細心觀眾會發現，春晚小品舞臺上，逐漸失去了東北系“二人轉”演員身影。隨著趙本山、潘長江等老一輩演員走下舞臺，後繼演員卻沒有及時接過接力棒。反觀這兩年的春晚，開心麻花卻異軍突起，開心麻花是2003年成立的，他們憑藉娛樂大眾的精神，首創了“賀歲舞臺劇”，近些年創作出了30多部經典的舞臺喜劇，多數都受到觀眾的喜愛。
核心的舞臺劇
整個團隊採用了現代化管理方式，採用了股東大會、董事會、監事會“三會”的管理模式，除了北京的總公司以外，在全國有8家分公司，旗下的人員達到400多人。從第一場演出只有7位觀眾，到目前達到幾百人的演出團隊，從之前的送票，到現在的一票難求，開心麻花一直在運營模式上尋求突破。不管形式上如何改變，開心麻花內容為王的本質，一點都沒有改變。
作為中國喜劇市場的先鋒，開心麻花的核心是舞臺劇，他們擁有者清晰的產品定位，能夠準確把握核心的受眾心理，同時用科學的機制來打磨產品，並且堅持作品的原創性。
如今網絡上段子層出不窮，觀眾似乎對喜劇已經麻木了，在這樣的市場環境下，很多文藝作品都難以把握市場的方向。如果一味追求市場效應，那麼就會缺乏足夠有誠意的作品，做觀眾喜歡的同時，還要做出超出他們期待的作品。
2016年開心麻花在調查當中發現，經常觀看他們的觀眾，絕大部分都是白領、高管以及企業主，有一半的觀眾在28-35歲之間，其中26%是為了娛樂，27%是為了減壓。
在如此繁忙的大都市當中，每個人的工作都非常繁忙，精神壓力也非常大。因此看一場演出，更加傾向於輕鬆的喜劇，同時也不希望掉入庸俗的俗套當中。
開心麻花作品選材十分有講究，首先根據市場的熱詞進行選題，還會參考編劇公司的推薦。之後由藝術委員會召開立項會議，通常委員會是由公司高管、藝術界的學者，還有演員等，他們會從不同的角度對劇本的創作進行評審。
如果選題不通過，那麼就必須重新修改或者捨棄。如果是選題通過了，那麼公司就會按照選題準備下一階段的創作，經過這樣的層層篩選，保證作品選題的正確性。
開心麻花在劇目的創作上一直秉承著自身的原創性，他們內部的編劇說，他們所有的包袱，幾乎都是出自早間新聞，時常利用時下的熱點，融入到喜劇當中。而且每到一個地方，開心麻花還會融入當地美食和方言。早期東北二人轉曾經風靡全國，但是因為作品內容一直無法擺脫重複性，導致市場效應逐漸衰落。
開心麻花除了劇本要求原創性以及時效性外，同時讓每一部作品和觀眾一起打磨。導演和觀眾一起坐在觀眾席，聽觀眾的反饋。早年香港電影，很多導演會在午夜場，坐在觀眾中間，聽取觀眾的反饋，以便在之後的作品當中改進。
因此開心麻花的作品，在每一場演出之後，都會發生變動，因為當天晚上他們就會及時修改。這樣一部作品在打磨了20場、30場之後，整個作品就成熟了。
開心麻花利用大數據，很熟悉自己的觀眾在哪兒，以及如何觸達觀眾，因此在廣告投放上，會進行精準打擊，減少不必要的廣告費用，降低運營成本。
而且開心麻花非常重視存量用戶，也就是老觀眾，這也是為什麼每次演出，即使同一個劇目，也會有不同表演形式，這就是留住老觀眾的策略。
影視改編
開心麻花也是第一個嘗試用產業鏈的方式打造自己的喜劇帝國，當一個劇目在劇場打磨成熟之後，便開始試水電影市場，走向更大範圍的觀眾。
《夏洛特煩惱》、《驢得水》、《羞羞的鐵拳》等都在舞臺劇和電影上，獲得不錯的成績。其中《夏洛特煩惱》票房14億，《羞羞的鐵拳》22億，在中國喜劇片市場上獲得一席之地。
之前中國的喜劇片市場，大概有以下幾種模式，周星馳式的無厘頭喜劇；馮氏的“京味”賀歲喜劇；甯浩的小成本黑色喜劇。開心麻花沒有追求大片的特效，而是充分利用自己話劇舞臺積累下來的優質作品，然後用電影藝術的方式呈現給觀眾。尤其是《驢得水》，幾乎是話劇舞臺換了個空間，但是作品當中辛辣諷刺，依然讓觀眾大呼過癮。
無論是相聲、小品還是話劇，如果想要達到喜劇效果，諷刺、揶揄是必不可少的元素。魯迅說：“喜劇將無價值的撕破臉給人看，譏諷又不過是喜劇的簡化”。喜劇針砭社會，把現實當中醜惡的東西無情揭示出來，引人發笑的同時，也讓人產生思考。
比如在《夏洛特煩惱》中，比賽一等獎作文題目是《我們的區長父親》，不由得逗觀眾會心地一笑，戳中了當下社會不公平現象，引發人們關於“拼爹”的思考。
在《羞羞的鐵拳》當中，更是借愛迪生打假拳，來諷刺現在的體育比賽，背離體育精神，劇中那些“是證據不足還是上面有人打招呼了”，還有開直播“鐵鍋燉自己”等，都在暗諷當下的社會亂象。
喜劇不僅僅是逗觀眾一笑，喜劇的背後時常藏著悲劇，這就是給觀眾帶來的“驚喜”。雖然我們身處在這個喜劇的時代，笑料充斥著我們的生活，但是還需要留下更多的思考。
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