影影圈圈

国画要体现“笔墨神韵”只需做到三点。

笔法

国画中异常讲究用笔，同书法一样，“一波三折”有不同的用笔方法，一条线，它里边有极大的内涵和信息量，是沉稳，厚重还是轻率，是“屋漏痕”“破竹”“掠过”等，这是运笔快慢所产生不同的线条。

如画大写意，一定是畅快淋漓的感觉，线条上就不拘泥于法度，就要画的快速而稳重。小写意就有一些添笔，刻画细节。工笔画则丝丝入扣，精微用笔之妙，分轻重，阴阳，迟涩等等。这些画的种类都离不开通过用笔的法度来体现神韵。

墨法

国画多讲“墨分五色”“枯湿浓淡”。而自古历代画家，以墨画出五色者皆无可能。所谓五色，我的理解不过是画出丰富的层次关系，借以提现空间感体积感。所以墨色只是“黑白灰”的关系对比。如果你说这是素描，那么我告诉你，素描除了黑白灰，更关键的是，它只遵循光影关系。而国画的黑白灰只遵循墨色对比，融入画家当时情绪，不讲究透视原理的，而

色彩

著名山水画大家陈克永先生说过：“宣纸是为淡墨而生的，国画因淡墨而活，亦因淡墨而死”。自古以来，淡墨被画家们界为一种色彩。画好墨稿，上色是关键，一幅画到了最后的创作阶段，这个过程称为：再创作！

国画作品之要表现的主题，多在色彩，如画春景，那么桃红、绿柳、春水就是色彩构成，夏天景色，则深绿，急流，繁茂之趣是其色彩，秋冬亦各有其色。而这些景色的用色之道更为讲究，国画用色之道，在于以淡胜浓，以管窥豹，以洞见色彩玄妙。国画的神韵，不在于大片点染，而在于寥寥几点以篇概全。山川草泽，多以淡石，淡青渲染之。达到色不碍墨，使画面具有笔韵、墨韵、色韵最为佳品！

中国画的神韵，多不外呼几种，也有其他考量因素，如时代感，题材等也是重中之重。其运用之妙，只能存乎一心，神韵之法，悟在其心。

云南怪客

笔是用笔，墨用墨，神是神彩，精神，韵是气韵，气之气势，韵是韵律，通扁协调，不有梗阻。

一张良方

中国绘画的最显著特点，是以墨线为基础。中国画家不仅用它来表现一切物象的轮廓、明暗、质感，而且还用它来揭示物象的内在精神和画家的思想感情。因此中国画的线条具有一定的独立的美学价值。清代大画家石涛，提出“一画论”的观点，他说：“一画者，众有之本，万象之根。”中国画家就是运用一管柔毫，通过种种不同性质的墨线，为大千世界传神写照的。所以，如何用笔画线，就成了能否画好中国画的首要问题。

南齐谢赫在著名的《六法论》中，把“骨法用笔”放在第二位。唐代张彦远在《历代名画记》中说：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似，皆本于立意而归乎用笔。”可见用笔是历来为画家所重视的，是中国画技法中基础的基础。

绘画执笔大体同于书法，要掌握指实、掌虚、腕平、五指齐力的要领，但较之书法用笔更为灵活。书法执笔一般要求竖掌，绘画执笔则可横卧，可略高一些，这样与腕、肘、肩、身相互配合，运笔方能既灵活而又得力。

山水画运笔有中锋、侧锋、藏锋、露锋、逆锋、顺锋等方式。中锋运笔，笔管垂直，行笔时锋尖处于墨线中心；用中锋画出的线条挺劲爽利，多用于勾勒物体的轮廓。侧锋运笔，手掌向左偏倒，锋尖侧向左边；由于侧锋是使用笔毫的侧部，故画出的笔线粗壮而毛辣，此法多用于山石的皴擦。藏锋运笔，笔锋要藏而不露，横行“无往不复”，竖行“无垂不缩”，古人称之为“一波三折”；藏锋画出的线条沉着含蓄，力透纸背，常用来画屋宇、舟、桥的轮廓，也用于山石的勾勒，树干的双勾。露锋则使点画的锋芒外露，显得挺秀劲健，画竹叶、柳条便是便是露锋运笔。逆锋运笔，笔管向前右倾倒，行笔时锋尖逆势推进，使笔锋散开，笔触中产生飞白（中国画中一种枯笔露白的线条），这种点、线具有苍劲生辣的笔趣，可运于树干、山石的勾勒、皴擦中。顺锋运笔与逆锋相反，采用拖笔运行，画出的线条轻快流畅、灵秀活泼，勾云、画水常用此法。 中国画家十分重视运笔方法，积累了丰富的经验。山水画大师黄宾虹先生总结了前人经验，提出“五笔”之说，“五笔”即“平、圆、留、重、变。”所谓“平”，是指运笔时用力平均，起讫分明，笔笔送到，既不柔弱，也不挑剔轻浮，要“如锥画沙”。所谓“圆”，是指行笔转折处要圆而有力，不妄生圭角，要“如折钗股”。所谓“重”，即沉着而有重量，要如“高山坠石”，不能象“风吹落叶”，即古人说的“笔力能扛鼎”的意思。所谓“变”，一是指用笔有变化，或用中锋或用侧锋，要根据表现对象的不同而变化，不能执一。二是指运笔要相互呼应，古人比之为“担夫争道”，对此黄宾虹的解释是：“盖担夫膊能承物，既有其力，即数十担夫相遇于途，或让左，或让右，虽彼此来此往，前趋后继，不致相碰。此用笔之妙契也。”此外，运笔还要注意气势的连贯，前人提出要“意到笔不到”、“笔断意不断”，这些都是重要的经验之谈。

上述种种笔法，总括起来，无非是为了画线时求得粗、细、直、刚、柔、轻、重的变化，使画家更能为所描绘的对象“传神写照”。所以黄宾虹说，这些笔法“皆非画家凭空杜撰，乃各代画家在写生中，了解物状与性质所得。”种种笔线形式的创造，是画家对大自然的苦心探索，对客观物象的高度概括与提炼的结果，它不仅能表现物象的形与神，而且具有形式美的价值。

山水画在笔线形式美的要求上，提倡：一要枯而能润（指画出的线条既苍劲又腴润）；二要刚柔相济（指笔线形式要达到既不柔弱又不刚直的完美境界）；三要有质有韵（指内容与形式的统一）。

宋代韩纯全《山水纯全集》提出：“用笔有三病：一曰板，二曰刻，三曰结。”“板”是指没有腕力，用笔不灵活，画出的笔线平扁，没有圆浑的立体感；“刻”是说笔划过于显露，甚至妄生圭角，不自然，没有生气；“结”是落笔僵滞，欲行不行，当散不散，笔线不流畅。用笔犯了这三个毛病，就谈不上线条的形式美，作出的画也就不足观了。

克服用笔毛病的方法：一是要增强腕力，“笔为我使”。练腕力最好的方法是练习书法。中国画家历来有“书画同源”、“书法通于画法”的理论。为了适应山水画笔法多变的需要，真、篆、行、草都应该练一点，才能掌握用笔的种种技巧。二是要顺应自然，不矫揉造作。只有练就了深厚的用笔功力时，才能水到渠成，能得心应手地画出预期的线条，人为的做作只能适得其反。三是在行笔之前，必须“胸有成竹”。古人有“意在笔先”、“笔周意内”的说法，都是指必须想好了再落笔。 山水画中的用墨方法 墨分五色：在中国画里，“墨”并不是只被看成一种黑色。在一幅水墨画里，即使只用单一的墨色，也可使画面产生色彩的变化，完美地表现物象。“墨分五色”，那墨色有“干、湿、浓、淡、黑”五种，如果加上“白”，就是“六彩”。其中“干”与“湿”是水分多少的比较；“浓”与“淡”是色度深浅的比较；“黑”，在色度上深于“浓”；“白”，指纸上的空白，二者形成对比。

水墨丹青工坊

国画是怎样体现出“笔墨神韵”的？

就是“笔墨”功夫！

“笔墨”就是“用笔用墨”技术的简称，它是中国的原始文化沉淀。而“神韵”则是唯心感受，属于一种感性行为。

解读理解“笔墨神韵”的背后，涉及的却是文化的厚度与文化修养，同样的东西会造成完全不一样的解读。

只要知道这种认知与文化厚度有关就可以了。

吕永亮

中国画无论是山水、花鸟还是人物，都是用笔墨来创作来体现的，但是无论古今之中国画家在谈述时，往往是对笔墨之技法讲的比较多，而对用水则论述得较少。

中国画讲意境、讲气势、讲神韵，而这意境、这气势、这神韵，都是依靠笔墨来勾画来体现的。特别是写意画亦称水墨画，水墨画要出神韵见意境，关键在于用水是否得其妙法。

關鍵字: 美术 文化 用笔