譚平《無題》，木刻版畫，78.5×120cm，2012年
2018年9月1日至10月21日，藝術家譚平的最新個展《譚平1993：兩個模數的開始》在站臺中國展出。譚平獨家為時尚芭莎藝術傾情撰文，講述此次展覽背後的故事、回溯重要作品的創作脈絡，並首次展示其工作方法。
譚平《無題》，布面丙烯，50×80cm，2008年
對我來說，最重要的事在於在此時此刻做一個展覽到底是為了什麼？站臺中國的個展，並不是對我藝術的簡單梳理或者回溯，而是嘗試通過展覽去找到它和中國當代藝術之間的關係，去找到它的特殊性。
譚平《無題》，木刻版畫，78.5×120cm，2012年
“模數”這個主題，是在和策展人崔燦燦看作品和聊作品的過程當中逐漸確定的。這是工業設計和建築領域裡的一個專業詞彙，對於普通人來講卻非常陌生。
很多人看完展覽之後最直覺的一個反應是：譚平還做了這些！過去大家看到我的繪畫是一片紅，或者一片藍，看到的是一個結果。可今天我們展示出來的是一個過程，一種工作方式。
譚平《無題》，布面油畫，200×300cm，2018年
對於所有人來說，我相信都是一個很新鮮的面貌，這並不僅僅是一個“譚平”的展覽。大家或許會反問，這是一個抽象展嗎？這還是一個抽象藝術家嗎？
譚平《無題》，布面油畫，200×300cm，2018年
作為藝術家，我當然希望通過展覽把我個人的創作與研究展示出來。可同時我還有一個願望，就是通過展覽找到我和其他人的關係，在一個關係當中，去發現創作的最獨特之處。
1
《理性的點》
創作時間：2008
展出地點：今日美術館
“理性邏輯背後隱喻著自由開放的形式，這些點在相互交織依存之中呈現各自的價值。”
從包豪斯開始，現代設計對於整個西方的影響非常大，我們現在看到的所有橫平豎直的審美趨向都從這裡來。在德國，有許多建築以及產品都是橫平豎直幾何式的，長時間生活在這樣的環境中，自然會感受到結構的美。
我的很多作品背後都有數字與結構，畫面中很多點的位置是經過幾何計算得出，可最後的結果看上去卻仍然非常輕鬆。我希望自己的作品在表面上看是表現性的，背後卻有非常理性與嚴密的邏輯。
2
《60×60》
創作時間：2010/2011
展出地點：中央美院美術館/元典美術館/韻畫廊
“空間是我創作的場所，也是我作品生成的載體。”
1995年，美院開始設計學科的建設。在最初建系時，設計學科只有兩個專業：平面設計、建築與環境藝術，我負責的基礎教學同時圍繞這兩個專業進行。在這個過程中，我對建築思維有了更為深入的理解，並對建築裡的“模數”概念產生興趣。“模數”是建築設計中恆定的單位尺度，它將建築物的每一個部分都控制在一個精確的比例之內，從一塊磚到一整幢建築物的體量。可以說，建築從設計到誕生，時刻被“模數”影響著。
我試圖將“模數”的概念運用至我的版畫創作中。《60×60》就是這樣一組作品，創作的偶然性暗藏於使用比例尺寸裁切的畫面中。我首先在2.4×1.2米的一塊五合板上用木刻刀刻出我想象的圓形圖案，再以60×60釐米為基本模數進行切割，形成不同大小的畫面。而《60×60》的每一次展出，都會根據具體的展覽空間重新確定作品的最終形態，或分散、或聚合、或重疊，不同的空間規劃著作品完全不同的呈現面貌。
3
《一杯》
創作時間：2011
“《一杯》裡包含著尺度的概念。”
我們總是說注重過程，藝術的過程，不一定是指藝術家在創作過程中體會了多少。最偉大的人是製造規則的人。
“一杯”這件作品就是這樣，相同的滿滿一杯墨，儘可能保持一致的速度與心境，將它慢慢傾倒至紙上，得到的是幾乎類似實際上卻不可能完全相同的“圓形”。在這樣的限定下，盡力讓每個圓形之間的差異特別小，去感受那些非常微小細膩的情緒。這種感受的強度在內心。
4
《1劃》
創作時間：2012/2017
展出地點：中國美術館/北京民生現代美術館
“一條40米長的木刻線，每刻一米用十分鐘，用了6個多小時一氣呵成。刻刀與木板接觸的瞬間如同鋒利的刀劃開皮膚，深深地、慢慢地行走，不斷深入這塊黑色平面的內部。”
放學路上狂奔的手裡拿著不知道從哪裡撿來的小木棍一路塗劃，從一個衚衕飛奔到另一個衚衕，手裡的棍子飛速地劃過這面牆，斷開，再到下一面牆，留下彎彎曲曲的痕跡，彷彿是青春破壞的足跡。
十二三歲的年紀給我最強的感受就是這樣的破壞慾，一種無拘無束的狀態，那是一個最為難忘的年代。在中國美術館，在這麼長的一面牆上，我想要找回那樣的狀態，用一根40米的長線以頑童般地心態完成一次精神旅程的遠足。
5
《覆蓋》
創作時間：2013
“‘覆蓋’是時間切片的疊加。從精神層面來看，‘覆蓋’這個行為如同修行，建立的是心智。 ”
1994年我從德國重回美院做教師，開始籌建設計專業，後來又從事教學管理工作，俗稱“雙肩挑”。學院規模變大，日常事務也變得越來越龐雜，除了工作時間，它還幾乎佔據了我全部的私人空間，全然是一種超負荷的工作狀態。
我的角色，也從一個專業畫家轉變成一個教育管理者。我在痛苦與糾結的過程中逐漸適應這個角色，心平氣和做一個“業餘畫家”。業餘畫家不太求結果，更在乎如何在有限的業餘時間裡去感受畫畫的快樂，在沉浸中尋找曾經的初心。
“業餘時間”的有效運用，也就形成了我自己的創作方法。擠出業餘時間來到工作室，做的第一件事就是把畫面塗一遍。這種塗繪是在主觀限定的時間內完成，只有改變以往畫畫的常態，不斷與過去的習慣相對抗，才有可能在限定的時間內完成一個最基本的目標，“塗滿畫面”。“塗滿畫面”的行為消解了對繪畫結果的追求，使過程的體驗成為了重點。
6
《彳亍》
創作時間：2014/2015
展出地點：偏鋒新藝術空間/美國亞利桑那州立大學美術館
“‘畫’是一個動詞；‘畫’是一個投射的狀態。”
每一幅素描都是在兩分鐘之內完成。在限定的時間內，我放慢用筆的速度，手隨心所欲地控制著壓力和強度，炭條在紙面上勻速而有規律地移動著，將我的心理狀態貼切、細微地呈現出來。
在我筆下誕生的線條，究其圓線抑或直線，已經不再重要。看起來似乎是一樣的圓，似乎也還是這條線，但是線條內裡所蘊含的質與量，已經完全不同於以往。這是一個非常自然的轉變，圓與直線在符號表象上的意義不再是我關注的重點。我享受每一次的落筆。
7
《白牆計劃》
創作時間：2016
展出地點：上海油畫雕塑院美術館
“藝術家在消解物質（作品）結果的過程中，向內建構起新的生長空間，使內外兩個空間同處於膨脹的狀態中。”
白牆計劃是通過現場塗繪的方式將一個500平米的展覽空間畫滿，然後再用塗料將其覆蓋，恢復成為白色空間的行為過程。從白牆到白牆，從無到有再到無這樣一個過程是這次行為中最核心的部分。
8
《... ...》
創作時間：2017
展出地點：元典美術館
“這是一件作品，這不是一件作品。”
書籍：建立不同項目之間的開放關係
書籍設計：龍佑玟
出版時間：2018年1月
出版機構：獨立出版物
Paul Rand（保羅·蘭德）提到過“所有的藝術都是關係。設計就是關係。設計是形式與內容之間的關係。”這套強調藝術家創作中觀念性作品的冊子便是“建立關係”的結果。
“在初次拿到譚平老師提供的創作資料時，它的龐雜和廣博在撼人的同時也讓人既明晰又困惑。明晰的部分是來自藝術家作品裡不加矯飾的純粹、簡明；困惑則來自於作品與作品之間微光閃現的精神延續和視覺關聯。”
——龍佑玟
在為每一個創作項目設計的獨立檔案袋裡，平均分配四張沒有裝訂的活頁紙，在內容編排上收錄了包括藝術家個人對於該創作項目的自述、評論家的評論文章（節選）、作品圖、展示藝術家創作過程的照片，以及展覽現場圖。
這套包含有《60×60》《一杯》《1劃》《覆蓋》《彳亍》等五個創作單元的書冊，嘗試從海量的創作素材中將藝術家截然不同面向的作品非線性編排，打破固化的觀看秩序，形成一個新的閱讀邏輯。
正在展出
展覽：“譚平1993：兩個模數的開始”
地址：北京市朝陽區酒仙橋路798中街 站臺中國
特約專欄作家 / 譚平
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