枉顧的時代中，隨性、任性、極度強調著個人的意識形態。一些設計師借用這種炫出自我的著裝心態，在他們的過濾下，創造出了一種爽朗的個性特色。把持這種嘻哈時尚的設計師，Tommy Hifiger算是成功案例之一，他融會了嘻哈文化，製作出被市場認可的特性的時尚休閒風。對他而言，美感必須是帶點輕鬆，帶點運動感。
80年代中期，以舞蹈為基調的歌星，如邁克·傑克遜、麥當娜，他們顛覆了音樂的傳統形式，製作出具有威懾力的MV風格。MV是由歌曲、舞蹈、特效場景及時尚組合而成，廣泛地向大眾傳播流行。新一代樂隊受到了他們的薰陶，也開創出他們自己主流的時尚潮。就比如21世紀初的后街男孩、辣妹合唱團（Spice Girls）、小甜甜布蘭妮等歌星樂隊，運用酷炫耀眼、露骨性感的時尚裝備，混合當代的音樂、舞蹈，打造出他們自己的名人風格。他們出眾的名人風格常常被時裝設計師們視為靈感繆斯。
時尚與舞蹈，這兩種藝術形式的交叉點，都集中在研究自然的身體與人體的運動。一些時裝設計師認為，舞蹈是一種極具故事性的表達形式，它可以更好地傳達作品背後的啟示，引領觀眾更多的情感反應。舞蹈不僅僅是在娛樂，它們能讓你陷入對穿著的思考，激發出某種想法，還可以演示出服裝的功能性。
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