徐冰：藝術家是幹什麼的？

今天給大家分享一篇前幾天看到的好文章，來自中央美術學院教授徐冰先生，為什麼普通的材料經過藝術家的手就可以賣很貴？藝術家到底是幹什麼的？怎樣才能培養出真正的藝術家？我們的藝術教育有哪些問題？讓我們來看看徐冰教授是怎麼說的。

徐冰：藝術家是幹什麼的？

目前東西方藝術教育都存在各自的問題，看上去問題的表現形式很不同，可究其原因是相同的：都是由學院體系認識的程式化導致的。由於教學必須是具體的、可量化的東西，“技法”“形式”容易說清楚，但藝術的核心部分卻難以量化，所以，學院最容易陷入孤立地研究藝術形式和手法的教條中，把藝術研究侷限在量化的形式、材料中，導致了從根本上抓不到藝術的核心問題。

徐冰著名作品《何處惹塵埃》，911恐怖襲擊時，身在紐約的他收集了爆炸後的灰塵，做出了這件作品

我在歐美藝術學院多次演講，經常與研究生進行討論。現在世界各地的很多年輕人都來紐約發展，我從這些畢業生的作品和他們的困惑中，看到了西方藝術教育的問題——偏頗地強調創造性。

徐冰的山水畫系列創作

對於藝術創作來說，創造性思維的培養無疑是極其重要的。但問題的關鍵是，現在把創造性思維的獲得，引入到一種簡單的模式（量化）之中，而不是對創造性產生機制，從根本上進行探索。事實上，創造性的獲得是有規律可尋的，但它的發生又相當“個案”。

這些山水其實全部是用垃圾做的，諷刺嗎？

一味地對學生強調創造性，但教給他們對待創造性的態度和渠道卻是一樣的，結果使學生充滿了創造性的願望，卻擁擠在只為“創造性”而創造的窄路上。由於思維方法基本一樣，自然，創造的結果也都一樣，這反而損壞了學生本來就具有的一部分創造性。

這些也是用垃圾拼貼，燈光投影出來的國畫作品

從西方具體教學方法的弊病來分析，他們的主要方法是強調對作品的解說能力。比如，學生必須說出所創造形象的理由、出處、受影響的來源等，這裡面有個非常大的悖論，即視覺藝術最有價值的部分是不能用語言代替的，正因為有些事情語言永遠不能解說，所以才有藝術。

徐冰在北京今日美術館門口的大型作品《鳳凰》

因此，最有價值的藝術創造更是難於在解說中找到合適的上下文，若教授強行把學生的思維嵌入藝術史的模式中，它將使學生對作品本身不負責任，而對解說的效果特別看重。所以，這種方法解決的不是藝術創造本身，而是為藝術辯解的能力，它將致使藝術學院的畢業生都會做一種能自圓其說的、標準的必然也是簡單的現代藝術。就像我們的畢業生一樣，都有一手嫻熟的繪畫技能。

《鳳凰》

這件巨型作品材料的來自於建築工地

這種弊病是如何形成的呢？西方藝術是以藝術史寫作的框架和方法為目標的。西方藝術史的基本態度是，記錄那些對藝術史有明顯的形式改變的藝術家和他們的作品（那些有明顯可闡釋性的作品）。

徐冰另一件著名作品，《天書》

仔細看看，這些熟悉的漢字，你都認識嗎？這些其實是藝術家自己造的字

藝術家以此為目標，創作動力卻與創造性本身無關。另一個客觀原因是，在北美，成功的藝術家不需要在學院任教，在學院的藝術家，大部分又是在主流系統中不具備成功經驗的人，這怎麼能給學生以有效的引導呢？

能讓外國人看懂的書法作品《ART FOR PEOPLE》，你看出來了嗎？

到中國當代藝術教育的長短，利弊當然是交織在一起的。比如，我們的藝術教育與傳統沒有明顯斷裂，這是長處；但傳統與新型社會形態需求的關係，卻並沒有解決。學生的學習有相對明確的標準和根據，但這套成熟的體系卻只偏重技能的傳授，學生直到畢業，也沒有把藝術的道理、藝術是怎麼回事搞清楚。

徐冰，英文書法的教程

具體說就是，身為一個藝術家，在世界上是幹什麼的？他與社會、文化之間的關係是什麼？他與社會構成一種怎樣的交換關係？要想成為一個以藝術為生的人，就必須搞清楚你能交付給社會什麼，這樣社會才能回報你。

香菸虎皮

在的美術教育中，一部分先生講藝術史論，另外一部分教技巧，但我總感覺缺少一箇中間的環節，沒有人講兩者的關係和其中的道理。一個學生如果弄懂了這個道理，他在什麼環境、做什麼工作都沒問題。

徐冰《地書》，試試看，你能不能讀懂？

我有時候想，我有房子住、有工作室用、有飯吃，這是用什麼換來的呢？

其實，藝術最有價值的部分，是那些有才能的藝術家對其所處時代的敏感、對當下文化及環境高出常人的認識、對舊有的藝術從方法論上進行改造，並用“藝術的方式”提示出來。這是人類需要的，所以才構成了可出售的價值，才能形成交換鏈。所以說，好的藝術家、設計家既是思想型的人，又是善於將思想轉化為藝術語言的人。而什麼是這類人的基礎呢？

徐冰在講解自己的作品

一直以來，我們對藝術基礎教育的認識是偏執的，重視繪畫基礎，輕視思維能力基礎；不考慮未來藝術家所應具備的素質，大量時間用在適合古代畫家需要的素描訓練上。設想，一個人從準備考附中開始，經過附中、本科、研究生的學習，從幾何石膏到雙人體，我們培養一個藝術家，花在素描上的時間是驚人的。

而在這樣大量的時間內，沒有課題的變化，只有難易程度的變化，全部過程只解決了一個技術——學會把三維的對象畫到二維的平面上，看起來還是三維的。素描確實是一種便捷有效的訓練方式，但不是全部。素描的目的不只是為描繪本身，以素描作為基本載體，可以分解出很多不僅與繪畫技能有關，並與整體藝術思維有關的一系列專門課題。通過訓練可培養一個人看待事物的能力，完成工作的能力，建立和培養有創意的思維線索和實現的能力，從一個粗糙的人，變為一個精緻能幹的人。

徐冰在創作《何處惹塵埃》

現代藝術教育，還必然涉及到“大美術”的概念。“大美術”是顯而易見的趨勢，它應該是包括與美術有關的設計、服裝、廣告、建築等專業的整體美術概念。從“純美術”到“大美術”這條弧線的延長線，就是未來美術與周邊生活的關係。我甚至認為，將來“美術”這個概念是沒有實質意義的，它被“大美術”稀釋到生活中的各個領域。

純美術將成為一種真正的傳統藝術，像古典劇種一樣被保留著。當然有人還在做，並繼續對它進行現代化的嘗試，但這部分絕對不是未來新型美術的主要部分。未來學院的主要任務，一定是要培養具有開闊的、創造性的視野的人，有極強適應性、能進入社會各種工作結構和領域的人，有極強的預見力和懂得如何發揮才能的人。這包括對創意和實現的能力的培養，即學生們應該具備廣泛的知識、合理地解決問題的方法和精湛的技能等。

法國總統馬克龍來看徐冰的展覽

說到底，美術的宗旨還是會還原它起源時的職能，它不是因“美術職業”，而是為人類生活所需的“創造”而產生的。創造這個基本動力，是藝術的核心，也是人類所有學科的核心。

徐冰：祖籍浙江溫嶺，1955生於重慶，長在北京。1977年考入中央美術學院版畫系，1981年畢業留校任教，1987年獲中央美院碩士學位。1990年移居美國。2007年回國就任中央美術學院副院長、教授、博導。作品曾在紐約大都會博物館、倫敦大英博物館、法國盧浮宮博物館、紐約現代美術館、西班牙索菲亞女王國家美術館、美國華盛頓賽克勒國家美術館、捷克國家美術館、德國路維希美術館等藝術機構展出；參加威尼斯雙年展、悉尼雙年展、聖保羅雙年展等國際展。

1999年由於他的“原創性、創造能力、個人方向和對社會，尤其在版畫和書法領域中作出重要貢獻的能力”獲得美國最重要的個人成就獎，麥克阿瑟“天才獎”（MacArthur Award）。2003年“由於對亞洲文化的發展所做的貢獻”獲得第十四屆日本福岡亞洲文化獎。2004年獲得首屆威爾士國際視覺藝術獎（Artes Mundi）評委會主席奧奎（Okwui Enwezor）在授獎辭中說：“徐冰是一位能夠超越文化界線，將東西方文化相互轉換，用視覺語言表達他的思想和現實問題的藝術家。”2006年由於“對文字、語言和書籍溶智的使用，對版畫與當代藝術這兩個領域間的對話和溝通所產生的巨大影響”獲全美版畫家協會“版畫藝術終身成就獎”。被《美國藝術》雜誌評為15名國際藝術界年度最受注目人物之一（2004 People in Review）。2010年被美國哥倫比亞大學授予人文學榮譽博士學位。

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