在现实生活中，人们往往对许多绘画大师的作品，发出这样的疑问：“画得一点儿都不像，为什么还都说好？”要弄清楚这个问题，我们就不得不了解一下绘画史。
无论是东方还是西方的绘画，最初的作用，无非是“立像存照”，“褒贬善恶”。对人们的日常言行加以评判和引导。这时的绘画与政治联系紧密。统治者利用绘画来达到自己想要的宣传和惩戒的目的。
到了后来，一些艺术家发觉绘画不仅可以服务于社会，同时也可以用来宣泄自己的情感。这就迫切需要有一种能够“急就章”，易于掌握的绘画方法，来达到这种目的。写意画的尚意轻形，不重法度正符合了这一潮流。
然而每个人对世界的认知是不尽相同的，一千个人就有一千双眼睛，从不同的角度打量着这个世界。由于进入角度不同，这个世界的面貌也就各异。以手中的画笔，反映出自己心中的世界，成为后来绘画的方向。这个认识以中国画为代表的东方艺术，早于西方绘画艺术几百年。这不是标榜，而是事实。
但是西方艺术家们最终还是发觉了这个问题。于是从18世纪开始，西方绘画出现了强调个人感觉的画派，如印象派、野兽派、立体派、等等。这些画派都以一种个人观点强烈，不同于流俗的方法作画。我们把它们统称为抽象画派。
抽象画派不同于写实画派，他们都有一个共同的特点，那就是完全以个人的理解来诠释这个世界。在中国古代以米芾、苏轼、八大山人，徐青藤、石涛为代表。在西方则以马蒂斯、莫奈、梵高为标志。这些大师们用他们手中的画笔，向观众呈现他们观察到的真实世界。而为了得到这种真实，一些艺术家们做出了许多惊人之举。
透纳为了寻求自己的真实，把自己绑在船的桅杆上面，到海浪中体会狂风巨浪的威力。在奔驰的列车上，他长时间探出半个身子，感受风驰电掣的速度。梵高为了感受幻觉下的世界，他将颜料作为致幻剂，吞下了整罐的颜料，差一点为此送了老命。
与西方画家们的疯狂相比，中国的画家们安静了许多。他们用长时间的，坐在书斋中的思考，代替了以命相博的探索。书斋中思考的结果是苏轼尝试出，以阅改文案的朱砂画竹，人称“朱竹”，这已完全抛开了物象的真实色彩，纯粹是以自己的意象在作画。不要小看这一枝朱竹，那是艺术家以“我心为宗”思想的萌芽。此后徐渭用水墨点画出晶莹的葡萄，畅快人意的人物。将墨分五彩诠释的淋漓尽致。
因此哲人们说，追求真理的方法有两个：一是实践，二是思考。而时间这个评判官给出了自己的回答：“这个自然本就是多姿多彩的，艺术家们尽可以根据自己的感受，任意的挥洒自己的画笔”。因此艺术家们笔下的真实 ，已不完全等同于寻常人生活中的真实。
后来毕加索五官不整的人物、齐白石的红花墨叶、陈子庄的憨态可掬的小鸡、小鸭皆得到大家的欢迎。这些大师们笔下的作品，也并非全是真实的自然，但是我们依然感觉，它们是那样的生动有趣。
在媒介对艺术品的褒扬时，常常用一个词汇“栩栩如生”，而很少用简直像什么什么来表达。因为这个“生”可以是意象神态的象，而不单单指外形的酷似。了解这一点，就能帮助我们更好的理解、欣赏中外大师们的作品。
达到“是而非似”这一境界，东西方绘画遭遇了不同的对待。在中国最先倡议绘画“尚意不尚形”的欧阳修、苏轼等既是文坛领袖，又是朝中显贵。因此迅速得到了朝野的响应。此后写意精神便一直持续地影响着中国绘画。
而在西方印象派诞生时，却受到画坛主流舆论的攻击。印象派的代表人物莫奈，在他喜爱的画家透纳的抽象画法的影响下，带着他创作的一幅作品参展，便被讥讽为“连未完成的草稿都不如”的作品。这幅作品便是后来声名远扬的《印象、日出》。“印象派”也是在一片骂声中得名。幸而莫奈坚持住了自己的艺术追求，并且以此成功征服了世界。东西方的艺术家们终于还是殊途同归，开始了各自的尚意之旅。
绘画发展到了今天，更是放弃了对形象酷似的追求。如果说要求象的话，没有谁能够超过工业产品。照相机、摄像机、扫描仪再加上现在的3d打印，你要多象都能给你做出来。但是这些是产品而非艺术品。艺术品，必须要有自己主观的精神意蕴。现代的艺术家们将他总结为：艺术源于生活，而高于生活。这就是艺术真实与生活真实的差别。
现在东西方的艺术家们，对绘画的理解更加多样化。它可以没有具体的造型，也可以脱离真实的形体很多，只要具有强烈的感染力，成熟的表现手法，就可能得到人们的追捧和认可。
故陈子庄说：“画贵有自己。”而那些到现在仍在追求以似为真的画家们，无疑还没有认识到这一点。因此也就难以成就卓越。閱讀更多 雲淡風清29 的文章
