许钦松
7月27日，许钦松的作品《高原甘雨》在“大潮起珠江——庆祝改革开放40周年全国美术作品展”中展出。▼
《高原甘雨》 许钦松 184cm×147cm 2009年
那一年西北遭遇干旱，许钦松多次到大西北写生创作。
当时，他正在探索山水画水墨灰色的表现力，经过反复地尝试琢磨后，完成了这幅甘雨降落、云开见日的高原山水图景。
《高原甘雨》墨色鲜明跌宕，达到形式上的纵深性，尤其是硬边的黑白墨色，转化成实虚关系，浓淡的墨色营造出氤氲的空灵感。
《高原甘雨》局部
画面行笔如运刀，以点和线塑造出一层层丘壑，构造了高原骨架，展现高原刚健挺拔、连绵起伏的景象。
画面上方的阳光穿透云层射向高原，又表现出大雨即将过去的瞬间变化，表达作者对天降甘霖润众生的喜悦畅快之情，以及对大自然神秘、圣洁的热爱。
《高原甘雨》局部
此外，许钦松在这幅作品解决了国画难以表现下雨题材的难题，他将西北山水的雄阔与南方山水画的氤氲灵动结合起来，创造了水墨淋漓的感觉，实现了对山水画从形式到技法再到意境的创新。
整幅作品在一种激情下创作完成的，很好地把握了创作激情与笔墨控制力的问题，并且在水墨色彩、高原大雨的题材上，创造出一种富有变化的奇妙效果。
以下是南方日报记者对许钦松的独家专访
Q
请您讲述一下《高原甘雨》的创作过程和使用的一些新技法。
许钦松：上个世纪九十年代，我开始做“水墨灰色地带的探索”课题，画了大量西北题材的山水画，从西北题材里寻求一种对原有传统笔墨技法的突破。
那一年西北干旱，我正在做水墨探索，画西北题材的作品。那边的广播、电视里轮番报道干旱给西北地区带来的灾害。身为南方人，我经常看到下雨，对雨特别亲切。而在西北，雨对他们而言是甘雨，只要能下雨就是天大的事，（因为）缺水。于是我就想到这个主题，叫《高原甘雨》。我把“水墨灰色地带的探索”这个技法运用上去，希望这张画充满着激情。
创作过程中，为了表现下雨的技法、水分，水墨把握得非常到位，这里也有偶然的因素。现在如果叫我重画一张，估计也画不出来。
就是那个时段、那个探索，加上这样一个构思，几方面融合，产生了这张作品。它是当年我的作品当中最有代表性的，后来被中国美术馆收藏了。
大地风骨 许钦松 中国画 650cm×230cm 2009年
Q
这件作品中，您把南方山水画和北方山水进行创造性融合，能否谈谈您在这方面的探索心得？
许钦松：最近这二十年，我在水墨创作里会不知不觉把下雨这种景象融合到西北题材中，或是北方的大山大水里。
我从小时候就很喜欢下雨。突然下大雨时，很多孩子就跑起来躲雨。我跟他们不一样，那时我就几岁，下雨我就脱光自己身上的衣服，然后在田野里头跑。让雨点抽打着自己的身体，产生痒痒的感觉，又非常清凉，就像泼水节那样。所以下雨在我的潜意识里是愉悦的感觉。
大家都知道，在我多年的创作中，为了表现北方雄壮的山水题材，我自然而然地把南方这种滋润、灵动融入到里面。因为在我看来，如果仅仅直接表达北方山水的雄壮奇崛，它缺乏一种灵动的东西，那我结合自身的生活经历，把岭南滋润和灵动的意味融合进来，变成北方与南方、庄重与灵动的结合，于是赋予了山水画一种新鲜的风格样貌。
谷底腾云 许钦松 中国画 184cm×147cm 2012年
改革开放四十年，您艺术上最大的一个改变或最大的收获是什么？
许钦松：广东作为改革开放的前沿阵地，这片热土也催生了我艺术的成长。
这里能接触到最新的思想观念，广东各个部门、各个领域，文艺界、美术界……都具有强烈的创新意识。坚持创新创造，给广东发展带来了各种各样的机遇，广东也由此为全国发展提供了新经验。
改革开放之初，我调入广东画院，到今年刚好40年。我在这样的一片热土里成长，目睹了这四十年来的变化。自然而然地，这样的氛围给了我很大的创作空间。这样的大环境，催生了我的艺术探求，助推我艺术道路的发展，这是我最大的收获。
而因为有创新意识，某种程度上，我的山水画比别人的创新步子会迈得快一点，或者力度更强一点，于是成就了我的山水画艺术。
舒卷万里 许钦松 中国画 240cm×600cm 2011年
Q
在这个过程里面有没有您印象特别深刻的节点。
许钦松：大概有三个节点。
第一个是上个世纪新的美术思潮，西方各种文艺思潮、西方当代艺术涌入，我们一下子懵了：原来艺术这么多种多样，而且跟中国传统意味的艺术非常不一样。
那时我正年轻，三十多岁。这个阶段，我创作的很多作品大胆吸收了当代艺术的某些理念，我的山水画有新的面貌，比如我吸收西方艺术的平面构成、线与线的组合以及色块的组合，形成新的山水画基本主调。那时候我很喜欢画四尺对开的方形构图。
后来我到国外西澳洲访问，又把西澳洲写生的素材，融入进我的山水探索，形成了一批访澳大利亚的作品，在广东画院展出，引起很大反响，人们感叹，中国山水画竟然可以这样画，这一步迈得有点大。
第二次节点是我2003年在广东画院举办的展览。这次展览开启了我对“金石入画”和“光色入画”的探求，属于创作层面的转型。
我多年在美术院校，经过长期严格的色彩训练，我的水彩画、水粉画、油画都画得不少，这些色彩学方面的修养，我自然而然带到了中国画里去。所以我就懂得不同的画面应该使用什么颜色，也必须讲色调。事实上，油画会强调色调，国画没有人提出这个概念，国画颜色用的是本色，原料是什么色就用什么色。
所以这一阶段，我打破了传统国画在这方面的束缚，探索“金石入画”和“光色入画”，创作了大量作品，包括一批西北、新疆题材的国画。集结成书并展出，也引发了很大的反响。
第三个就是对水墨灰色地带的探求。有些理论家指出，我的作品体现了一种“宇宙意识”与“诗意情怀”、开创了圣洁山水、吞吐大荒的许氏山水图式,被认为是引领新时代岭南山水画创作的典范。
这一层面的探索发源于上世纪九十年代初，延续到现在，以这种新的大笔墨观，我创作了一大批大张山水画，还有一大批纯色的水墨山水画。
对纯水墨灰色的探究，笔墨黑白之间的灰度空间得到了深入细致的表达，墨色层次和光色敏感度的发挥，使得画面灰色极度饱满、变化丰富，跟传统水墨相比，大大拓展了中国画笔墨原本的内涵和极限，提高了画面的构建、气场、动势及精神维度。
纵观中国整部山水画史，虽然它在我们心目中具有最高级的艺术品格，但在淡墨这个层面并没有做很深入地探索，所以我把主要精力放在这里。再加上我“大笔墨观”的提出，形成了作品大气势、大气象的格局。与传统琢磨一笔一划的小笔墨相对，它更追求一种大气涌动的气势。
“大笔墨观”的提出也有其来由。
自南北朝以来，中国山水画一直秉承宗炳《画山水序》提出的“可行、可望、可游、可居”的审美思想。但过去古人看画都是在案头，一边打开一边近距离安静地观赏，这是一个案头观赏、观看的方式。
上个世纪30年代，中国有了第一座美术馆，把西方美术馆的展览机制引入中国，我们观看中国画的方式产生巨大转变。从案头变为在一个庞大的空间里去观看，这种改变，使得我们不得不重新考量中国当代山水画，欣赏方式的改变，它的落点应该在哪里？我进行了一系列研究，提出“大笔墨观”理论，以新视角、新笔墨、新技法诠释现代山水画，终于形成我特有的山水画思想，然后通过艰苦努力走到了今天。
由广东省委宣传部组织广东省山水画名家集体创作大型中国画长卷《珠江胜景》也在此次展览中吸引众多目光。
其中，中卷《云涌珠江》由许钦松带领黄唯理、陈映欣、张东三位山水画家组成创作团队集体创作。此卷主要表现黔桂流域至西江一带景色，突出峻岭激流，兼顾亭台古迹，侧重浑厚雄奇，渲染曲折崎岖。 许钦松表示，这一段富有戏剧冲突性、起伏跌宕。画面通过江水浪潮与升腾云潮奔流的速度，表现珠江的勃勃生命力。
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